Nancy Io, cineasta: “Macau é o local ideal para exibir cinema independente”

A curta-metragem “Projecto Miúdos”, de 2016, foi a estreia de Nancy Io no mundo do cinema de Macau. Licenciada em Taiwan, a também professora decidiu regressar aos bancos da universidade para aprender mais sobre pós-produção, estando neste momento a trabalhar num filme que se passa em Macau nos anos 90. Nancy Io assume que construir uma verdadeira indústria do cinema no território é preciso exibir mais cinema independente e apostar na formação

 

Antes de “Projecto Miúdos”, foi para Taiwan estudar cinema. Porquê Taiwan?

O “Projecto Miúdos” teve uma boa reacção em Macau e, por sorte, também foi exibido duas vezes em Taiwan. Nesse período conheci muitos produtores e pude sentir a sua paixão pelo cinema. Um amigo meu também tinha feito uma pós-graduação em Taiwan e havia lá vários locais de exibição de filmes com temas novos que eram raros em outros sítios. Havia também um festival de cinema. Fui para Taiwan porque queria estudar a origem, o desenvolvimento e as características dos filmes chineses, por serem parte importante da cultura chinesa. Também quis perceber o desenvolvimento do cinema em diferentes países. A diferença nos modos de vida tem impacto nas características dos filmes. Agora estou a produzir um filme em parceria com um professor da universidade.

De que projecto se trata?

Estou a frequentar uma pós-graduação em cinema na Universidade Nacional de Artes de Taiwan, onde quero desenvolver mais o meu conhecimento sobre empresas do ramo da pós-produção. Estou na fase de preparação para um filme novo cujo conteúdo é sobre os anos 90 em Macau. É uma história de suspense e de amor, mas é também o trabalho final da minha pós-graduação de quatro anos.

Porquê apostar tanto no conhecimento sobre a pós-produção?

Para mim é uma parte muito importante de cada filme, tem de ter um estilo certo e tem uma enorme influência. Nem todos conseguem tratar bem a cor, o som, a edição de um filme, e só o nosso coração sabe o que é o mais correcto. Por isso tenho de ser prudente na escolha da empresa de pós-produção.

De que forma é que “Projecto Miúdos” mudou a sua carreira?

O filme fez parte de um projecto da Direcção dos Serviços de Educação e Juventude, sobre o consumo de leite nas escolas. As escolas distribuem inquéritos aos pais para estes escolherem se os seus filhos bebem ou não leite. O nosso filme era muito parecido com esse projecto, focado no facto de serem escolhas dos pais em vez das crianças. Achamos que o leite é um alimento nutritivo, mas será que as crianças gostam? Por isso pusemos o nome “Projecto Miúdos”. Sou professora num jardim de infância e vejo que há alguns problemas no sistema educativo em Macau.

Tais como?

Os pais querem que os filhos aprendam coisas novas, as escolas querem que as crianças participem em espectáculos para desenvolverem talentos. Quando produzi o filme quis apresentar a pressão que é colocada pelos directores das escolas aos professores, que depois pressionam as crianças. No fim, as crianças são vítimas.

Como concilia a sua profissão de docente com a carreira no cinema?

Mesmo sendo professora, fiz a mim própria a promessa de fazer um novo filme por ano. Sou professora de artes, o que está muito relacionado com aquilo que eu mais gosto no cinema, que são os arranjos, a concretização de um mundo fictício para o telespectador. É o poder combinar a luz, a fotografia, os efeitos especiais, o criar todo um estilo visual num filme. Neste momento o mercado cinematográfico atravessa uma fase próspera e temos muitos filmes com a mesma qualidade e efeitos usados nos filmes feitos na China. Por isso quis estudar diferentes linguagens do cinema.

Trabalhou no projecto do filme “Fig”. Como surgiu esta oportunidade?

O “Fig” é uma obra de Vincent Chui Wan Shun, que foi meu professor quando estava no segundo ano da universidade. Quando acabei o curso ele propôs-me trabalhar na realização do filme e também na direcção de arte. Fiquei surpreendida mas, como gostava do filme, concordei em trabalhar no projecto. O meu professor queria juntar jovens que se interessavam por um período mais antigo do cinema de Hong Kong para se fazer filmes independentes e foi criado o grupo Ying e Chi, e vários jovens que fizeram parte deste grupo tornaram-se realizadores em Hong Kong. O Vincent organiza um festival de cinema independente por ano, procura filmes de todo o mundo para que os mais jovens possam ter esse contacto.

Também tem essa vontade de contribuir para o cinema local que não apenas através dos seus filmes?

Gostava de levar mais curtas-metragens de Macau para serem exibidas em Taiwan, para que o público de Taiwan possa conhecer melhor o que se faz em Macau e para que haja uma comunicação. Também quero atrair mais estudantes para esta área. Espero que Macau possa ter a sua própria indústria cinematográfica no futuro, e que eu possa contribuir para isso.

Mas Macau já tem um sector do cinema com algum desenvolvimento?

Há dez anos começaram a ser umas longas metragens, mas a reacção não foi muito boa, e também não havia formação em cinema. Havia apenas cursos na área do jornalismo e da comunicação e ao nível da produção de curtas-metragens. Não temos uma verdadeira indústria, pois mesmo com conhecimentos não temos muitas oportunidades nem espaço para desenvolvimento. Pelo contrário, a indústria do cinema em Hong Kong está muito mais desenvolvida. Macau está apenas numa fase inicial e é por isso que a educação é essencial.

Alguns filmes de Macau têm tido presença lá fora, por exemplo.

Sim. Temos um festival de cinema com a presença de vários países e o filme de Tracy Choi, “Sisterhood”, venceu a primeira edição do Festival Internacional de Cinema de Macau. Recentemente o filme “Crash”, de Hong Heng Fai, entrou para a lista de candidatos ao prémio de melhor curta-metragem dos Prémios Cavalo de Ouro do Festival de Cinema de Taipé. Alguns realizadores de Macau também participaram em festivais em Berlim, Índia e Taiwan, o que significa que o cinema em Macau já teve o seu início.

Como explica que só agora a indústria do cinema esteja a dar os primeiros passos?

Em Macau pensa-se que trabalhos como as artes, o cinema ou as indústrias culturais e criativas no geral não dão o mesmo nível de rendimento, por isso é mais difícil formar uma atmosfera artística no território. Se os jovens puderem ver filmes diferentes podem entender outro tipo de questões sociais, bem como o significado de fazer um filme independente. Mas não é fácil afastarmo-nos da cultura cinematográfica dominante.

E os cinemas de Macau, estão prontos para o cinema independente?

Há várias salas de cinema, mas não há muitas que queiram projectar cinema independente. Gostava de ver algumas salas a exibir mais filmes de Macau e não apenas o cinema comercial que tem como intuito ganhar dinheiro. Quem estuda cinema sabe que uma oferta baseada no cinema comercial não chega para desenvolver um sector. Num território pequeno é preciso equilibrar as coisas. Para desenvolvermos o cinema é preciso ensinar cinema. É mais fácil o público compreender o cinema comercial, porque tem celebridades e temas populares, enquanto que o cinema independente tem baixo custo e os filmes são mais experimentais. Mas os cinemas não devem ter em conta apenas os elementos comerciais de um filme. Há também realizadores que só querem fazer dinheiro, outros que assumem esta profissão por vaidade. Mas Macau é um local apropriado para a exibição de cinema independente devido aos casinos, porque muitos jovens acham que os casinos dão oportunidade de salários mais altos e pensam que a educação não é importante e só querem começar a trabalhar o mais cedo possível.

26 Jan 2021

Cinema | Festival Internacional de Macau já tem lista de candidatos

Viggo Mortesen, que desempenhou o papel de Aragon em O Senhor dos Anéis, estreia-se como realizador e traz a Macau o filme Falling, em que um progenitor tem de enfrentar os fantasmas da homossexualidade do seu filho

 

O filme Falling, do actor e agora realizador Viggo Mortesen, conhecido pela personagem de Aragon em O Senhor dos Anéis, é um dos principais destaques das onze películas que vão competir pelo prémio principal do Festival Internacional de Cinema de Macau. A lista das obras candidatas ao prémio foi revelada ontem pela organização, com a China a ser o país mais representado na categoria principal com três filmes. O evento vai acontecer entre 3 e 8 de Dezembro, num formato exclusivamente online, e os bilhetes para assistir às exibições a partir de casa vão estar disponíveis a partir da próxima sexta-feira dia 13, no portal do evento.

No que diz respeito à película de Viggo Mortesen, uma produção americana, canadiana e dinamarquesa, o enredo aborda a situação de um pai conservador (interpretado por Lance Henriksen) que se vê obrigado a vender a quinta onde mora, devido a uma situação de demência, e a mudar-se para casa do filho. A mudança é feita a contra-gosto porque o descendente, interpretado pelo próprio Mortesen, vive com o parceiro num casamento homossexual, uma situação que entra em conflito com os valores conservadores do pai.

Do Interior da China vem o sucesso comercial Back to The Wharf, de Xiaofeng Li, que gerou receitas superiores a 7 milhões de dólares americanos nos três primeiros dias de estreia, do outro lado da fronteira. Li traz a Macau a história de Song Hao, interpretado por Zhang Yu, um estudante brilhante que deixou a aldeia natal após uma experiência traumática. Agora, 25 anos após o episódio marcante, Song Hao regressa ao local de origem e decide enfrentar os fantasmas do passado, numa viagem pessoal acompanhada pela colega de turma Pan Xiao Shuang (Candy Song).

O regresso às origens é também o mote para o filme The Cloud in Her Room, da realizadora Xinyuan Zheng Lu, em que a protagonista, interpretada por Jin Jing, tem de se adaptar à nova realidade do divórcio dos pais, que constituíram diferentes famílias. O último filme vindo do Interior tem o título Love Poem e foca-se na discussão entre um casal jovem, interpretado pelo realizador e a sua esposa, Xiaozhen Wang e Qing Zhou, respectivamente. Um fim-de-semana de aniversário rapidamente se transforma num cenário de pesadelo em que tudo é posto em causa.

A representação da Coreia do Sul fica a cargo do realizador Bae Jongdae, com o filme Black Light, que aborda as coincidências e consequências de um acidente de viação.

Esquadra europeia

Como agir contra o autoritarismo comunista da Checoslováquia? Aceitar ou contestar? O dilema é colocado a dois estudantes de um seminário e serve de enredo para o filme Servants, do checo Ivan Ostrochovsky. Esta é uma obra que tem como particularidade ser filmada a preto e branco, num festival que é dominado pela cor.

Também da Europa chega às salas do Festival Internacional de Cinema de Macau Shorta, realizado pelos dinamarqueses Frederik Louis Hviid e Anders Ølholm, que se centra na violência policial e na relação com os guetos de gerações de emigrantes. De França chega-nos uma história de amor entre uma adolescente de 16 anos, aborrecida com o grupo de pares e à procura do sentido da vida adulta, e um homem mais velho. Spring Blossom é realizado por Suzanne Lindon, que desempenha igualmente um papel importante.

A participação europeia fica concluída com Limbo, a história de um refugiado sírio à espera de autorização para viver na Escócia, realizada por Ben Sharrock, e ainda com Sweat, do polaco Magnus von Horn, que aborda o “vazio” das redes sociais e o sentimento de solidão.

Entre os filmes candidatos ao principal galardão do festival encontra-se ainda Tragic Jungle, cuja acção decorre na fronteira entre o México e o Belize, e se debruça entre o papel do homem e da mulher. Neste filme da mexicana Yulene Olaizola, Indira Andrewin desempenha Agnes, uma jovem que se tenta libertar do homem com quem estava obrigada a viver, mas que de repente se vê a braços com um grupo de homens, cheios de outras intenções. Esta é uma mensagem da afirmação da mulher que ao longo do enredo passa de um “objecto” para um ser livre.

Curtas e boas

Além do prémio principal, decorre ainda o concurso de curtas, com 10 nomeações e entre as quais se encontram duas obras locais. Em Empty Sky, o realizador Kun Ieong Chiang leva-nos ao Vale das Borboletas e conta-nos a história de um homem com deficiência mental, que sonha poder levar uma vida normal, apesar das suas limitações.

Por sua vez, Lou Ian Io realizou Mama, uma curta metragem sobre a forma como o facto de lidar com um bebé leva a protagonista principal, uma idosa, a viajar no tempo e a recordar os tempos em que ainda não vivia tempos de solidão. Ao contrário de Empty Sky, que tem como língua o cantonense, em Mama os protagonistas expressam-se em mandarim.

As restantes curtas a concurso têm origem em Singapura, Interior da China, Hong Kong, Estados Unidos, Tailândia e Japão, algumas das quais são produções conjuntas.

10 Nov 2020

IFFAM | Maxim Bessmertny e Sam Leong em destaque nos prémios “Project Market”

“The Darter”, de Sam Leong, e “Marlin”, de Maxim Bessmertny, fazem parte do cartaz de 14 filmes seleccionados para a quinta edição dos prémios “Project Market”, do Festival Internacional de Cinema de Macau, que acontece entre os dias 3 e 5 de Dezembro

 

A quinta edição dos prémios “Project Market”, que integram o Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM, na sigla inglesa) está de regresso entre os dias 3 e 5 de Dezembro e já são conhecidos os 14 filmes seleccionados para a competição. De Macau, destacam-se as produções “The Darter”, de Sam Leong, e “Marlin”, de Maxim Bessmertny.

Destaque ainda para os filmes “Ash Valley”, de Shu Zhu; “Death’s Bride”, de Antonio Morales; “Fellow Travelers”, de Haolu Wang e “Mars Express”, de Jérémie Perin, entre outros.

Segundo a organização do IFAAM, esta é uma competição que acontece “num período desafiante” e pretende ser “um encontro entre culturas, apresentando uma série de filmes que revelam “um elevado nível de talento e que misturam vários elementos da Ásia e do mundo ocidental”.

Os projectos seleccionados concorrem a prémios pecuniários, sendo o mais elevado o de “Melhor Projecto”, no valor de 15 mil dólares americanos. O prémio mais baixo, no valor de cinco mil dólares americanos, é o “Espírito de Macau” [Macau Spirit Award], que visa “reconhecer o projecto que melhor integra as diferentes culturas” e que tem como objectivo de “celebrar a natureza glamourosa e inclusiva de Macau”. Além dos prémios pecuniários, os realizadores têm a oportunidade de se conhecerem e partilharem experiências. Ao seleccionar estes 14 filmes, o júri teve a preocupação de juntar “talentos já estabelecidos e interessantes novos realizadores”. De frisar que, devido à pandemia, esta edição dos prémios realiza-se online.

Regresso de Mattie Do

Depois de ter participado na primeira edição dos prémios “Project Market”, Mattie Do está de regresso com “Entaglement”, um filme com pinceladas de horror e mistério. Eric Khoo, já distinguido no Festival de Cinema de Cannes, também foi seleccionado com o filme “Prisoners of the Pacific”, onde trabalhou na qualidade de produtor. Junxiang Huang foi o realizador da película. Por sua vez, Christopher Doyle é também um dos nomes presente na lista dos 14 filmes com a comédia “Peaches”, realizada por Jenny Suen.

A ficção científica ganha espaço em filmes como “Fellow Travelers”, produzido por Camille Gatin e realizado por Haolu Wang. “Fellow Travelers” é uma adaptação do conto de Alastair Reynolds, autor britânico nascido em 1966.

Simon Jaquemet “explora a intersecção das emoções humanas e inteligência artificial” com o filme “Electric Chid, enquanto que o francês “Jérémie Perin” traz um filme de ficção científica e género noir intitulado “Mars Express”. Já Shu Zhu apresenta o seu primeiro filme “Ash Valley”, depois de uma série de bem sucedidas curtas-metragens.

Konstantina Kotzamani é outra das realizadoras presentes na lista dos filmes seleccionados para os prémios “Project Market”, com o seu filme de estreia “Titanic Ocean”. Romeo Candido, realizador e produtor filipino e canadiano, integra esta lista com “The Dragon Returns”, um filme que nos traz uma história de fantasia: Bruce Lee é chamado para uma missão importante, a de salvar o seu velho amigo Chuck Norris da prisão.

27 Out 2020

IFFAM | Festa do cinema regressa de 3 a 8 de Dezembro

Está confirmado. O Festival Internacional de Cinema e Cerimónia de Entrega de Prémios regressa a Macau entre 3 e 8 de Dezembro. A informação foi avançada na sexta-feira, contrariando o trauma cultural dos eventos cancelados devido à pandemia

 

Num ano marcado pela paralisia cultural forçada pela propagação da covid-19, Macau vai contar com um dos seus mais emblemáticos eventos culturais.

O Festival Internacional de Cinema e Cerimónia de Entrega de Prémios (IFFAM na sigla inglesa) está marcado para os dias entre 3 e 8 de Dezembro, de acordo com uma nota oficial divulgada na passada sexta-feira pela comissão organizadora do festival.

A quinta edição do IFFAM irá contar um programa de longas e curtas metragens, que decorrerá sob o tema “Uma Celebração da Vida & Do Grande Ecrã”, estando igualmente a ser preparada uma secção dedicada à covid-19, mais precisamente à “experiência da saída do confinamento e regresso ao grande ecrã”.

Sobre o contexto em que está a ser preparada a edição deste ano, Mike Goodridge, director artístico do IFFAM, referiu em comunicado que “este ano tem sido penoso assistir ao encerramento das salas de cinemas por todo mundo” e que, por isso mesmo, o festival pretende “celebrar o regresso do grande ecrã e a alegria desta maravilhosa experiência partilhada”. “Não há nada como sentar-se numa sala escura e viver um filme com estranhos, rir, chorar e berrar em conjunto”, refere ainda Mike Goodridge.

Tempos difíceis

Já Maria Helena de Senna Fernandes, directora dos Serviços de Turismo (DST) e presidente da Comissão Organizadora do IFFAM, aponta que “o cinema manteve o seu poder de transcender barreiras e continua a criar ligações pelo mundo fora”, mesmo durante as adversidades criadas pelo novo tipo de coronavírus.

“Nestes tempos de adversidade, o nosso entusiasmo é reforçado pelo facto de a indústria cinematográfica prosseguir com perseverança, como bobinas de filmes que rolam ininterruptamente”, refere ainda Maria Helena de Senna Fernandes. “Aguardamos com expectativa apresentar os frutos do trabalho duro de cineastas de todo mundo”, acrescenta.

8 Jun 2020

Mattie Do, primeira e única mulher realizadora do Laos: “Vivenciei a morte em primeira mão”

A história da ligação de Mattie Do com o cinema é tudo menos comum. A ex-professora de ballet deixou Los Angeles para regressar ao Laos por questões familiares, mas acabou a fazer filmes. A única e primeira mulher a fazer cinema neste país do sudeste asiático esteve na última edição do Festival Internacional de Cinema de Macau a apresentar “The Long Walk”, um filme que começou a ser feito no território

 

Qual a sensação de estar neste festival com o seu filme, tendo em conta que o projecto nasceu em Macau? Como foi esse processo?

É uma grande emoção. É tão bom estar de volta. Eu e a minha equipa rimo-nos quando aqui chegámos por sentimos este lugar como nosso, como se estivéssemos em casa, porque nós estivemos aqui na primeira edição. Lembro-me de ver as dores de crescimento deste festival desde o dia em que começou e tem sido incrível porque quando falámos do filme, e é um filme algo conceptual e complicado, as pessoas diziam sempre “isso é um filme de loucos, não sei como é que será feito”. Depois disso conhecemos muitos parceiros enquanto aqui estivemos e no momento em que terminámos a produção eles queriam que o nosso projecto fizesse parte do festival. Eu vim literalmente da selva e em dez dias estava em Macau a mostrar clips da fase de produção. Tinha escaldões e o aspecto de um animal qualquer acabado de chegar da selva. E agora estou aqui no tapete vermelho. Depois de terminarmos o filme, acabámos por ser seleccionados para estar no festival, por isso este sítio é muito familiar para nós e estão todos muito contentes por nos receber outra vez.

Pode falar-nos mais de “The Long Walk”?

Há muitos elementos deste filme que vieram da minha vida real. Perdi (para um cancro) a minha mãe quando tinha 25 anos e ela morreu em minha casa. Ela estava connosco e a forma como retrato a morte no geral é muito feia, nada romantizada, porque vivenciei a morte em primeira mão. Também passei pela morte do meu cão, que morreu há dois ou três anos depois de o mandarmos abater, porque ele já estava muito velho e tinha uma doença terminal. Isso afectou muito a minha vida. Vivi com muita tristeza, e com muito arrependimento acerca daquilo que podia ter feito de diferente e, na verdade, o meu cão já tinha 17 anos, e a minha mãe tinha um cancro de nível 4, portanto não havia nada que pudéssemos ter feito. Mas são coisas que ficam contigo e acabas sempre por pensar “se tivéssemos ido ao médico mais cedo” ou “se eu pudesse mudar algo”, mas não é possível. Não podemos mudar o tempo e foi por isso fiz este filme, de certa forma para lidar com a minha dor e com a minha perda. Outro aspecto, o de ser deixado para trás, não é apenas o facto de sentir que eu fui deixada para trás pela minha mãe e pelo meu cão, mas que o próprio Laos foi deixado para trás. O Laos é um país com mais de 450 anos de história mas muitos de nós, eu incluída, vivemos em ruas onde a estrada é de terra batida. A nossa cultura é muitas vezes esquecida e o mundo muitas vezes nem se apercebe que existimos. Mas quando nos visitam, muita gente age como se fosse a nossa salvação e dizem-nos o que precisamos de fazer para resolver todos os nossos problemas. Obviamente que muitos aspectos melhoraram, mas muitas vezes sinto alguma repulsa pelo estado de desenvolvimento do Laos que acaba por lentamente entrar novamente num estado de entropia… e é isto o filme.

Porquê filmes de terror?

Adoro o género. Cresci a ver filmes de terror, mas não foram assim tantos. A dada altura tornei-me bailarina e por isso não tinha muito tempo para ver filmes. No entanto, todas as histórias dos bailados pendiam para aí também. “Giselle” tinha fantasmas, “Le Coirsaire” é um thriller com piratas. Por isso estas sempre foram as minhas influências. Gosto de terror, mas também acho que é mais divertido. Não podemos levar-nos demasiado a sério, somos realizadores, fazemos filmes, não salvamos vidas como os médicos ou educamos as futuras gerações como os professores. Quero divertir-me quando faço um filme, mas, ao mesmo tempo, se quiser passar uma mensagem, esta é uma forma maravilhosa de ser bastante séria, porque através do terror posso exagerar os elementos e as pessoas podem ver uma versão exagerada daquilo que pode vir a acontecer. Não temos de ser tão sérios, podemos ser mais arrojados, podemos passar uma mensagem para o público que é, digamos, “escalada”.

Quais os principais desafios com os quais se deparou no processo de produção e filmagens?

Toda a minha vida senti dificuldades a fazer filmes (risos). Temos de encontrar sempre soluções independentemente do que aconteça. Como realizadora não tenho muito acesso a coisas que os outros realizadores têm no resto do mundo, porque no Laos não existe uma indústria cinematográfica muito desenvolvida, não temos profissionais qualificados, não temos sequer actores. O actor mais velho do filme é talvez o mais experiente, todos os outros são pessoas normais que encontrei nas aldeias. Mas as dificuldades, para mim, não são desafios, pois tenho de lidar com elas diariamente. E se é um problema então não deveria fazer filmes, de todo. Para mim os desafios sempre foram a norma, e as soluções são sempre algo criativo. Tenho uma forma muito própria de trabalhar, sou muito próxima da minha equipa e conheço todos pelo primeiro nome. Para mim o mais importante, não importa o orçamento que tenha, é ter esta intimidade com a equipa e depois fazer histórias interessantes. Isto porque a única razão pela qual sou realizadora é para contar histórias que nunca foram reveladas antes, não percebo porque é que as pessoas reciclam histórias vezes sem conta. Estou farta disso!

Porque decidiu voltar ao Laos depois de viver em Los Angeles, e como foi a sua entrada na indústria do cinema?

Não decidi fazer filmes, de todo. Simplesmente aconteceu. Foi uma reviravolta! (risos). O que aconteceu é que regressei ao Laos para cuidar do meu pai, que estava numa relação turbulenta. Não era uma artista na altura, era professora de ballet, e toda a minha família estava ocupada com aquilo que chamam de trabalhos a sério, e professora de ballet não o era. Conhecemos um grupo de pessoas que nos pediram para escrever a história de um filme, e o meu marido disse “claro que sim, porque sou escritor”, e foi assim que me tornei realizadora.

Qual a importância de ser a primeira e única mulher do Laos a fazer cinema? Isso pode encorajar outras pessoas a fazer o mesmo?

Literalmente a minha carreira como professora de ballet levou-me a fazer filmes, e na verdade estabeleci um passo importante na indústria de cinema do Laos. Espero que a minha história leve mais mulheres a fazer cinema e também para mim o mais importante é que posso contar histórias com uma perspectiva feminina.  Uma das razões pelas quais gosto de fazer os meus filmes é porque são histórias de raparigas.

Como olha para o cinema asiático que se faz actualmente?

Estou muito interessada na nova geração de cinema. Sinto mesmo que estou numa nova marca de cinema, porque surgi do nada quando conheci os meus amigos asiáticos que são também novos realizadores. É tudo muito rock and Roll comigo, e adoro isso. Por um tempo, quando comecei a fazer filmes, senti que havia uma forte percepção do que é o cinema asiático e do que deveria ser. Havia a ideia de que para estar num festival de cinema asiático tínhamos de fazer um determinado tipo de filme, e eu sempre odiei isso.

18 Dez 2019

O Filme do filme

Ao longo da quarta edição do Festival Internacional de Cinema e Entrega de Prémios de Macau (IFFAM) foram muitas as referências ao calvário que é o longo e rigoroso processo de censura a que são sujeitas as obras cinematográficas produzidas na China.

“A City Called Macau”, filme realizado pela chinesa Li Shaolong, galardoada internacionalmente por diversas ocasiões (inclusivamente com um Urso de Ouro em Berlim), é um desses exemplos de filme, que nunca chegou a ser o que era suposto à partida. Por causa “do juízo rigoroso em não mostrar nenhum aspecto que pudesse promover a indústria do jogo”, “A City Called Macau”, um filme que aborda precisamente a indústria do jogo em Macau, chegou às salas de cinema desmembrado, com cenas cortadas e num momento que não permitiu a sua participação nos grandes festivais de cinema do ano passado.

Mas também Juliette Binoche falou do assunto e deu talvez uma opinião importante sobre o tema. Quando questionada se estaria disposta a enfrentar a censura chinesa caso venha a trabalhar no país, a actriz fancesa que esteve de passagem por Macau, disse que “há muitas formas de ser livre” e que, estando “solidária com os artistas que não se podem exprimir livremente”, é preciso encontrar, apesar dos limites, um caminho (interior, pelo menos) que permita a cada um levar “a arte o mais longe possível”. Talvez o ideal não exista, mas talvez o ideal seja uma boa pista para querer fazer mais e não permitir quaisquer constrangimentos de partida. Allez!

13 Dez 2019

IFFAM | Give me Liberty arrecada prémio para melhor filme

Na Competição Internacional, o prémio de melhor filme foi para Give me Liberty, dos Estados Unidos da América. Lynn + Lucy, uma co-produção de Inglaterra e França arrecadou os galardões de melhor realizador e melhor actriz. Já na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês o melhor filme foi Dwelling in the Fuchun Mountains, de Gu Xiaogang

 

E no final, o amor do Milwaukee acabou mesmo por vencer. Give me Liberty, filme nascido das profundezas do cinema independente dos Estados Unidos da América e realizado pelo russo Kirill Mikhanovsky venceu o galardão de melhor filme da Competição Internacional do Festival Internacional de Cinema e Cerimónia de Entrega de Prémios de Macau (IFFAM). Cinco anos depois de um conturbado processo, quer a nível financeiro, quer a nível de produção, até pelo “simples” facto de o filme contar com actores não-profissionais (alguns com mais de 80 anos) e outros, portadores de deficiências, o realizador russo e a argumentista norte-americana Alice Austen mostraram-se radiantes após a distinção.

“É um sentimento incrível, sobretudo pelo trabalho de todas as pessoas que fizeram parte deste filme, que por pouco não existia. Cada momento que contribuíu para a produção deste filme é um milagre. Estamos aqui para celebrar a comédia da vida, pois essa é a única maneira de enfrentar a realidade”, disse Kirill Mikhanovsky. “Este filme é muito dramático mas conseguimos sempre encontrar sentido de humor nos momentos mais difíceis”, acrescentou Alice Austen.

Acerca do filme, passado num dia da vida de um jovem que conduz uma carrinha de transporte de pessoas que necessitam de cuidados de saúde na “segregada” e complexa cidade do Milwaukee, o realizador disse há dias, numa entrevista concedida ao HM, que o filme “não é sobre pessoas com deficiência, nem sobre racismo. É um filme sobre humanidade, com uma história muito simples, que se assume como um pretexto para um tema maior, uma ponderação filosófica quase, acerca do destino da América e também do mundo”.

Lynn + Lucy foi outro dos vencedores da noite, ao arrecadar dois prémios da Competição Internacional do IFFAM: Melhor Realizador, atribuído a Fyzal Boulifa, e Melhor Actriz, atribuído a Roxanna Scrimshaw. Lynn e Lucy fala da história de duas amigas desde os tempos da escola, que acabam por desenvolver uma relação tão intensa como qualquer romance.

“Depois do prémio de melhor actriz nunca pensei que pudessemos ganhar mais um. Fico muito contente por todos os que fizeram parte deste filme e em especial pela Roxanna Scrimshaw porque ela não tinha qualquer experiência prévia em cinema”, foi desta forma que reagiu Fyzal Boulifa após Lynn + Lucy ter sido distinguido com dois prémios.

Já o prémio de Melhor Actor foi a tribuído a Sarm Heng, pelo seu desempenho em Buoyancy, filme realizado pelo australiano Rodd Rathjen que conta a história de Chakra, um jovem do Cambodja com 14 anos, que acaba juntamente com o seu colega Kea, por ser escravizado por um capitão de um barco de pesca tailandês, após ter partido em busca oportunidade de ter um trabalho remunerado numa fábrica. Buoyancy foi ainda galardoado com o prémio do público.

Por fim, o prémio de Melhor Argumento foi para o neo-zelandês Hamish Bennet, realizador e argumentista de Bellbird, filme que a história de Ross, um agricultor parco em palavras, que parece perder o rumo da vida, a partir do momento em que a sua mulher Beth, morre inesperadamente.

O presidente do Júri da Competição Internacional, Peter Chan sublinhou o facto de os membros do júri terem “uma ideia comum” e de não ter havido discussões para encontrar os vencedores. “Decidimos rapidamente os prémios e isso, para mim, é um sucesso”, disse Peter Chan. O presidente do júri enalteceu ainda a juventude dos realizadores presentes no festival que estão a produzir as suas primeiras ou segundas obras.

Os melhores da China

Dwelling in the Fuchun Mountains, de Gu Xiaogang venceu o prémio de melhor filme na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês. Inspirado no título de uma famosa pintura chinesa de Huang Gongwang, Dwelling in the Fuchun Mountains conta o drama familiar de quatro irmãos que assistem ao declínio de saúde da mãe, ao longo das quatro estações do ano. Já com o troféu nas mãos, o realizador agradeceu o apoio de todos os que ajudaram a obra a tornar-se realidade e falou da homenagem à cultura chinesa que o filme pretende também ser.

“Este filme conta a história de uma família contemporânea (…) que tem de cuidar da sua mãe, assumindo-se como um reflexo actual da sociedade chinesa. O processo de gravação foi muito difícil pois o filme passa-se em quatro estações, o que implicou fazer gravações durante dois anos”, referiu.

Já o prémio de Melhor Realizador foi atribuído a Anthony Chen, pelo seu trabalho em Wet Season, filme que tem como pano de fundo Singapura. “É um honra ganhar este prémio e agradeço ao Festival de Cinema de Macau. Acho que este filme é muito especial até porque, no início, não estava à espera de voltar a utilizar os mesmos actores”, apontou Anthony Chen.

Zhou Dong Yu foi a vencedora do prémio de Melhor Actriz pela sua prestação em Better Days, filme realizado por Derek Kwok-cheung Tsang. Adaptado do romance “In His Youth”, Better Days conta a história de uma jovem estudante vítima de bullying, no contexto da preparação dos exigentes exames de admissão à Universidade na China, intitulados de gaokao.
Para a actriz receber este prémio foi “um momento muito emocionante. Penso que este tema do bullying das escolas é uma questão social que conseguimos chamar à atenção do público”, explicou Zhou Dong Yu.

Já o prémio de Melhor Actor foi atribuído a Wu Xiao Liang pela sua prestação em Wisdom Tooth. O melhor actor da competição do Novo Cinema Chinês admitiu que o prémio “foi uma surpresa” e sublinhou que este foi um filme “muito difícil de fazer e que tem muita paixão”, até pelas condições climatéricas adversas que encontraram no norte da China. “Havia momentos em que estava tanto frio que era impossível abrir a boca para dizer as deixas”, partilhou.

Por fim, o prémio de Melhor Argumento distinguiu Johnny Ma pelo seu trabalho em To Live to Sing, que o próprio também realizou. Para Ma, apesar de o processo ter sido “muito difícil” é depois compensador quando “oferecemos uma história ao público”. “Quero, por isso, agradecer à minha equipa, pois comparado com outros lugares, a China é o lugar mais difícil para se fazer um filme”, desabafou Johnny Ma.

Distinções Honrosas

Além dos principais prémios, outras menções foram também anunciadas por ocasião da Cerimónia de Entrega de Prémios.

2019 Asian Blockbuster Film 2019: Parasite (Coreia do Sul)
NETPAC Award: “To Live to Sing”, de Johnny Ma
“Spirit of Cinema” Achievement Award: Li Shao Hong (A City Called Macau)
Cinephilia Critic’s Award: “Wet Season”, de Anthony Chen
Cinephilia Critic’s Award for Best Macau Film: “Years of Macao, de Tou Kim Hong, Penny Lam, Albert Chu, Emily Chan, Peeko Wong, Chao Koi Wang, Maxim Bessmertny, Ao Leong Weng Fong e António Caetano de Faria

11 Dez 2019

IFFAM | Give me Liberty arrecada prémio para melhor filme

Na Competição Internacional, o prémio de melhor filme foi para Give me Liberty, dos Estados Unidos da América. Lynn + Lucy, uma co-produção de Inglaterra e França arrecadou os galardões de melhor realizador e melhor actriz. Já na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês o melhor filme foi Dwelling in the Fuchun Mountains, de Gu Xiaogang

 
E no final, o amor do Milwaukee acabou mesmo por vencer. Give me Liberty, filme nascido das profundezas do cinema independente dos Estados Unidos da América e realizado pelo russo Kirill Mikhanovsky venceu o galardão de melhor filme da Competição Internacional do Festival Internacional de Cinema e Cerimónia de Entrega de Prémios de Macau (IFFAM). Cinco anos depois de um conturbado processo, quer a nível financeiro, quer a nível de produção, até pelo “simples” facto de o filme contar com actores não-profissionais (alguns com mais de 80 anos) e outros, portadores de deficiências, o realizador russo e a argumentista norte-americana Alice Austen mostraram-se radiantes após a distinção.
“É um sentimento incrível, sobretudo pelo trabalho de todas as pessoas que fizeram parte deste filme, que por pouco não existia. Cada momento que contribuíu para a produção deste filme é um milagre. Estamos aqui para celebrar a comédia da vida, pois essa é a única maneira de enfrentar a realidade”, disse Kirill Mikhanovsky. “Este filme é muito dramático mas conseguimos sempre encontrar sentido de humor nos momentos mais difíceis”, acrescentou Alice Austen.
Acerca do filme, passado num dia da vida de um jovem que conduz uma carrinha de transporte de pessoas que necessitam de cuidados de saúde na “segregada” e complexa cidade do Milwaukee, o realizador disse há dias, numa entrevista concedida ao HM, que o filme “não é sobre pessoas com deficiência, nem sobre racismo. É um filme sobre humanidade, com uma história muito simples, que se assume como um pretexto para um tema maior, uma ponderação filosófica quase, acerca do destino da América e também do mundo”.
Lynn + Lucy foi outro dos vencedores da noite, ao arrecadar dois prémios da Competição Internacional do IFFAM: Melhor Realizador, atribuído a Fyzal Boulifa, e Melhor Actriz, atribuído a Roxanna Scrimshaw. Lynn e Lucy fala da história de duas amigas desde os tempos da escola, que acabam por desenvolver uma relação tão intensa como qualquer romance.
“Depois do prémio de melhor actriz nunca pensei que pudessemos ganhar mais um. Fico muito contente por todos os que fizeram parte deste filme e em especial pela Roxanna Scrimshaw porque ela não tinha qualquer experiência prévia em cinema”, foi desta forma que reagiu Fyzal Boulifa após Lynn + Lucy ter sido distinguido com dois prémios.
Já o prémio de Melhor Actor foi a tribuído a Sarm Heng, pelo seu desempenho em Buoyancy, filme realizado pelo australiano Rodd Rathjen que conta a história de Chakra, um jovem do Cambodja com 14 anos, que acaba juntamente com o seu colega Kea, por ser escravizado por um capitão de um barco de pesca tailandês, após ter partido em busca oportunidade de ter um trabalho remunerado numa fábrica. Buoyancy foi ainda galardoado com o prémio do público.
Por fim, o prémio de Melhor Argumento foi para o neo-zelandês Hamish Bennet, realizador e argumentista de Bellbird, filme que a história de Ross, um agricultor parco em palavras, que parece perder o rumo da vida, a partir do momento em que a sua mulher Beth, morre inesperadamente.
O presidente do Júri da Competição Internacional, Peter Chan sublinhou o facto de os membros do júri terem “uma ideia comum” e de não ter havido discussões para encontrar os vencedores. “Decidimos rapidamente os prémios e isso, para mim, é um sucesso”, disse Peter Chan. O presidente do júri enalteceu ainda a juventude dos realizadores presentes no festival que estão a produzir as suas primeiras ou segundas obras.

Os melhores da China

Dwelling in the Fuchun Mountains, de Gu Xiaogang venceu o prémio de melhor filme na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês. Inspirado no título de uma famosa pintura chinesa de Huang Gongwang, Dwelling in the Fuchun Mountains conta o drama familiar de quatro irmãos que assistem ao declínio de saúde da mãe, ao longo das quatro estações do ano. Já com o troféu nas mãos, o realizador agradeceu o apoio de todos os que ajudaram a obra a tornar-se realidade e falou da homenagem à cultura chinesa que o filme pretende também ser.
“Este filme conta a história de uma família contemporânea (…) que tem de cuidar da sua mãe, assumindo-se como um reflexo actual da sociedade chinesa. O processo de gravação foi muito difícil pois o filme passa-se em quatro estações, o que implicou fazer gravações durante dois anos”, referiu.
Já o prémio de Melhor Realizador foi atribuído a Anthony Chen, pelo seu trabalho em Wet Season, filme que tem como pano de fundo Singapura. “É um honra ganhar este prémio e agradeço ao Festival de Cinema de Macau. Acho que este filme é muito especial até porque, no início, não estava à espera de voltar a utilizar os mesmos actores”, apontou Anthony Chen.
Zhou Dong Yu foi a vencedora do prémio de Melhor Actriz pela sua prestação em Better Days, filme realizado por Derek Kwok-cheung Tsang. Adaptado do romance “In His Youth”, Better Days conta a história de uma jovem estudante vítima de bullying, no contexto da preparação dos exigentes exames de admissão à Universidade na China, intitulados de gaokao.
Para a actriz receber este prémio foi “um momento muito emocionante. Penso que este tema do bullying das escolas é uma questão social que conseguimos chamar à atenção do público”, explicou Zhou Dong Yu.
Já o prémio de Melhor Actor foi atribuído a Wu Xiao Liang pela sua prestação em Wisdom Tooth. O melhor actor da competição do Novo Cinema Chinês admitiu que o prémio “foi uma surpresa” e sublinhou que este foi um filme “muito difícil de fazer e que tem muita paixão”, até pelas condições climatéricas adversas que encontraram no norte da China. “Havia momentos em que estava tanto frio que era impossível abrir a boca para dizer as deixas”, partilhou.
Por fim, o prémio de Melhor Argumento distinguiu Johnny Ma pelo seu trabalho em To Live to Sing, que o próprio também realizou. Para Ma, apesar de o processo ter sido “muito difícil” é depois compensador quando “oferecemos uma história ao público”. “Quero, por isso, agradecer à minha equipa, pois comparado com outros lugares, a China é o lugar mais difícil para se fazer um filme”, desabafou Johnny Ma.

Distinções Honrosas

Além dos principais prémios, outras menções foram também anunciadas por ocasião da Cerimónia de Entrega de Prémios.
2019 Asian Blockbuster Film 2019: Parasite (Coreia do Sul)
NETPAC Award: “To Live to Sing”, de Johnny Ma
“Spirit of Cinema” Achievement Award: Li Shao Hong (A City Called Macau)
Cinephilia Critic’s Award: “Wet Season”, de Anthony Chen
Cinephilia Critic’s Award for Best Macau Film: “Years of Macao, de Tou Kim Hong, Penny Lam, Albert Chu, Emily Chan, Peeko Wong, Chao Koi Wang, Maxim Bessmertny, Ao Leong Weng Fong e António Caetano de Faria

11 Dez 2019

Maria Helena de Senna Fernandes, presidente da comissão organizadora do IFFAM : “A média de lotação tem sido de 80%”

Em entrevista, a Directora dos Serviços de Turismo e Presidente da comissão organizadora do Festival Internacional e Cerimónia de Entrega de Prémios de Macau (IFFAM), Maria Helena de Senna Fernandes fez um balanço dos últimos quatro anos de festival e apontou, apesar das muitas dificuldades, que a edição deste ano foi pautada por um sentimento de consolidação e de maior adesão por parte do público e da indústria.

“O Mike [Goodridge] disse-me que este ano foi mais fácil atrair novos projectos que nos anos anteriores (…). Temos que dar confiança às pessoas, aos filmes e sobretudo às distribuídoras, que nos oferecem os seus filmes. Este ano foi já muito mais fácil do que nos anos anteriores e isso é bom sinal”, referiu Maria Helena de Senna Fernandes.

A presidente da comissão organizadora do IFFAM recordou as dificuldades que marcaram as primeiras edições, onde foi “preciso aprender quase tudo acerca da realização de um festival” e as mudanças que foram feitas a partir da segunda edição, que classificou com um ano de “reorganização”, marcado por uma nova direcção artística chefiada por Mike Goodridge. Depois de uma terceira edição apostada em atrair “bons projectos e bons filmes”, Maria Helena de Sena Fernandes sentiu grandes melhorias, consistência ao nível dos conteúdos e, sobretudo, menor preocupação com a organização, porque “a equipa está cada vez mais madura e sabe o que é necessário”.

“De facto, de todos os quatro anos, este ano foi aquele em que fizemos menos reuniões internas, porque quase toda a gente já sabe o que é necessário e conhecem melhor (…) os pontos em que temos de ter mais atenção. Por causa disso eu não tenho que chamar as pessoas a atenção este ano e isso é bom sinal”, explicou a Directora dos Serviços de Turismo.

Quanto à adesão, apesar de admitir “continuar a ser uma batalha”, Maria Helena de Sena Fernandes afirmou que a quarta edição do IFFAM assistiu a uma procura superior, até porque a “equipa de programação está agora mais sensível ao gosto do público”. Sublinhando que “nem todos os filmes estiveram lotados porque (…) há muita oferta” e existe a vontade de criar “o hábito de comprar bilhetes”, a lotação média em sala tinha sido positiva, tendo chegado aos 80 por cento.

Para continuar

Não querendo comprometer-se com a realização da próxima edição do IFFAM em 2020 por não ter ainda tido oportunidade de debater o assunto com a nova secretária para os Assuntos Sociais e Cultura do novo Executivo, Ao Ieong U, Maria Helena de Sena Fernandes afirmou contudo que, seja de que forma for, a aposta do Governo nas indústrias criativas, e em particular no cinema é para continuar. “Esta é uma aposta do Governo, que sempre deu oportunidades às indústrias criativas, até porque em Macau há muita gente que quer fazer filmes e entrar no circuito de produção. Por isso, temos de dar oportunidades e haverá sempre maneira de apoiar”, explicou.

11 Dez 2019

Juliette Binoche, actriz: “Estou solidária com os artistas que não se podem exprimir livremente aqui”

A “embaixadora-estrela” da quarta edição do Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM), defende que “há muitas formas de ser livre”, mesmo quando existe censura

 

Juliette Binoche, aclamada actriz francesa que se tornou na primeira a ser galardoada com o prémio de Melhor Actriz nos três principais festivais de cinema europeus, mostrou-se ontem solidária com os artistas que têm de ver as suas obras escrutinadas pela censura chinesa. No entanto, para Binoche que só sabe “viver de forma independente”, há sempre maneira de continuar a desenvolver qualquer forma de arte.

“Eu quero ser livre e vou ser livre, mas há muitas formas de o ser. Como actores também temos limites: temos de saber as nossas deixas, as nossas marcações e, às vezes, só temos a oportunidade de fazer um take. Mas no interior, temos de encontrar o nosso caminho (…). Por isso há sempre formas de nos expressar e estou solidária com os artistas que não se podem exprimir livremente aqui”. “Há sempre limites, mas para mim a arte deve ser levada o mais longe possível”, partilhou Juliette Binoche quando questionada pelos jornalistas sobre a forma como iria lidar com a censura na China, caso aceitasse o convite lançado no dia anterior por Diao Yinan, realizador chinês que em 2014 venceu o Urso de Ouro em Berlim pelo filme “Black Coal, Thin Ice”, para participar num filme por ele realizado.

Acreditando que a essência do seu trabalho como actriz, e no limite, de uma boa cena, está numa “certa incerteza” e “na energia que existe em saltar para o desconhecido”, Juliette Binoche falou da importância que a descoberta e a vontade de aprender têm para si.

“A curiosidade é a base da humanidade. É possível aprender interagindo, viajando (…) é essa paixão que me leva a ir, a paixão de aprender o contacto com grandes artistas”, referiu.

Realizar? Talvez um dia

Questionada sobre a possibilidade de vir a realizar os seus próprios filmes, a actriz francesa admite que até “pode acontecer”, mas que, neste momento, se sente sortuda por trabalhar com realizadores e equipas fantásticas. “Se não tivesse essa oportunidade provavelmente escreveria e realizava eu”, explicou Juliette Binoche, vencedora do Óscar de Melhor Actriz Secundária pela sua prestação em “O Paciente Inglês” (1997), uma das obras destacadas no evento “Em conversa com Juliette Binoche” do IFFAM.

“O momento da pós-produção é quando o realizador tem verdadeiramente o poder. É aqui que o filme está mesmo a ser feito e o realizador pode mostrar a sua inteligência, sabedoria e também o artista que é, ao nível do ritmo, por respeitar ou não aquilo que foi gravado, por adicionar música ou confiar pura e simplesmente na forma como estava planeado”, referiu Juliette Binoche.

“Lembro-me de uma cena que o Anthony Minghella, realizador do Paciente Inglês, gravou entre o Kip e a minha personagem no sótão da casa, e ele, que acabou por cortar essa parte, resolveu usar uma reacção minha gravada nessa cena, noutro contexto completamente diferente, onde o Willem Dafoe revela ser o paciente inglês. E nesse momento a minha personagem passa a ouvir o que se está a passar e a estar envolvida no segredo. Fiquei impressionada por ele ter sido capaz de fazer isso”, exemplificou a actriz francesa.

11 Dez 2019

Gitanjali Rao, realizadora de Bombay Rose: “É possível contar inúmeras verdades dolorosas através da arte”

Gintali Rao decidiu contar uma história sobre Bombaím e as suas pessoas através de quadros animados. Bombay Rose é o único filme de animação seleccionado para a Competição Internacional do Festival de Cinema de Macau e, segundo a actriz e realizadora indiana, fala de trabalho infantil, homossexualidade e dos “heróis” que não têm histórias de sucesso para contar

 

Bombay Rose é uma história sobre restrições, amor e busca por novas paisagens e condições de vida. Que mensagem pretende passar com este filme?

Essencialmente queria contar esta história há muito tempo, que fala de duas personagens, que imigraram para Bombaím. Vivo rodeada de pessoas como eles diariamente em Bombaím e descobri que as suas histórias nunca são contadas porque não são histórias de sucesso, não são as histórias convencionais. Mas é muito interessante de conhecer, do ponto de vista humano, as dificuldades pelas quais passaram, as pequenas aldeias de onde vieram e perceber, chegados a Bombaím, que nem todos os seus sonhos se tornaram realidade. Por isso queria contar uma história sobre como enfrentar as dificuldades e o que tiveram de fazer para sobreviver. Aqui não se trata de uma sobrevivência normal, são jovens que também se apaixonam, assistem a filmes de Bollywood e que também têm as suas fantasias, escapes e sentem falta do sítio de onde vieram. Por isso, este filme fala destas questões complexas e da forma como a cidade lida com elas, mantendo estas pessoas longe dos privilégios dos mais ricos, pois eles constroem, limpam e mantêm a cidade, mas são quase obrigados a viver na rua.

Bombay Rose aborda vários temas sociais, novos e intemporais, que são críticos na sociedade, como a religião ou a homossexualidade. Como é que estas questões são abordadas no filme?

Para mim, quando penso em personagens elas vêm com os seus problemas, porque é assim que acontece na realidade. É impossível separar alguém da língua e cultura do sítio de onde veio. Quando estas pessoas chegam a um novo sítio têm de sobreviver e estão constantemente a ser confrontadas com questões éticas acerca daquilo que devem ou não fazer e a maneira como lidam com essas situações. Queria que tudo isso viesse com as personagens, não queria que fossem só bonitas e simples para as pessoas as perceberem melhor. As personagens têm de trazer consigo os seus problemas e, a partir daí, faz sentido contar as suas histórias e de que forma conseguiram ultrapassar os problemas. Porque há três ou quatro personagens, e cada uma vem de um sítio diferente e tem um contexto diferente, retratando também um problema diferente, quer seja trabalho infantil ou a homossexualidade. Aqui, podemos fazer de duas formas. Ou não mostramos os problemas e só damos a ver as partes boas, ou mostramos os dois lados. Para mim é bom mostrar as duas partes e acreditar que é possível lutar e sobreviver. Para mim esses é que são os heróis. Não se trata de ter muito sucesso, mas de pequenos sucessos perante as dificuldades.

Porquê animação e como enveredou pelo mundo do cinema?

Depois de estudar comecei a trabalhar num estúdio onde aprendi animação. Ser actriz foi algo que surgiu em paralelo com o meu trabalho diário e com os estudos, porque eu era actriz de teatro e não tinha dinheiro para sobreviver se só fizesse teatro. Por isso, para mim, a animação foi algo que aprendi fazendo e foi uma forma de trazer as minhas qualidades artísticas enquanto pintora, para a realização. Mas também o que aprendi como actriz foi muito útil na animação para fazer com que as personagens do filme se comportem de forma realista, pois não possuem nenhum tipo de exagero nos seus gestos, são quase como pessoas reais. Nem mesmo actores são tão realistas. Para mim trata-se sempre de pintar, frame a frame, sem fazer qualquer tipo de animação 3D. Adoro fazê-lo sozinha e, para além disso, da forma como eu vejo a história, é possível contar inúmeras verdades dolorosas através da arte, porque se torna mais poético, torna-se lírico e estético. Acho que não conseguiria contar assuntos tão brutais num filme com actores.

Como vê actualmente o cinema asiático?

Para o ocidente é uma revelação mas para nós, a verdade é que temos feito isto desde sempre. Acho que o que tem acontecido ultimamente é que o espectro mudou. Quando era mais nova e procurava filmes nos anos 90 não via assim tantos filmes asiáticos, via sim muitos filmes europeus a toda a hora, em festivais. Era essa a influência. E os filmes americanos que apareciam nas salas de cinema. Até num país como a Índia, onde existem mais de 20 regiões diferentes, com línguas diferentes e que fazem o seu próprio cinema. Acho que a exposição daquilo que temos estado a fazer há muitos anos na Ásia está a tornar-se cada vez mais interessante para o resto da Europa. Na minha opinião, isto também acontece porque estes países são jovens em termos de desenvolvimento e têm muito mais coisas novas para dizer e isso está a tornar-se cada vez mais interessante para a audiência global. Na Ásia existe uma geração mais nova que está agora a fazer filmes em oposição ao ocidente onde as gerações mais antigas estão a fazer filmes. Por isso agora acho que o interesse está naquilo que é fresco, o que é novo e é bom, porque fazia falta há muito tempo.

Sente que o IFFAM pode ser um veículo importante para esse crescimento?

Sem dúvida. Acho que tudo isto está a acontecer na Ásia porque os países daqui estão a levar o cinema muito mais a sério e não apenas como um negócio. Porque nos países asiáticos é comum ver menos aposta na arte e mais no negócio. Com os festivais, é dada maior importância à parte artística, por isso eventos como este estão a fazer a diferença na forma como o público vê filmes. Quando era mais nova existia apenas um festival na Índia, agora devemos ter cerca de 100, em apenas 20/25 anos. Por isso está definitivamente a fazer a diferença.

11 Dez 2019

Project Market | Uk Kei de Leonor Teles vence na categoria Macau Spirit Award

O projecto Uk Kei de Leonor Teles e Filipa Reis venceu na categoria “Macau Spirit Award” do IFFAM Project Market (IPM), garantindo um prémio monetário de 5 mil dólares americanos. Para Leonor Teles, a mais jovem realizadora a vencer um Urso de Ouro na competição de curtas-metragens de Berlim (2016), apesar de existir alguma estranheza pelo facto de estar “a receber prémios por coisas que ainda não estão feitas”, o reconhecimento é muito positivo.

“Na verdade eu nem sei bem o que quer dizer Macau Spirit Award mas é sempre bom quando reconhecem aquilo que estamos a tentar fazer. É sempre um incentivo, e passando-se o filme em Macau este reconhecimento é bom.” Quanto à obra em si, Leonor Teles apenas adiantou “que se passa entre Lisboa e Macau”, não havendo ainda nenhum calendário definido para o projecto.

Já o “Best Project Award” do IPM, foi atribuído ao filipino Eduardo Dodo Dayao, pelo projecto Dear Wormwood. Após saber que ia levar para casa 15 mil dólares americanos, o realizador mostrou-se satisfeito com a conquista e prevê começar a rodar o filme no final do próximo ano.

O prémio “Creative Excellence Award”, no valor de 10 mil dólares americanos, foi atribuído ao projecto The Day and Night of Brahma, da sul-africana Sheetal Magan, cuja curta Paraya foi apresentada em Cannes.
Por fim, Drum Wave, da realizadora australiana Natalie Erika Jameson venceu na categoria “Best Co-production Award”, garantindo também 10 mil dólares americanos.

10 Dez 2019

Project Market | Uk Kei de Leonor Teles vence na categoria Macau Spirit Award

O projecto Uk Kei de Leonor Teles e Filipa Reis venceu na categoria “Macau Spirit Award” do IFFAM Project Market (IPM), garantindo um prémio monetário de 5 mil dólares americanos. Para Leonor Teles, a mais jovem realizadora a vencer um Urso de Ouro na competição de curtas-metragens de Berlim (2016), apesar de existir alguma estranheza pelo facto de estar “a receber prémios por coisas que ainda não estão feitas”, o reconhecimento é muito positivo.
“Na verdade eu nem sei bem o que quer dizer Macau Spirit Award mas é sempre bom quando reconhecem aquilo que estamos a tentar fazer. É sempre um incentivo, e passando-se o filme em Macau este reconhecimento é bom.” Quanto à obra em si, Leonor Teles apenas adiantou “que se passa entre Lisboa e Macau”, não havendo ainda nenhum calendário definido para o projecto.
Já o “Best Project Award” do IPM, foi atribuído ao filipino Eduardo Dodo Dayao, pelo projecto Dear Wormwood. Após saber que ia levar para casa 15 mil dólares americanos, o realizador mostrou-se satisfeito com a conquista e prevê começar a rodar o filme no final do próximo ano.
O prémio “Creative Excellence Award”, no valor de 10 mil dólares americanos, foi atribuído ao projecto The Day and Night of Brahma, da sul-africana Sheetal Magan, cuja curta Paraya foi apresentada em Cannes.
Por fim, Drum Wave, da realizadora australiana Natalie Erika Jameson venceu na categoria “Best Co-production Award”, garantindo também 10 mil dólares americanos.

10 Dez 2019

Competição Internacional | Realizador de Give me Liberty quer fazer próximo filme em Macau

A perseverança de Kirill Mikhanovsky e Alice Austen foi levada ao limite para que Give me Liberty fosse uma realidade. O filme, que levou cerca de cinco anos a produzir, contou quase com tantos contratempos como uma conturbada viagem de carrinha pelo Milwaukee. O realizador russo e a argumentista norte-americana contaram ao HM todos os percalços de um filme que centra a sua autenticidade num elenco de actores não profissionais

 

A dada altura, ao fim de três anos, quando estávamos prestes a começar a gravar, perdemos todo o financiamento, até que um bilionário disse que financiava o filme na totalidade, se o fizéssemos em Detroit. E nós recusámos. Claro que pensámos se não estaríamos a ser estúpidos pois não encontrámos financiamento em mais lado nenhum no Milwaukee”, disse Kirill Mikhanovsky, realizador de Give me Liberty, filme a concurso na Competição Internacional do IFFAM. “Tivemos de ser muito fortes para continuar”, explicou.

A vida pode ser uma viagem no interior de uma carrinha de transporte de pessoas que necessitam de cuidados de saúde. Pelo menos é este o entender de Kirill Mikhanovsky e da argumentista Alice Austen, acerca de Give me Liberty, o qual fizeram questão que fosse passado no Milwaukee, EUA, e que contasse a história de uma personagem local. Além disso, o filme teria também de contar com actores não-profissionais, alguns com mais de 80 anos e outros, portadores de deficiências.

“O Milwaukee é uma das cidades mais segregadas dos EUA e usámos a carrinha literalmente como um veículo que poderia ligar pessoas diferentes, de várias partes da cidade e representar a forma como a América é actualmente, mas isto é a parte filosófica. Essencialmente queríamos contar a história deste jovem que está perdido na vida e de todas as pessoas que o rodeiam e que querem estar onde precisam de estar, num dia particularmente difícil”, explicou o realizador.

No entanto, contar a história desse dia levou cinco anos, pois além de não haver ninguém interessado no financiamento, o facto de o elenco ser composto maioritariamente por actores não profissionais tornou ainda mais difícil a tarefa de angariar financiamento.

“Basicamente nos EUA não há financiamento público, é tudo privado. A maior parte do financiamento privado é ditado pelo elenco e, se não há um nome sonante o projecto está praticamente destinado a falhar”, explicou Mikhanovsky.

Mas a decisão estava a tomada e o projecto foi-se tornando “muito pessoal para ambos” pela quantidade de energia emprestada.

“A utilização de actores não profissionais é uma abordagem neo-realista que decidimos abraçar e que determinou todo o trabalho a partir daí e também a utilização de pessoas com deficiências para fazer todas as personagens que têm deficiências”, referiu Alice Austen. Este desafio, explicou a argumentista, colocou também uma “enorme pressão na escolha da actriz para o papel da Tracy”, que acabou a ser desempenhado por “Lolo” Spencer. “Pareceu-nos errado ter uma actriz a fazer o papel de uma personagem com uma deficiência, no meio de um elenco com pessoas deficientes”, disse Alice Austen.

Divina comédia

Questionado sobre a razão da utilização de um registo cómico na abordagem de temas tão sensíveis quanto variados, presentes em Give me Liberty e o desconforto que isso pode criar ao espectador, Kirill Mikhanovsky diz que “não foi propriamente uma escolha, mas sim o reflexo de uma forma de ver o mundo”, que nasceu a partir do respeito.

“Falámos muito acerca deste assunto quando estávamos a desenvolver o guião”, acrescentou Alice Austen sobre o tema. “A partir dos pontos mais trágicos encontramos muitas vezes este tipo de comédia. Para nós foi muito importante não olhar para as personagens de um ponto de vista que nos faça ter pena delas, mas de uma maneira que nos ligue a elas”, explicou.

Um dos actores do centro de apoio a pessoas com deficiência, o Eisenhower Center, onde foram gravadas várias cenas de Give me Liberty, queria inclusivamente, conta Alice Austen, cantar de forma irónica, a música “If I only had a brain” do Feiticeiro de Oz. “Estamos a lidar com pessoas que têm a capacidade de se rir de si próprias.

“Na minha opinião, a única forma de lidar com a realidade e com os eventos trágicos das nossas vidas é através da comédia”, acrescentou Kirill Mikhanovsky. “É a única maneira de enfrentar o drama, de o confrontar e sobreviver. Isto pode soar estranho, mas vem do amor. Se amarmos e respeitarmos estas pessoas, o humor vai nascer a partir do amor e do respeito”.

Ficção-científica na RAEM?

Durante o processo de criação de Give me Liberty, Kirill Mikhanovsky e Alice Austen chegaram a concluir o argumento para um thriller de ficção-científica que acabaram por colocar de parte.

Agora, passados cinco anos, tanto o realizador como a argumentista querem retomar o projecto e equacionam mesmo gravar algumas partes em Macau.

“Eu e a Alice escrevemos um thriller de ficção científica que queremos retomar agora e, tantos anos depois, achamos que é um trabalho sofisticado, onde Macau se enquadra perfeitamente”, afirmou Kirill Mikhanovsky.

“Estivemos a ver Macau e achámos que partes deste novo projecto podem ser gravadas aqui. Talvez o festival queira de alguma forma fazer parte disso”, acrescentou Alice Austen. “Seria muito entusiasmante usar o tempo que estamos aqui para nos sentarmos e falarmos sobre esta possibilidade de colaboração. Por isso, quem sabe?”, acrescentou.

10 Dez 2019

Competição Internacional | Realizador de Give me Liberty quer fazer próximo filme em Macau

A perseverança de Kirill Mikhanovsky e Alice Austen foi levada ao limite para que Give me Liberty fosse uma realidade. O filme, que levou cerca de cinco anos a produzir, contou quase com tantos contratempos como uma conturbada viagem de carrinha pelo Milwaukee. O realizador russo e a argumentista norte-americana contaram ao HM todos os percalços de um filme que centra a sua autenticidade num elenco de actores não profissionais

 
A dada altura, ao fim de três anos, quando estávamos prestes a começar a gravar, perdemos todo o financiamento, até que um bilionário disse que financiava o filme na totalidade, se o fizéssemos em Detroit. E nós recusámos. Claro que pensámos se não estaríamos a ser estúpidos pois não encontrámos financiamento em mais lado nenhum no Milwaukee”, disse Kirill Mikhanovsky, realizador de Give me Liberty, filme a concurso na Competição Internacional do IFFAM. “Tivemos de ser muito fortes para continuar”, explicou.
A vida pode ser uma viagem no interior de uma carrinha de transporte de pessoas que necessitam de cuidados de saúde. Pelo menos é este o entender de Kirill Mikhanovsky e da argumentista Alice Austen, acerca de Give me Liberty, o qual fizeram questão que fosse passado no Milwaukee, EUA, e que contasse a história de uma personagem local. Além disso, o filme teria também de contar com actores não-profissionais, alguns com mais de 80 anos e outros, portadores de deficiências.
“O Milwaukee é uma das cidades mais segregadas dos EUA e usámos a carrinha literalmente como um veículo que poderia ligar pessoas diferentes, de várias partes da cidade e representar a forma como a América é actualmente, mas isto é a parte filosófica. Essencialmente queríamos contar a história deste jovem que está perdido na vida e de todas as pessoas que o rodeiam e que querem estar onde precisam de estar, num dia particularmente difícil”, explicou o realizador.
No entanto, contar a história desse dia levou cinco anos, pois além de não haver ninguém interessado no financiamento, o facto de o elenco ser composto maioritariamente por actores não profissionais tornou ainda mais difícil a tarefa de angariar financiamento.
“Basicamente nos EUA não há financiamento público, é tudo privado. A maior parte do financiamento privado é ditado pelo elenco e, se não há um nome sonante o projecto está praticamente destinado a falhar”, explicou Mikhanovsky.
Mas a decisão estava a tomada e o projecto foi-se tornando “muito pessoal para ambos” pela quantidade de energia emprestada.
“A utilização de actores não profissionais é uma abordagem neo-realista que decidimos abraçar e que determinou todo o trabalho a partir daí e também a utilização de pessoas com deficiências para fazer todas as personagens que têm deficiências”, referiu Alice Austen. Este desafio, explicou a argumentista, colocou também uma “enorme pressão na escolha da actriz para o papel da Tracy”, que acabou a ser desempenhado por “Lolo” Spencer. “Pareceu-nos errado ter uma actriz a fazer o papel de uma personagem com uma deficiência, no meio de um elenco com pessoas deficientes”, disse Alice Austen.

Divina comédia

Questionado sobre a razão da utilização de um registo cómico na abordagem de temas tão sensíveis quanto variados, presentes em Give me Liberty e o desconforto que isso pode criar ao espectador, Kirill Mikhanovsky diz que “não foi propriamente uma escolha, mas sim o reflexo de uma forma de ver o mundo”, que nasceu a partir do respeito.
“Falámos muito acerca deste assunto quando estávamos a desenvolver o guião”, acrescentou Alice Austen sobre o tema. “A partir dos pontos mais trágicos encontramos muitas vezes este tipo de comédia. Para nós foi muito importante não olhar para as personagens de um ponto de vista que nos faça ter pena delas, mas de uma maneira que nos ligue a elas”, explicou.
Um dos actores do centro de apoio a pessoas com deficiência, o Eisenhower Center, onde foram gravadas várias cenas de Give me Liberty, queria inclusivamente, conta Alice Austen, cantar de forma irónica, a música “If I only had a brain” do Feiticeiro de Oz. “Estamos a lidar com pessoas que têm a capacidade de se rir de si próprias.
“Na minha opinião, a única forma de lidar com a realidade e com os eventos trágicos das nossas vidas é através da comédia”, acrescentou Kirill Mikhanovsky. “É a única maneira de enfrentar o drama, de o confrontar e sobreviver. Isto pode soar estranho, mas vem do amor. Se amarmos e respeitarmos estas pessoas, o humor vai nascer a partir do amor e do respeito”.

Ficção-científica na RAEM?

Durante o processo de criação de Give me Liberty, Kirill Mikhanovsky e Alice Austen chegaram a concluir o argumento para um thriller de ficção-científica que acabaram por colocar de parte.
Agora, passados cinco anos, tanto o realizador como a argumentista querem retomar o projecto e equacionam mesmo gravar algumas partes em Macau.
“Eu e a Alice escrevemos um thriller de ficção científica que queremos retomar agora e, tantos anos depois, achamos que é um trabalho sofisticado, onde Macau se enquadra perfeitamente”, afirmou Kirill Mikhanovsky.
“Estivemos a ver Macau e achámos que partes deste novo projecto podem ser gravadas aqui. Talvez o festival queira de alguma forma fazer parte disso”, acrescentou Alice Austen. “Seria muito entusiasmante usar o tempo que estamos aqui para nos sentarmos e falarmos sobre esta possibilidade de colaboração. Por isso, quem sabe?”, acrescentou.

10 Dez 2019

Paulo Branco, produtor de cinema: “Este festival foi uma ideia minha”

Há 10 anos atrás sentiu que era importante criar em Macau uma janela cultural forte através de um festival de cinema e chegou mesmo, segundo o próprio, a dar o mote para o projecto. Não querendo “assumir a paternidade” do IFFAM, Paulo Branco, produtor do filme português “A Herdade”, falou ao HM acerca do contributo que a Ásia tem dado à arte cinematográfica, das novas plataformas digitais, mas também de uma carreira marcada pela presença incontornável do realizador Manoel de Oliveira

EEstudou engenharia no Técnico, até 1971, três anos antes do 25 de Abril. O que aconteceu na sua vida para enveredar pelo cinema?
Isso é quase um filme. Foi uma sucessão de acasos mas, sobretudo, o facto de ter descoberto, como cinéfilo, a sétima arte. A certa altura, comecei a ter um prazer enorme em ver filmes, em descobrir e foi isso que me levou à produção. Nunca na minha vida pensei ser produtor e aqui estou, ao fim de 40 anos. Encontrei um espaço onde, de certa maneira, e eu sou uma pessoa extremamente anárquica, tento transformar os sonhos dos realizadores em realidade. Por isso tenho que ter um lado concreto e isso é uma batalha diária comigo próprio, ou seja, fazer com que os filmes existam e depois ocupar-me deles, de maneira a dar-lhes uma visibilidade para que possam existir.

Lembra-se que obras o fizeram apaixonar-se pelo cinema?
Talvez a primeira tenha sido o “Rio Bravo” de Howard Hawks. Lembro-me também de ter visto, quando era muito jovem, “As aventuras de Robin dos Bosques” com o Errol Flynn e ter ficado traumatizado porque a projecção parou a meio e só muitos anos depois consegui rever o filme. Mas isto são só pequenas recordações. Tive depois a sorte de encontrar pessoas do meio e de me começar a fascinar sobre como é que um filme se torna realidade e, mais tarde, houve alguém que me desafiou para ser produtor e eu, mesmo sem saber nada do que era a produção, lancei-me. E ainda não sei, estou a aprender todos os dias.

A figura de Manoel de Oliveira foi determinante na sua vida e carreira. Como começou esta relação e que lições guarda do grande mestre Oliveira?
Conheci-o através de outros realizadores da altura, o António Pedro Vasconcelos e o Paulo Rocha e cheguei a encontrar-me uma ou duas vezes com ele por acaso, quando ainda era um miúdo. Penso que, nessa altura, nem sequer reparou em mim. Depois, a dada altura, estava eu em Paris, quando o Manoel de Oliveira foi extremamente atacado em Portugal com a Obra “Amor de Perdição”, que tinha passado na televisão. Nessa altura resolvi estrear o filme em Paris porque gostei imenso e, foi um sucesso tal ao nível da crítica, que acabou por ter uma enorme influência, fazendo com que o Manoel de Oliveira voltasse a ser considerado como alguém que ainda poderia dar muito ao cinema. Foi aí que ele veio ter comigo a perguntar se eu queria produzir a próxima obra dele, porque nessa altura o Instituto Português do Cinema começou a exigir produtores para os filmes. Daí nasceu o “Francisca” e também uma relação que foi absolutamente essencial, pois estava a trabalhar com um dos grandes senhores do cinema mundial e, por outro lado, o Manoel era uma lição de vida permanente, porque era alguém que, mesmo com a idade que tinha, acabava por arriscar mais do que qualquer outra pessoa. Isso foi para mim extremamente importante, ou seja, ter um dia a dia, durante vinte e tal anos, com alguém que nunca estava contente e queria sempre fazer mais e continuar, mesmo até ao fim da sua vida.

Todos os cinéfilos têm filmes recorrentes aos quais retornam como quem regressa a casa com saudades das personagens, dos cenários… quais são os seus filmes recorrentes e porquê?
Há muitos filmes da história do cinema, dos grandes, que eu gosto de rever e depois há outros que já vi 30 ou 40 vezes. Um filme que eu conheço de cor e salteado é o “The Searchers”, do John Ford. Outro menos conhecido mas que aborda um tema que a mim sempre me fascinou, é o “Lilith”, de Robert Rossen, que pouca gente conhece mas que é um grande filme. Ainda há pouco tempo revi um filme extraordinário do Douglas Sirk, “The Tarnished Angels”, que é uma adaptação de um romance do William Faulkner. Depois há outros. Estou a falar mais nos filmes americanos porque do cinema europeu logicamente que revejo eternamente os filmes do Rossellini e os filmes do Renoir. Portanto, há sempre uma relação com toda essa cinematografia que, ao rever agora um filme como o “Roma, Cidade Aberta” ou o “Alemanha, Ano Zero”, percebe-se que todo cinema moderno nasceu do Rosselini. Ou ao rever um clássico como “Le Carrosse d’Or” do Renoir, percebe-se que a grande relação que existe entre o teatro e a vida, foi ele que nos ensinou. O cinema sempre foi uma fonte para mim, não só de prazer, mas também de descoberta, que me permitiu não ter medo de arriscar e de estar sempre à procura de novos territórios, até mesmo para a minha própria vivência pessoal. Tento aproveitar este dom magnífico ao máximo, de ainda estar aqui apesar de ter 69 anos.

O que nos pode dizer sobre o processo de produção de “A Herdade”?
Foi muito particular porque é um projecto que já queria fazer há muitos anos, de uma grande ficção, a partir da herdade de uma grande família que atravessa um período pouco retratado no cinema português que é o lado dos grandes latifundiários, das grandes famílias e da forma como tudo isso passou do feudalismo aos tempos modernos, trazendo todas as feridas abertas e destruições que existiram, infelizmente, com essa evolução natural da sociedade. O filme retrata um personagem que é um sedutor nato, bigger than life, patriarca no sentido antigo do próprio conceito e que, ao mesmo tempo, tem um poder de destruição enorme porque a atenção que tem para determinadas situações da sua herdade, não tem, em termos pessoais, com a sua família. São todas essas contradições que fazem com que o filme tenha uma emoção e uma capacidade de prender os espectadores e de fazer um retrato extremamente forte de todos os personagens que existem nesta história.

Desde o próprio João Fernandes, que é realmente o patriarca, mas também a personagem da mulher, os filhos, as pessoas que trabalham na herdade, há ali um lado, uma tensão e uma evolução dos personagens que penso que traz algo de novo ao cinema português e é isso que penso que transformou este filme num grande êxito em Portugal e lhe conferiu também uma dimensão internacional. Apesar de ser um filme que só fala de algo que se passou connosco no nosso país, há esse lado universal e melodramático e essa tensão.

Que ideia tem do Festival de Cinema de Macau e que margem de progressão em termos de projeção mundial acha que pode vir a ter?
Sabe, este festival foi uma ideia minha, que eu trouxe aqui há 10 anos ao Alexi Tan. Foi a partir de mim que eles depois convidaram o Marco Müller para a primeira edição, portanto há 10 anos atrás senti que havia aqui talvez uma possibilidade. Como me estava a divertir com o meu festival lá em Portugal pensei: “porque é que não vou propor isto a Macau?”. Eu vim, só que depois, o Marco Müller era para ter estruturado a ideia e vá… faltou-me a paciência, como se costuma dizer. Depois vim cá ver que isto agora é uma realidade, mas os princípios que eu na altura achava importantes, como a atenção ao cinema asiático, a possibilidade de haver uma competição de primeiras e segundas obras, tudo isso já estava um pouco no projecto inicial. Logicamente que transformaram isso depois. Mas acho que na altura sentia-se que era importante que houvesse aqui uma janela cultural forte e que um festival de cinema podia trazer isso. Não quero de maneira nenhuma assumir a paternidade do festival, simplesmente dizer que estou extremamente satisfeito que Macau tenha, neste momento, um festival. Agora, não me cabe a mim dizer qual é a dimensão que ele está a ter ou não. Estou aqui porque para mim era extremamente importante que os portugueses de Macau pudessem ver “A Herdade” numa sala de cinema.

Acabou a resposta anterior a falar em sala de cinema. Como vê a transição da sala de cinema para o pequeno ecrã liderada por plataformas como a Netflix? Podemos chamar a isto cinema?
Para já não vejo, porque nem sequer computador tenho. É uma questão muito prática. Por outro lado, qualquer realização de ficção, quer seja para cinema ou televisão, pode ser considerada cinema. Mas, no grande ecrã a atenção e o respeito são diferentes. Podemos dizer que há um gesto do próprio espectador, há o ir ao cinema que é, penso, essencial. É a mesma coisa, por exemplo, que ver as obras de arte todas que quiser na internet, mas outra coisa é ir mesmo vê-las. Agora não quero dizer se é cinema, isso são coisas que deixo depois para historiadores e filósofos. Mas é um prazer que é diferente e que ainda por cima, não nos permite estar distraídos pelas 50 mil coisas que acontecem ao mesmo tempo que se está a ver um filme na televisão ou num computador. Na sala de cinema as pessoas estão atentas a tudo, até mesmo aos ventos, aos silêncios e tudo que, ao ver na televisão, passa muito mais despercebido. A maior parte do que é construído para televisão tem, e não falo já nas plataformas, mas nas ficções televisivas, um ritmo especial para as pessoas não fazerem zapping e portanto, isso já formatiza de certa maneira um pouco o modelo. Por isso é que eu não sou adepto das séries, já sabemos exactamente qual é o ritmo, e o lado inventivo que o cinema sempre trouxe perde-se, talvez não nos conteúdos mas, em termos formais. Há excepções como o Twin Peaks, do David Lynch, mas isso é uma pessoa que já demonstrou que qualquer terreno para onde vá, é absolutamente extraordinário.

Como vê o cinema feito na China, sobretudo pelas novas gerações?
Houve um grande boom, não só do cinema chinês, mas no cinema asiático nos anos 80, que trouxe um olhar diferente em termos estéticos e de conteúdo daquilo que era feito. É preciso não esquecer que a grande cinematografia sempre esteve na China com o Mizoguchi, Kurosawa, Ozu, mas depois houve uma nova geração que começou a aparecer em Hong Kong, China, Coreia e que se começou a impor ao mundo. Neste momento, há um espaço para o cinema asiático fantástico porque já existe uma diversidade extraordinária de cineastas que são fortíssimos e que têm uma obra extremamente pessoal e que escapa a uma tentativa de controlo industrial. Essa luta existe sempre, seja em que continente for, mas a Ásia consegue realmente impor-se como região que tem dado ao cinema obras incríveis e que, neste momento, fazem avançar a arte cinematográfica.

Até que ponto é necessária alguma loucura para levar avante uma carreira enquanto produtor de cinema independente? Recorda-se do filme que o levou mais perto da loucura e porquê?
Isso acontece-me todos os dias ainda agora e não sei como é que o dia seguinte se vai passar. Adaptei-me a isso e sobretudo a estar pronto a todas as surpresas que possam acontecer e é também a minha maneira de acompanhar o risco artístico que têm os realizadores com quem trabalho. Era fácil demais eu estar numa situação confortável e eles, pelo que são e pelo que querem transmitir, estarem numa situação desconfortável. Fazer uma obra cinematográfica exige da parte deles um risco permanente para que possa resultar nalguma coisa de interessante. Nas situações difíceis eu vou sempre para a frente, não há tempo suficiente para ir ali para uma ponte saber se me deito para o rio ou não.

Tem ideia do número de filmes que produziu em quase 40 anos de carreira? No IMDB, enfim, vale o que vale, a conta dos filmes em que aparece como produtor nos créditos é 278. Como é que isto é possível?
É um bocadinho mais do que isso, mas não faço a mínima ideia. Isso não me cabe a mim responder. Que eles existem, existem. Que eu conheço todos, conheço. Que tenho uma relação pessoal com os filmes todos, também tenho. Posso contar histórias com cada um deles que ainda não me esqueci de nenhum, mesmo aqueles que infelizmente não esqueci. Mas pronto, isso vai-se construindo. É a mesma coisa quando se tem filhos, e eu tenho quatro, e, de repente, dizer, “olha, gostaria de ter mais”. E com os filmes é um pouco a mesma coisa.

10 Dez 2019

Novo Cinema Chinês | Um admirável mundo por descobrir

Considerado por muitos como um dos melhores realizadores da actualidade, o romeno Cristian Mungiu, que em 2007 venceu a Palma de Ouro em Cannes, é o Presidente de júri da competição dedicada ao Novo Cinema Chinês. Para o realizador do leste europeu, o futuro está nos jovens e, pela amostra dos sete filmes em competição no IFFAM, a Oriente este deverá ser risonho

“Gostaria que mais filmes chineses participassem em festivais. Estou muito curioso para saber qual o futuro do cinema chinês”, referiu o Presidente de júri do Novo Cinema Chinês, Cristian Mungiu, que vê em eventos como o IFFAM, oportunidades únicas para ver o que aí vem. “Fui júri em muitos festivais na Ásia e acho o panorama chinês muito interessante porque os temas tratados abordam sempre algo que todos temos em comum e esta semana esse interesse vai aumentar ainda mais, pois vamos também receber alguns realizadores de Macau”.

Além disso, o realizador que venceu a Palma de Ouro em Cannes com o filme” 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” diz encontrar no contacto com os mais jovens as pistas necessárias para ter um vislumbre mais claro daquilo que será o cinema. “A comunicação com os jovens é sempre muito boa. Para mim, pelo menos, a opinião deles é sempre muito refrescante. É preciso reinventar e contar histórias pelas quais continuamos atraídos e estou contente que a nova geração não queira trabalhar da mesma forma que nós trabalhámos”, apontou Cristian Mungiu.

Sobre se o facto de ter ganho a Palma de Ouro em Cannes contribuiu de alguma forma para o desenvolvimento do cinema no seu país natal, Cristian Mungiu apontou que “as pessoas ficaram muito contentes e orgulhosas, mas que, na realidade, nada mudou na forma como a distribuição passou a ser feita”, confessou.

Em expansão

Quanto à expansão que o cinema chinês tem vindo a desenvolver, o canadiano Noah Cowan destacou o tema comum, que surge muitas vezes nas obras cinematográficas do país: a família. Tema esse que tem vindo a ser contado de diferentes formas, a partir de regiões distintas da China.

“Nos últimos anos, além de Xangai, também Hong Kong e Taiwan começaram a realizar filmes e abordam sempre o tópico da família. Acho que este tema não é de um lugar em especifico”, apontou Noah Cowan.

Além de Cristian Mungiu e de Noah Cowan, fazem também parte do painel do júri, Yang Qiu, Kirsten Tan e Tricia Tuttle. A concorrer na competição do Novo Cinema Chinês na 4ª edição do IFFAM estão Better Days (Hong Kong e China), Over the Sea (China), Wisdom Tooth (China), Lucky Grandma (US), Dwelling in the Fuchun Mountains (China), To Live to Sing (China e França) e Wet Season (Singapura).

9 Dez 2019

Novo Cinema Chinês | Um admirável mundo por descobrir

Considerado por muitos como um dos melhores realizadores da actualidade, o romeno Cristian Mungiu, que em 2007 venceu a Palma de Ouro em Cannes, é o Presidente de júri da competição dedicada ao Novo Cinema Chinês. Para o realizador do leste europeu, o futuro está nos jovens e, pela amostra dos sete filmes em competição no IFFAM, a Oriente este deverá ser risonho
“Gostaria que mais filmes chineses participassem em festivais. Estou muito curioso para saber qual o futuro do cinema chinês”, referiu o Presidente de júri do Novo Cinema Chinês, Cristian Mungiu, que vê em eventos como o IFFAM, oportunidades únicas para ver o que aí vem. “Fui júri em muitos festivais na Ásia e acho o panorama chinês muito interessante porque os temas tratados abordam sempre algo que todos temos em comum e esta semana esse interesse vai aumentar ainda mais, pois vamos também receber alguns realizadores de Macau”.
Além disso, o realizador que venceu a Palma de Ouro em Cannes com o filme” 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” diz encontrar no contacto com os mais jovens as pistas necessárias para ter um vislumbre mais claro daquilo que será o cinema. “A comunicação com os jovens é sempre muito boa. Para mim, pelo menos, a opinião deles é sempre muito refrescante. É preciso reinventar e contar histórias pelas quais continuamos atraídos e estou contente que a nova geração não queira trabalhar da mesma forma que nós trabalhámos”, apontou Cristian Mungiu.
Sobre se o facto de ter ganho a Palma de Ouro em Cannes contribuiu de alguma forma para o desenvolvimento do cinema no seu país natal, Cristian Mungiu apontou que “as pessoas ficaram muito contentes e orgulhosas, mas que, na realidade, nada mudou na forma como a distribuição passou a ser feita”, confessou.

Em expansão

Quanto à expansão que o cinema chinês tem vindo a desenvolver, o canadiano Noah Cowan destacou o tema comum, que surge muitas vezes nas obras cinematográficas do país: a família. Tema esse que tem vindo a ser contado de diferentes formas, a partir de regiões distintas da China.
“Nos últimos anos, além de Xangai, também Hong Kong e Taiwan começaram a realizar filmes e abordam sempre o tópico da família. Acho que este tema não é de um lugar em especifico”, apontou Noah Cowan.
Além de Cristian Mungiu e de Noah Cowan, fazem também parte do painel do júri, Yang Qiu, Kirsten Tan e Tricia Tuttle. A concorrer na competição do Novo Cinema Chinês na 4ª edição do IFFAM estão Better Days (Hong Kong e China), Over the Sea (China), Wisdom Tooth (China), Lucky Grandma (US), Dwelling in the Fuchun Mountains (China), To Live to Sing (China e França) e Wet Season (Singapura).

9 Dez 2019

Maria Helena de Senna Fernandes, sobre festival de cinema: “Temos ganho popularidade”

A Directora dos Serviços de Turismo e Presidente da comissão organizadora do IFFAM, Maria Helena de Senna Fernandes mostrou-se confiante na qualidade da programação apresentada e afirmou mesmo que o Festival Internacional de Cinema de Macau tem conseguido alcançar novos patamares.

“Acho que a cada edição o festival tem crescido e, para além disso, temos ganho popularidade, não só em Macau, mas também lá fora. Só por isso, podemos dizer que temos trabalhado para a construção de um bom projecto”, apontou, à margem da conferência de imprensa dedicada à apresentação do júri da competição internacional.

Maria Helena de Senna Fernandes revelou também confiança máxima na relação existente com os responsáveis artísticos do festival, pontificada na colaboração com o Director artístico do IFFAM, Mike Goodridge.

“Temos uma boa colaboração com direcção artística, que é muito forte na escolha que faz dos filmes e na ligação que consegue fazer entre Macau e os realizadores de todo o mundo. Espero agora que o público de Macau venha ver os filmes seleccionados”, referiu.

Embora satisfeita com o percurso feito até ao momento, Maria Helena de Senna Fernandes não confirmou, contudo, a continuidade do projecto IFFAM para os próximos anos. Segundo a responsável, é preciso ouvir o que os dirigentes do novo Executivo têm a dizer.

“Não sei, ainda não tive a oportunidade de falar com a minha nova chefe, por isso logo se vê. É preciso ver se a colaboração é para manter e, sobretudo, o que acha o novo Governo porque eu não tenho voto na matéria nessa parte”, explicou.

9 Dez 2019

Maria Helena de Senna Fernandes, sobre festival de cinema: "Temos ganho popularidade”

A Directora dos Serviços de Turismo e Presidente da comissão organizadora do IFFAM, Maria Helena de Senna Fernandes mostrou-se confiante na qualidade da programação apresentada e afirmou mesmo que o Festival Internacional de Cinema de Macau tem conseguido alcançar novos patamares.
“Acho que a cada edição o festival tem crescido e, para além disso, temos ganho popularidade, não só em Macau, mas também lá fora. Só por isso, podemos dizer que temos trabalhado para a construção de um bom projecto”, apontou, à margem da conferência de imprensa dedicada à apresentação do júri da competição internacional.
Maria Helena de Senna Fernandes revelou também confiança máxima na relação existente com os responsáveis artísticos do festival, pontificada na colaboração com o Director artístico do IFFAM, Mike Goodridge.
“Temos uma boa colaboração com direcção artística, que é muito forte na escolha que faz dos filmes e na ligação que consegue fazer entre Macau e os realizadores de todo o mundo. Espero agora que o público de Macau venha ver os filmes seleccionados”, referiu.
Embora satisfeita com o percurso feito até ao momento, Maria Helena de Senna Fernandes não confirmou, contudo, a continuidade do projecto IFFAM para os próximos anos. Segundo a responsável, é preciso ouvir o que os dirigentes do novo Executivo têm a dizer.
“Não sei, ainda não tive a oportunidade de falar com a minha nova chefe, por isso logo se vê. É preciso ver se a colaboração é para manter e, sobretudo, o que acha o novo Governo porque eu não tenho voto na matéria nessa parte”, explicou.

9 Dez 2019

Competição Internacional | Quando o cinema local abre as portas do mundo

No primeiro dia do Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM na sigla inglesa) Mike Goodridge fez as honras da apresentação formal do júri da competição internacional do Festival, presidido pelo aclamado realizador de Hong Kong, Peter Chan. Diversos nas suas opiniões, o júri destacou a “primavera” do cinema asiático, a importância da genuinidade local e da forma como o cinema pode vir a encarar um futuro destinado aos “pequenos ecrãs”

 

Para conseguirmos fazer um filme excepcional, mais importante do que ouvir a nossa própria voz, é ouvir uma voz especial, uma voz que seja diferente das outras nesta indústria e estar atento às gerações mais novas”, as palavras são de Peter Chan, Presidente do júri dedicado à competição internacional do IFFAM e que terá a árdua tarefa de eleger aquele que será o vencedor, de entre os 10 filmes em concurso.

Tendo a sua obra sido rotulada inúmeras vezes de “ocidentalizada”, Peter Chan diz ter tido a sorte de ter vivido de perto a fase mais desafiante e interessante do cinema feito em Hollywood, que o inspirou irremediavelmente durante a década de 70. O realizador diz continuar a transportar essa mesma sensação, mas agora relativamente ao cinema feito na China, para o qual se encontra a trabalhar, mas também um pouco por toda a Ásia, onde cada vez mais obras começam a ganhar um lugar de destaque.

“A China é um novo horizonte e uma nova indústria onde tudo é possível. Vivemos tempos muito interessantes na Ásia e em diferentes partes da Ásia. Existem realizadores coreanos, tailandeses, indonésios. Achei o filme indonésio que vi esta manhã muito interessante, o que é uma coisa completamente nova para mim. Sinceramente, acho que o mundo se está a tornar cada vez mais interessante”, partilhou Peter Chan.

Relativamente a “Better Days”, filme realizado por  Kwok Cheung Tsang
a concurso no IFFAM, mas na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês, o presidente do painel do júri considerou que “apesar de ser comercial, é um daqueles filmes que nos têm de dar esperança acerca da China e da censura no cinema.”

“Este filme para mim foi um processo muito difícil. No interior da China é preciso passar muito tempo para ultrapassar a censura, e isto demorou mais de um ano. Mas depois, apesar de não termos grandes expectativas quando lançámos este filme, os números da venda de bilhetes ascenderam aos 250 milhões de dólares no final, o que é bom em qualquer parte do mundo”, explicou Peter Chan.

Também Midi Z, actor e realizador nascido no Myanmar, mostrou optimismo acerca do processo e deixou um conselho para os realizadores em início de carreira.

“Acho que os jovens realizadores não devem impor limites a si próprios em termos do que é um filme e o que é o cinema. Eu faço documentários, ficção e curtas metragens e para mim não há qualquer diferença. Devemos deixar a imaginação entrar nos nossos filmes”.

Eco global

“Gosto muito da ideia de fazer um filme a partir da vontade de contar algo muito genuíno, que se relaciona com o contexto e com as vivências de uma forma directa com o público local, mas que, ao mesmo tempo, é algo tão universal que pode ser partilhado em qualquer lugar do mundo”, disse Dian Sastrowardoyo, actriz e produtora originária da Indonésia que diz estar orgulhosa do filme da Competição Internacional, “Homecoming”, realizado pelo seu conterrâneo Adriyanto Dewo.

Sobre “Homecoming”, Dian Sastrowardoyo mostrou um “orgulho enorme” por ver um filme 100 por cento feito na Indonésia, no IFFAM e destacou a capacidade que a obra tem de abordar “temas locais e histórias com um background claramente indonésio”, como o papel das mulheres na sociedade e em casa ou as diferenças existentes entre classes sociais, já que a obra coloca frente a frente duas realidades muito diferentes neste aspecto. “Acho que passa uma mensagem comum, não só na Indonésia, mas também a uma escala mundial”, explicou. “Acho que o grande desafio para todos agora, é como é que podemos realizar filmes que tenham simultâneamente características locais e globais”, rematou Dian Sastrowardoyo.

Já no seu breve papel como realizadora, Dian Sastrowardoyo, apontou a importância de utilizar o cinema para promover uma mensagem social importante, ao mesmo tempo que consegue cativar o público e levá-lo a identificar-se com as personagens.

“Fizemos um filme histórico que fala sobre o sistema de ensino na Indonésia, mas que contém também vários elementos de comédia e isto acontece porque se tivéssemos realizado o filme de forma demasiado séria, o mais certo era não chegarmos à audiência relativamente às questões políticas que queríamos abordar”, explicou.

Reiterando que “não é possível dizer se um filme está certo ou se está errado, pois todos os têm diferentes características”, Peter Chan lembrou a propósito do tema, que um filme que pode parecer uma comédia, pode perfeitamente apresentar um tema social ao público.

“Temos de ter filmes de hollywood mas também outro tipo de filmes para que o público possa ter acesso a diferentes conteúdos. Filmes que façam o público rir ou chorar, mas que permitam perceber o que está a acontecer na sociedade e estabelecer pontes com os acontecimentos que estão na ordem do dia”, explicou.

Cinema de bolso?

Outro dos temas em debate entre o júri da competição internacional foi o futuro esperado para o cinema enquanto meio, que enfrenta hoje o desafio de se adaptar a uma era digital cada vez mais dominada por pequenos e poderosos ecrãs, capazes de alojar plataformas de streaming como a Netflix.

Pegando no exemplo de “O Irlandês”, filme de Martin Scorsece que estreou em exclusivo naquela plataforma, o actor e produtor Tom Cullen vincou que o benefício da passagem para o pequeno ecrã é que “permite que os conteúdos cheguem a audiências que de outra forma ficariam excluídas. Por exemplo, onde eu cresci, existia apenas uma sala de cinema e ficava a uma hora de distância de carro”, argumentou.

O actor, conhecido pelo papel de Anthony Gillingham em Downtown Abbey, frisou ainda que os produtores e realizadores “têm sabido adaptar-se às mudanças produzidas pelas novas tecnologias”, procurando ser mais específicos dado que agora a audiência pode ser o próprio mundo.

9 Dez 2019

Competição Internacional | Quando o cinema local abre as portas do mundo

No primeiro dia do Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM na sigla inglesa) Mike Goodridge fez as honras da apresentação formal do júri da competição internacional do Festival, presidido pelo aclamado realizador de Hong Kong, Peter Chan. Diversos nas suas opiniões, o júri destacou a “primavera” do cinema asiático, a importância da genuinidade local e da forma como o cinema pode vir a encarar um futuro destinado aos “pequenos ecrãs”

 
Para conseguirmos fazer um filme excepcional, mais importante do que ouvir a nossa própria voz, é ouvir uma voz especial, uma voz que seja diferente das outras nesta indústria e estar atento às gerações mais novas”, as palavras são de Peter Chan, Presidente do júri dedicado à competição internacional do IFFAM e que terá a árdua tarefa de eleger aquele que será o vencedor, de entre os 10 filmes em concurso.
Tendo a sua obra sido rotulada inúmeras vezes de “ocidentalizada”, Peter Chan diz ter tido a sorte de ter vivido de perto a fase mais desafiante e interessante do cinema feito em Hollywood, que o inspirou irremediavelmente durante a década de 70. O realizador diz continuar a transportar essa mesma sensação, mas agora relativamente ao cinema feito na China, para o qual se encontra a trabalhar, mas também um pouco por toda a Ásia, onde cada vez mais obras começam a ganhar um lugar de destaque.
“A China é um novo horizonte e uma nova indústria onde tudo é possível. Vivemos tempos muito interessantes na Ásia e em diferentes partes da Ásia. Existem realizadores coreanos, tailandeses, indonésios. Achei o filme indonésio que vi esta manhã muito interessante, o que é uma coisa completamente nova para mim. Sinceramente, acho que o mundo se está a tornar cada vez mais interessante”, partilhou Peter Chan.
Relativamente a “Better Days”, filme realizado por  Kwok Cheung Tsang
a concurso no IFFAM, mas na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês, o presidente do painel do júri considerou que “apesar de ser comercial, é um daqueles filmes que nos têm de dar esperança acerca da China e da censura no cinema.”
“Este filme para mim foi um processo muito difícil. No interior da China é preciso passar muito tempo para ultrapassar a censura, e isto demorou mais de um ano. Mas depois, apesar de não termos grandes expectativas quando lançámos este filme, os números da venda de bilhetes ascenderam aos 250 milhões de dólares no final, o que é bom em qualquer parte do mundo”, explicou Peter Chan.
Também Midi Z, actor e realizador nascido no Myanmar, mostrou optimismo acerca do processo e deixou um conselho para os realizadores em início de carreira.
“Acho que os jovens realizadores não devem impor limites a si próprios em termos do que é um filme e o que é o cinema. Eu faço documentários, ficção e curtas metragens e para mim não há qualquer diferença. Devemos deixar a imaginação entrar nos nossos filmes”.

Eco global

“Gosto muito da ideia de fazer um filme a partir da vontade de contar algo muito genuíno, que se relaciona com o contexto e com as vivências de uma forma directa com o público local, mas que, ao mesmo tempo, é algo tão universal que pode ser partilhado em qualquer lugar do mundo”, disse Dian Sastrowardoyo, actriz e produtora originária da Indonésia que diz estar orgulhosa do filme da Competição Internacional, “Homecoming”, realizado pelo seu conterrâneo Adriyanto Dewo.
Sobre “Homecoming”, Dian Sastrowardoyo mostrou um “orgulho enorme” por ver um filme 100 por cento feito na Indonésia, no IFFAM e destacou a capacidade que a obra tem de abordar “temas locais e histórias com um background claramente indonésio”, como o papel das mulheres na sociedade e em casa ou as diferenças existentes entre classes sociais, já que a obra coloca frente a frente duas realidades muito diferentes neste aspecto. “Acho que passa uma mensagem comum, não só na Indonésia, mas também a uma escala mundial”, explicou. “Acho que o grande desafio para todos agora, é como é que podemos realizar filmes que tenham simultâneamente características locais e globais”, rematou Dian Sastrowardoyo.
Já no seu breve papel como realizadora, Dian Sastrowardoyo, apontou a importância de utilizar o cinema para promover uma mensagem social importante, ao mesmo tempo que consegue cativar o público e levá-lo a identificar-se com as personagens.
“Fizemos um filme histórico que fala sobre o sistema de ensino na Indonésia, mas que contém também vários elementos de comédia e isto acontece porque se tivéssemos realizado o filme de forma demasiado séria, o mais certo era não chegarmos à audiência relativamente às questões políticas que queríamos abordar”, explicou.
Reiterando que “não é possível dizer se um filme está certo ou se está errado, pois todos os têm diferentes características”, Peter Chan lembrou a propósito do tema, que um filme que pode parecer uma comédia, pode perfeitamente apresentar um tema social ao público.
“Temos de ter filmes de hollywood mas também outro tipo de filmes para que o público possa ter acesso a diferentes conteúdos. Filmes que façam o público rir ou chorar, mas que permitam perceber o que está a acontecer na sociedade e estabelecer pontes com os acontecimentos que estão na ordem do dia”, explicou.

Cinema de bolso?

Outro dos temas em debate entre o júri da competição internacional foi o futuro esperado para o cinema enquanto meio, que enfrenta hoje o desafio de se adaptar a uma era digital cada vez mais dominada por pequenos e poderosos ecrãs, capazes de alojar plataformas de streaming como a Netflix.
Pegando no exemplo de “O Irlandês”, filme de Martin Scorsece que estreou em exclusivo naquela plataforma, o actor e produtor Tom Cullen vincou que o benefício da passagem para o pequeno ecrã é que “permite que os conteúdos cheguem a audiências que de outra forma ficariam excluídas. Por exemplo, onde eu cresci, existia apenas uma sala de cinema e ficava a uma hora de distância de carro”, argumentou.
O actor, conhecido pelo papel de Anthony Gillingham em Downtown Abbey, frisou ainda que os produtores e realizadores “têm sabido adaptar-se às mudanças produzidas pelas novas tecnologias”, procurando ser mais específicos dado que agora a audiência pode ser o próprio mundo.

9 Dez 2019

Competição Internacional | Quando o cinema local abre as portas do mundo

No primeiro dia do Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM na sigla inglesa) Mike Goodridge fez as honras da apresentação formal do júri da competição internacional do Festival, presidido pelo aclamado realizador de Hong Kong, Peter Chan. Diversos nas suas opiniões, o júri destacou a “primavera” do cinema asiático, a importância da genuinidade local e da forma como o cinema pode vir a encarar um futuro destinado aos “pequenos ecrãs”

 

Para conseguirmos fazer um filme excepcional, mais importante do que ouvir a nossa própria voz, é ouvir uma voz especial, uma voz que seja diferente das outras nesta indústria e estar atento às gerações mais novas”, as palavras são de Peter Chan, Presidente do júri dedicado à competição internacional do IFFAM e que terá a árdua tarefa de eleger aquele que será o vencedor, de entre os 10 filmes em concurso.

Tendo a sua obra sido rotulada inúmeras vezes de “ocidentalizada”, Peter Chan diz ter tido a sorte de ter vivido de perto a fase mais desafiante e interessante do cinema feito em Hollywood, que o inspirou irremediavelmente durante a década de 70. O realizador diz continuar a transportar essa mesma sensação, mas agora relativamente ao cinema feito na China, para o qual se encontra a trabalhar, mas também um pouco por toda a Ásia, onde cada vez mais obras começam a ganhar um lugar de destaque.

“A China é um novo horizonte e uma nova indústria onde tudo é possível. Vivemos tempos muito interessantes na Ásia e em diferentes partes da Ásia. Existem realizadores coreanos, tailandeses, indonésios. Achei o filme indonésio que vi esta manhã muito interessante, o que é uma coisa completamente nova para mim. Sinceramente, acho que o mundo se está a tornar cada vez mais interessante”, partilhou Peter Chan.

Relativamente a “Better Days”, filme realizado por  Kwok Cheung Tsang, a concurso no IFFAM, mas na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês, o presidente do painel do júri considerou que “apesar de ser comercial, é um daqueles filmes que nos têm de dar esperança acerca da China e da censura no cinema.”

“Este filme para mim foi um processo muito difícil. No interior da China é preciso passar muito tempo para ultrapassar a censura, e isto demorou mais de um ano. Mas depois, apesar de não termos grandes expectativas quando lançámos este filme, os números da venda de bilhetes ascenderam aos 250 milhões de dólares no final, o que é bom em qualquer parte do mundo”, explicou Peter Chan.

Também Midi Z, actor e realizador nascido no Myanmar, mostrou optimismo acerca do processo e deixou um conselho para os realizadores em início de carreira.

“Acho que os jovens realizadores não devem impor limites a si próprios em termos do que é um filme e o que é o cinema. Eu faço documentários, ficção e curtas metragens e para mim não há qualquer diferença. Devemos deixar a imaginação entrar nos nossos filmes”.

Eco global

“Gosto muito da ideia de fazer um filme a partir da vontade de contar algo muito genuíno, que se relaciona com o contexto e com as vivências de uma forma directa com o público local, mas que, ao mesmo tempo, é algo tão universal que pode ser partilhado em qualquer lugar do mundo”, disse Dian Sastrowardoyo, actriz e produtora originária da Indonésia que diz estar orgulhosa do filme da Competição Internacional, “Homecoming”, realizado pelo seu conterrâneo Adriyanto Dewo.

Sobre “Homecoming”, Dian Sastrowardoyo mostrou um “orgulho enorme” por ver um filme 100 por cento feito na Indonésia, no IFFAM e destacou a capacidade que a obra tem de abordar “temas locais e histórias com um background claramente indonésio”, como o papel das mulheres na sociedade e em casa ou as diferenças existentes entre classes sociais, já que a obra coloca frente a frente duas realidades muito diferentes neste aspecto. “Acho que passa uma mensagem comum, não só na Indonésia, mas também a uma escala mundial”, explicou. “Acho que o grande desafio para todos agora, é como é que podemos realizar filmes que tenham simultâneamente características locais e globais”, rematou Dian Sastrowardoyo.

Já no seu breve papel como realizadora, Dian Sastrowardoyo, apontou a importância de utilizar o cinema para promover uma mensagem social importante, ao mesmo tempo que consegue cativar o público e levá-lo a identificar-se com as personagens.

“Fizemos um filme histórico que fala sobre o sistema de ensino na Indonésia, mas que contém também vários elementos de comédia e isto acontece porque se tivéssemos realizado o filme de forma demasiado séria, o mais certo era não chegarmos à audiência relativamente às questões políticas que queríamos abordar”, explicou.

Reiterando que “não é possível dizer se um filme está certo ou se está errado, pois todos os têm diferentes características”, Peter Chan lembrou a propósito do tema, que um filme que pode parecer uma comédia, pode perfeitamente apresentar um tema social ao público.

“Temos de ter filmes de hollywood mas também outro tipo de filmes para que o público possa ter acesso a diferentes conteúdos. Filmes que façam o público rir ou chorar, mas que permitam perceber o que está a acontecer na sociedade e estabelecer pontes com os acontecimentos que estão na ordem do dia”, explicou.

Cinema de bolso?

Outro dos temas em debate entre o júri da competição internacional foi o futuro esperado para o cinema enquanto meio, que enfrenta hoje o desafio de se adaptar a uma era digital cada vez mais dominada por pequenos e poderosos ecrãs, capazes de alojar plataformas de streaming como a Netflix.

Pegando no exemplo de “O Irlandês”, filme de Martin Scorsece que estreou em exclusivo naquela plataforma, o actor e produtor Tom Cullen vincou que o benefício da passagem para o pequeno ecrã é que “permite que os conteúdos cheguem a audiências que de outra forma ficariam excluídas. Por exemplo, onde eu cresci, existia apenas uma sala de cinema e ficava a uma hora de distância de carro”, argumentou.

O actor, conhecido pelo papel de Anthony Gillingham em Downtown Abbey, frisou ainda que os produtores e realizadores “têm sabido adaptar-se às mudanças produzidas pelas novas tecnologias”, procurando ser mais específicos dado que agora a audiência pode ser o próprio mundo.

9 Dez 2019

Competição Internacional | Quando o cinema local abre as portas do mundo

No primeiro dia do Festival Internacional de Cinema de Macau (IFFAM na sigla inglesa) Mike Goodridge fez as honras da apresentação formal do júri da competição internacional do Festival, presidido pelo aclamado realizador de Hong Kong, Peter Chan. Diversos nas suas opiniões, o júri destacou a “primavera” do cinema asiático, a importância da genuinidade local e da forma como o cinema pode vir a encarar um futuro destinado aos “pequenos ecrãs”

 
Para conseguirmos fazer um filme excepcional, mais importante do que ouvir a nossa própria voz, é ouvir uma voz especial, uma voz que seja diferente das outras nesta indústria e estar atento às gerações mais novas”, as palavras são de Peter Chan, Presidente do júri dedicado à competição internacional do IFFAM e que terá a árdua tarefa de eleger aquele que será o vencedor, de entre os 10 filmes em concurso.
Tendo a sua obra sido rotulada inúmeras vezes de “ocidentalizada”, Peter Chan diz ter tido a sorte de ter vivido de perto a fase mais desafiante e interessante do cinema feito em Hollywood, que o inspirou irremediavelmente durante a década de 70. O realizador diz continuar a transportar essa mesma sensação, mas agora relativamente ao cinema feito na China, para o qual se encontra a trabalhar, mas também um pouco por toda a Ásia, onde cada vez mais obras começam a ganhar um lugar de destaque.
“A China é um novo horizonte e uma nova indústria onde tudo é possível. Vivemos tempos muito interessantes na Ásia e em diferentes partes da Ásia. Existem realizadores coreanos, tailandeses, indonésios. Achei o filme indonésio que vi esta manhã muito interessante, o que é uma coisa completamente nova para mim. Sinceramente, acho que o mundo se está a tornar cada vez mais interessante”, partilhou Peter Chan.
Relativamente a “Better Days”, filme realizado por  Kwok Cheung Tsang, a concurso no IFFAM, mas na competição dedicada ao Novo Cinema Chinês, o presidente do painel do júri considerou que “apesar de ser comercial, é um daqueles filmes que nos têm de dar esperança acerca da China e da censura no cinema.”
“Este filme para mim foi um processo muito difícil. No interior da China é preciso passar muito tempo para ultrapassar a censura, e isto demorou mais de um ano. Mas depois, apesar de não termos grandes expectativas quando lançámos este filme, os números da venda de bilhetes ascenderam aos 250 milhões de dólares no final, o que é bom em qualquer parte do mundo”, explicou Peter Chan.
Também Midi Z, actor e realizador nascido no Myanmar, mostrou optimismo acerca do processo e deixou um conselho para os realizadores em início de carreira.
“Acho que os jovens realizadores não devem impor limites a si próprios em termos do que é um filme e o que é o cinema. Eu faço documentários, ficção e curtas metragens e para mim não há qualquer diferença. Devemos deixar a imaginação entrar nos nossos filmes”.

Eco global

“Gosto muito da ideia de fazer um filme a partir da vontade de contar algo muito genuíno, que se relaciona com o contexto e com as vivências de uma forma directa com o público local, mas que, ao mesmo tempo, é algo tão universal que pode ser partilhado em qualquer lugar do mundo”, disse Dian Sastrowardoyo, actriz e produtora originária da Indonésia que diz estar orgulhosa do filme da Competição Internacional, “Homecoming”, realizado pelo seu conterrâneo Adriyanto Dewo.
Sobre “Homecoming”, Dian Sastrowardoyo mostrou um “orgulho enorme” por ver um filme 100 por cento feito na Indonésia, no IFFAM e destacou a capacidade que a obra tem de abordar “temas locais e histórias com um background claramente indonésio”, como o papel das mulheres na sociedade e em casa ou as diferenças existentes entre classes sociais, já que a obra coloca frente a frente duas realidades muito diferentes neste aspecto. “Acho que passa uma mensagem comum, não só na Indonésia, mas também a uma escala mundial”, explicou. “Acho que o grande desafio para todos agora, é como é que podemos realizar filmes que tenham simultâneamente características locais e globais”, rematou Dian Sastrowardoyo.
Já no seu breve papel como realizadora, Dian Sastrowardoyo, apontou a importância de utilizar o cinema para promover uma mensagem social importante, ao mesmo tempo que consegue cativar o público e levá-lo a identificar-se com as personagens.
“Fizemos um filme histórico que fala sobre o sistema de ensino na Indonésia, mas que contém também vários elementos de comédia e isto acontece porque se tivéssemos realizado o filme de forma demasiado séria, o mais certo era não chegarmos à audiência relativamente às questões políticas que queríamos abordar”, explicou.
Reiterando que “não é possível dizer se um filme está certo ou se está errado, pois todos os têm diferentes características”, Peter Chan lembrou a propósito do tema, que um filme que pode parecer uma comédia, pode perfeitamente apresentar um tema social ao público.
“Temos de ter filmes de hollywood mas também outro tipo de filmes para que o público possa ter acesso a diferentes conteúdos. Filmes que façam o público rir ou chorar, mas que permitam perceber o que está a acontecer na sociedade e estabelecer pontes com os acontecimentos que estão na ordem do dia”, explicou.

Cinema de bolso?

Outro dos temas em debate entre o júri da competição internacional foi o futuro esperado para o cinema enquanto meio, que enfrenta hoje o desafio de se adaptar a uma era digital cada vez mais dominada por pequenos e poderosos ecrãs, capazes de alojar plataformas de streaming como a Netflix.
Pegando no exemplo de “O Irlandês”, filme de Martin Scorsece que estreou em exclusivo naquela plataforma, o actor e produtor Tom Cullen vincou que o benefício da passagem para o pequeno ecrã é que “permite que os conteúdos cheguem a audiências que de outra forma ficariam excluídas. Por exemplo, onde eu cresci, existia apenas uma sala de cinema e ficava a uma hora de distância de carro”, argumentou.
O actor, conhecido pelo papel de Anthony Gillingham em Downtown Abbey, frisou ainda que os produtores e realizadores “têm sabido adaptar-se às mudanças produzidas pelas novas tecnologias”, procurando ser mais específicos dado que agora a audiência pode ser o próprio mundo.

9 Dez 2019