Exposição | “Inner Harbour Zine” mostra Porto Interior através da arte

Chama-se “Inner Harbour Zine” e pretende mostrar, até Outubro, as vivências e histórias do Porto Interior, sem esquecer o seu futuro. Si Kei é a curadora da iniciativa da associação Community Art Project que acontece nas bibliotecas dos bairros do Patane e de São Lourenço

 

[dropcap style≠’circle’]D[/dropcap]eebates, experiências artísticas e sessões de storytelling acontecem a partir de amanhã, até ao dia 31 de Outubro, para contar os detalhes das histórias que povoam a zona do Porto Interior, lugar que outrora vivia da pesca e da indústria. É esta a proposta da associação Community Art Project, que organiza várias actividades com o apoio do Instituto Cultural e que se inserem na iniciativa “Inner Harbour Zine”. Estas acontecem entre amanhã e o dia 30 deste mês na biblioteca do Patane, enquanto que a biblioteca de São Lourenço acolhe outra série de eventos entre o dia 1 de Setembro e 31 de Outubro. Pelo meio há o “Zine Storytelling”, que visa a participação de moradores, no dia 11 deste mês, sem esquecer um workshop pensado para famílias no dia 18 deste mês. Si Kei, curadora da iniciativa e uma das responsáveis da Community Art Project, contou ao HM que o objectivo principal do projecto é não deixar as memórias do Porto Interior morrer. “Vamos organizar diferentes tipos de eventos sobre temas como a pesca ou as indústrias que têm vindo a desaparecer nos últimos anos, sem esquecer o futuro do Porto Interior e das restantes áreas litorais do território. Vamos falar de diferentes temas para que o público possa conhecer melhor o Porto Interior”, frisou.

O workshop e a sessão de storytelling terá a participação de artistas, mas não só. “Pedimos a artistas e a pessoas que não têm experiência artística para participar no evento. Estas vão fazer criações individuais que terão edições limitadas para venda ao público.” A ideia é que esses materiais revelem “a sua visão sobre o Porto Interior, o que sentem em relação a essa zona e as suas experiências no local”. Esses trabalhos vão responder a três temas, tais como “a linha costeira e as mudanças e o futuro, as vivências na zona do Porto Interior e as indústrias da zona”.

Zona perdeu voz

Si Kei contou ao HM a decisão de focar a zona aconteceu depois de perceberem as consequências do tufão Hato, ocorrido há um ano e que causou inundações graves no Porto Interior.

“Percebemos que o tufão do ano passado trouxe sérios impactos à zona e depois disso, alguns meses depois, não houve mais vozes sobre a zona, que voltou a ficar esquecida. No desenvolvimento económico de Macau esta área sempre ficou para trás, apesar de ter elementos históricos únicos.”

Para Si Kei, o Porto Interior representa “a era dourada de Macau de há séculos atrás”, pelo que “é muito importante voltar a levantar a voz sobre esta zona e mostrar às pessoas o que está a acontecer aqui”.

Mais do que apostar na vertente artística, a associação Community Art Project pretende aumentar a consciência das pessoas sobre os desafios que o Porto Interior enfrenta actualmente. “É importante que as pessoas saibam mais e falem sobre a zona, para que o Governo esteja atento em termos de implementação de políticas de desenvolvimento urbanístico.”

Si Kei lamenta que apenas o projecto de integração regional da Grande Baía Guangdong-Hong Kong-Macau seja destaque na opinião pública. “Ninguém quer saber da zona do Porto Interior, e é por isso que queremos aumentar a consciência de quem continua a viver nesta zona e cujas vidas poderiam mudar e melhorar.”

Para a curadora do projecto, quem continua a residir na área já não acredita em mudanças. “Muitos locais estão a sair da zona e os trabalhadores migrantes estão a mudar-se para lá, o que significa, por um lado, que os locais conseguem viver num lugar melhor mas a nossa investigação mostra que os residentes continuam a ficar, vivem lá desde jovens e a maior dificuldade para eles é que podem ter dificuldades, sem canais para falar, e nem sabem como falar.”

“Não estão muito optimistas quanto ao futuro, e pensam que já passaram dez e quinze sem que tenha havido mudanças significativas. Gostaríamos de levá-los a pensar que a sua situação pode melhorar”, rematou a curadora.

3 Ago 2018

Artistas António Dias, Mário Cravo e Eleanora Koch morreram no mesmo dia no Brasil

[dropcap style≠’circle’]O[/dropcap] mundo das artes brasileiro está de luto depois de ter perdido no mesmo dia, na quarta-feira, três conceituados artistas: António Dias, Mário Cravo e Eleonora Koch.

António Dias, famoso pelas suas obras em papel ‘kraft’, morreu durante a tarde de quarta-feira no Rio de Janeiro aos 74 anos, após anos a lutar contra um cancro.

Dias nasceu em 1944 na cidade de Campina Grande, no estado da Paraíba (nordeste) e mudou-se para o Rio de Janeiro aos 14 anos. Em 1965, viajou para a Europa com uma bolsa de estudos de pintura que havia recebido na Bienal Francesa e, aos 21 anos, ganhou o prémio da Bienal de Paris.

Em 1972 recebeu uma bolsa da Fundação Simon Guggenheim para trabalhar em Nova Iorque e, cinco anos depois, viajou para a Índia e Nepal, onde estudou técnicas de produção de papel.

Já Mário Cravo, de 95 anos, morreu na cidade de Salvador, no estado da Bahia, vítima de doença prolongada.

O artista baiano começou a sua carreira como pintor, mas ficou notabilizado pela escultura.

Estudou primeiro no Rio de Janeiro e depois nos Estados Unidos e, quando voltou ao Brasil, fez parte da primeira geração de artistas modernistas baianos, tornando-se especialista em monumentos.

Em mais de 70 anos de atividade profissional, Cravo foi um dos artistas que mais estimulou e valorizou os elementos da cultura popular para produzir arte.

Eleonore Koch foi a última dos três artistas que o Brasil viu partir na quarta-feira. A pintora de origem alemã morreu de insuficiência cardiorrespiratória aos 92 anos de idade num hospital em São Paulo.

A artista foi a única aluna do pintor Alfredo Volpi – considerado pela crítica como um dos mais importantes artistas da segunda geração do modernismo.

Lore, como era conhecida entre as amigas, há muitos anos que estava doente e não pintava desde então devido a problemas de visão.

Eleonora Koch participou em duas edições da Bienal de São Paulo (1959 e 1967) antes de se instalar em Londres em 1968.

2 Ago 2018

Exposição | Espaço Casa do Povo acolhe “Sangiorgiari”, de Sásquia Salgado

Sásquia Salgado acabou recentemente o curso de fotografia e prepara-se para expor pela primeira vez em Macau, no espaço artístico Casa do Povo. “Sangiorgiari” assenta numa série de fotografias que contam a história de uma procissão na Sicília, em que os crentes carregam, durante um dia inteiro, a estátua de São Giorgio

 

[dropcap style≠’circle’]D[/dropcap]urante um dia inteiro a estátua de São Giorgio é carregada a cavalo, no meio de vozes e fúrias de uma população que, durante o ano, aguarda por aquela procissão. Todos os que carregam a estátua do santo protector ganham o nome de “sangiorigarios”. Foi este ritual religioso, muito famoso na Sicília, que captou a atenção da fotógrafa Sásquia Salgado.

Recentemente licenciada em fotografia, Sásquia Salgado decidiu pegar neste trabalho documental para realizar a sua primeira exposição no lugar que a viu nascer: Macau. O espaço criativo Casa do Povo, em Coloane, foi o local escolhido para acolher a mostra inaugural.

O embate com a festividade religiosa aconteceu um pouco por acaso. “Estive a estagiar durante cinco meses em Itália quando acabei o curso o ano passado, em fotografia, no Porto. Estava a estagiar perto de Milão, não estava na Sicília, e fui lá uma primeira vez, em trabalho. Aí disseram-me que ia haver uma festa onde as pessoas carregavam uma estátua enorme durante um dia inteiro e que é esperada pelas pessoas o ano todo.”

Quando regressou a Milão, Sásquia Salgado pesquisou mais sobre este acontecimento e decidiu que seria um bom tema para fotografar. As emoções das pessoas foram um dos pontos de partida para este trabalho. “Não fui fotografar o festival em si, mas queria apanhar as expressões das pessoas, sobre o que sentiam naquele momento. Acabei por voltar à Sicília de propósito para fotografar o festival. Este acontece em várias cidades pequenas da Sicília, mas a maior parte das pessoas vão para Modica, uma das cidades mais antigas da Sicília”, contou.

Sásquia Salgado revelou que ela própria se deixou envolver na emotividade colectiva da procissão. “Quando cheguei deparei-me com algo que não estava à espera. Esperava muita euforia porque sei que as pessoas sentem muito aquilo. Quando se fala de religião há sempre um certo fanatismo, e acabei por me sentir também eufórica. Não consegui chegar muito perto da estátua, porque estavam bastantes pessoas, mas senti-me como se estivesse também ali a carregar a estátua. As pessoas estavam completamente fora de si”, recorda.

Apesar da procissão na Sicília ter sido o tema escolhido para a sua primeira exposição em Macau, Sásquia Salgado chegou a ponderar mostrar as imagens que captou nas muitas viagens que fez no sudeste asiático. “Tinha em mente umas fotografias de viagens, porque a maior parte do trabalho fotográfico que faço é documental. O ano passado viajei pelo Vietname, Cambodja e Tailândia e também queria expor essas fotografias como algo mais documental de viagem e de cultura. Contudo, nunca tive essa oportunidade porque depois comecei a trabalhar e não tinha tempo. Depois é que surgiu esse projecto e achei mais interessante expor.”

Entre a Europa e Macau

Com um pai fotógrafo e uma mãe jornalista, Sásquia Salgado sempre esteve muito ligada à imagem, seja através do audiovisual ou da fotografia. A escolha do percurso profissional acabou por ser quase imediata, sem grandes indecisões. “Acabei o meu curso no Porto mas já tenho contacto com a fotografia desde muito nova. Ir para a universidade estudar fotografia de uma forma mais profunda foi mais uma etapa da minha caminhada”, frisou.

Depois da experiência em Milão e após estar na Magnum, em Paris, Sásquia Salgado gostaria de regressar a Macau e aqui fazer carreira, apesar de se tratar de um território de pequena dimensão. “Queria fazer fotografia documental e poder viajar, retratar o que vivi naquele momento. Ainda estou um bocado à procura daquilo que posso fazer com a fotografia, porque é uma disciplina muito vasta, não é só captar uma imagem, é mais do que isso.”

Expor em Macau e na Europa é uma possibilidade de futuro, mas a Casa do Povo representou a possibilidade de Sásquia Salgado expor num lugar que é a sua casa. “Já sabia da existência da Casa do Povo. Nasci em Macau, fui-me embora para estudar mas depois comecei a pesquisar alguns sítios onde podia expor. Sempre morei em Coloane e até digo que nasci em Coloane e não em Macau. Então também queria expor num sítio onde me sentisse em casa”, concluiu.

2 Ago 2018

Poemas de Pedro Tamen reunidos no livro “Retábulo das Memórias”

[dropcap style≠’circle’]T[/dropcap]oda a poesia de Pedro Tamen publicada entre 1956 e 2013 está reunida em “Retábulo das Memórias”, volume editado pela Imprensa Nacional na sua colecção Plural, em Portugal .

A poesia de Pedro Tamen “é agora completamente reunida”, neste volume de mil páginas, lê-se num curto texto na contracapa, referindo que o poeta está traduzido em 14 línguas. “Poema para Todos os Dias” (1956) abre o volume que integra os 19 livros publicados pelo poeta nascido há 83 anos em Lisboa, e inclui ainda “Esparsos”, vários poemas publicados soltos, designadamente em revistas como a Colóquio/Letras ou em livros de homenagem a poetas, casos de Jorge de Sena e Ana Hatherly.

Entre eles encontram-se “Verdes Anos” (1963), escrito para a composição homónima de Carlos Paredes, “Cesário” (1986), “Deverá, senhores, pensar-se” (1990), ou “Menina de Timor” (1999), que dedica à ex-primeira-ministra Maria de Lourdes Pintasilgo.

“Esparsos” reúne 42 poemas e, além de “Verdes Anos”, que foi gravado por Teresa Paula Brito, inclui “Um Fado: Palavras Minhas, que José Luís Tinoco musicou e Carlos do Carmo gravou, e “É Dia”, também musicado por Tinoco, gravado por Teresa Silva Carvalho, e ainda “Fontes”, que Tamen escreveu para figurar num painel de cerâmica de Francisco Relógio para um snack-bar em Lisboa, entre outros.

“Retábulo das Memórias” inclui ainda a bibliografia de Pedro Tamen, dividida em livros de poesia publicados, antologias e livros publicados no estrangeiro.

Uma vida de prémios

O autor, que é também tradutor e crítico literário, licenciou-se em Direito na Universidade de Lisboa e dirigiu editorialmente, com António Alçada Baptista, de 1958 a 1975, a editora Moraes.

De 1975 até 2000 foi vogal do conselho de administração da Fundação Calouste Gulbenkian, cargo que acumulou durante três anos, de 1987 a 1990, com a presidência do P.E.N. Clube Português.

Literariamente, Pedro Tamen foi distinguido com o Prémio D. Diniz/Casa de Mateus, em 1981, o Grande Prémio de Tradução Literária, em 1990, o Prémio da Crítica da Associação Portuguesa de Críticos Literários, em 1991, o Prémio Bordallo, da Casa da Imprensa, em 2000, e no ano seguinte, o Prémio P.E.N. de Poesia, em 2001.

O poeta recebeu ainda o Prémio Luís Nava, em 2006, o Grande Prémio de Poesia da Associação Portuguesa de Escritores, em 2010, e o Prémio Literário Casino da Póvoa, no ano seguinte.

Em 1993, o Governo português condecorou-o com a Grã-Cruz da Ordem do Infante D. Henrique. A colecção Plural, reactivada há três anos pela Imprensa Nacional, foi criada pelo escritor Vasco Graça Moura, em 1992, quando esteve à frente da Imprensa Nacional-Casa da Moeda.

2 Ago 2018

Óbito | Morreu a fadista Celeste Rodrigues aos 95 anos

[dropcap style≠’circle’]A[/dropcap] fadista Celeste Rodrigues, irmã de Amália Rodrigues, morreu ontem, aos 95 anos, confirmou à Lusa o neto Diogo Varela Silva.

“É com um enorme peso no coração, que vos dou a notícia da partida da minha Celestinha, da nossa Celeste. Hoje deixou uma vida plena do que quis e sonhou, amou muito e foi amada, mas acima de tudo, foi a pedra basilar da nossa família, da minha mãe, da minha tia, dos meus irmãos, sobrinhos e filhos, somos todos orgulhosamente fruto do ser humano extraordinário que ela foi”, escreveu Diogo Varela Silva na rede social Facebook, remetendo para mais tarde informações adicionais.

Nascida no Fundão, em 14 de Março de 1923, a irmã de Amália Rodrigues iniciou a carreira há 73 anos, ao aceitar o convite feito pelo empresário José Miguel (1908-1972), detentor de vários teatros e casas de fado, entre os quais o Café Casablanca. Do seu repertório constam, entre outros temas, “A Lenda das Algas” e o “Fado das Queixas”.

2 Ago 2018

Segundo volume de memórias e pensamentos de Manuel da Silva Mendes à venda

Já está à venda na Livraria Portuguesa o segundo volume da obra “Manuel da Silva Mendes: memória e pensamento”, que inclui textos sobre um colóquio realizado em Portugal sobre o autor, além de revelar tudo o que escreveu sobre Macau, a China e o Japão. O terceiro volume é publicado em Outubro

 

[dropcap style≠’circle’]J[/dropcap]urista e uma das figuras que mais se destacou na elite cultural portuguesa residente em Macau no início do século XX, Manuel da Silva Mendes continua a ser recordado com uma série de publicações que incidem sobre o seu legado.

Em Outubro do ano passado, a editora Livros do Oriente publicou o primeiro volume de “Manuel da Silva Mendes: memória e pensamento”, que contém, em cerca de 600 páginas, três ensaios sobre a figura que marcou a história social de Macau, da autoria de António Aresta, Amadeu Gonçalves e Tiago Quadros. Na sua essência, o livro abarca todos os textos de Silva Mendes sobre Arte, Filosofia e Religião, Cultura e Tradições Chinesas.

O segundo volume da obra já se encontra à venda na Livraria Portuguesa, apesar do lançamento oficial só acontecer em Setembro. Desta vez, a Livros do Oriente reuniu textos do colóquio realizado em Portugal sobre os 150 anos do nascimento de Manuel da Silva Mendes, bem como artigos por si escritos sobre a educação e vivência em Macau, a China e o Japão.

De acordo com um comunicado da editora, “este segundo volume esgota tudo quanto Silva Mendes escreveu sobre Macau, a China e o Japão”. Além disso, contém artigos de Ana Cristina Alves, docente da Universidade de Macau, que escreve sobre “O Tao de Manuel da Silva Mendes: do Tao político ao Tao poético”. António Aresta, que também participou no primeiro volume, escreve o capítulo “Manuel da Silva Mendes – um intelectual português em Macau”. Já António Graça de Abreu, escritor, professor e tradutor, aborda a “inimizade inteligente” que Silva Mendes teve com o poeta Camilo Pessanha.

Também António Conceição Júnior, artista macaense, participa neste segundo volume com o texto “O legado artístico de Manuel da Silva Mendes”, tema que, aliás, abordou numa palestra recentemente realizada.

A publicação do terceiro volume desta colectânea deverá acontecer até Outubro, incidindo sobre “textos publicados em Macau acerca de questões relacionadas com Portugal e o mundo”, bem como “a produção literária e jornalística de Silva Mendes antes da sua vinda para Macau, em 1901”. Além disso, o novo livro da colecção “Memória e Pensamento” promete reunir “textos inéditos de referência a Silva Mendes, ensaios e extractos desenvolvidos de teses académicas sobre a figura deste jurista”.

Quezílias na imprensa

Na nota prévia do livro é referida a importância que os escritos de Manuel da Silva Mendes tem para a compreensão da sociedade da época. “O seu pensamento sobre a educação em Macau trouxe ideias novas a uma comunidade resignada e distanciada, quiçá incomodada por estes problemas serem debatidos nas páginas da imprensa portuguesa.”

As personalidades que, à época, viviam no território, chegaram a criticar este facto nas páginas dos jornais. “Essa desrazão também era vista nas intervenções públicas de Camilo Pessanha sobre a educação de Macau e que a imprensa transcrevia. Até as polémicas sobre a instrução dos macaenses, protagonizadas por Leôncio Alfredo Ferreira ou Pedro Nolasco da Silva, eram pouco toleradas porque começavam, justamente, nos jornais.”

A mesma nota prévia lamenta que, em Macau, o Governo não tenha dado destaque aos 150 anos do nascimento desta personalidade portuguesa. É “inédita e acentua-se a importância que Portugal dedica a Silva Mendes, ao contrário de Macau que, em termos oficiais, ignorou totalmente a passagem dos seus 150 anos”.

Manuel da Silva Mendes estudou Direito na Universidade de Coimbra e, em Macau, desempenhou vários cargos, incluindo o de professor do liceu. Em 1932, ano da sua morte, o jornal Eco Macaense descreveu-o como sendo uma “figura simpática e vulto de destaque nesta terra. Silva Mendes falava chinês e foi, no início do século XX, um grande divulgador da cultura, religião e filosofia chinesas.

1 Ago 2018

Ilustração | Sandy Leong quer contar histórias de famílias migrantes no Reino Unido

Sandy Leong, natural de Macau, está a estudar arte no Reino Unido e a recolher histórias de mães de famílias migrantes. Esses relatos serão contados no formato de ilustração e vão ser exibidos em Londres no próximo ano e, talvez, em Macau

 

[dropcap style≠’circle’]T[/dropcap]razem as malas às costas e um punhado de sonhos que esperam ver realizados no país de chegada. Procuram novas oportunidades ou talvez fujam de algo. Quando as mulheres das famílias migrantes decidem ter filhos, passam a ter uma outra história para contar. São estes os relatos de que Sandy Leong está à procura para realizar o projecto de contar, através de trabalhos de ilustração, as histórias destas mulheres.

Sandy Leong é natural de Macau e encontra-se actualmente a estudar arte no Reino Unido. Actualmente, ainda está no processo de recolha de testemunhos para as suas ilustrações que serão expostas em Londres no próximo ano e que fazem parte do projecto final de curso.

“Muitas famílias têm histórias de migração e quase todas têm histórias sobre as suas mães. Qual é o papel de uma mulher numa família de migrantes? Como é que os filhos vêm as suas próprias mães e que tipo de observação fazem?”, questiona a artista no evento criado no Facebook para este evento.

Sandy Leong decidiu partir para este projecto por entender que, “nas próximas décadas, vamos provavelmente encontrar cada vez mais migrantes”. Ainda assim, o foco deste trabalho, que poderá ser em formato de impressão ou digital, não será as famílias de Macau.

“O ano passado fiz alguma investigação sobre as crianças de famílias da China e de Hong Kong que emigraram para países europeus. Tentei observar e estudar as memórias sensitivas ligadas à emigração. Francamente, acho que não há muitas famílias de Macau que tenham vindo para o Reino Unido”, contou ao HM.

Além da busca nas redes sociais, Sandy Leong tem estado ligada a workshops que atraem mulheres de diversos países, como o Afeganistão e a Grécia, por exemplo. “Na verdade, Londres é uma cidade muito diversa em termos de migração e gostaria de conhecer pessoas com diferentes histórias para que as minhas histórias sejam mais universais e que tenham leitura.”

O projecto será exibido em Londres no próximo ano, mas Sandy Leong vai tentar trazê-lo para Macau. “Vou contactar galerias de arte em Macau ou outros locais que possam estar interessados no meu projecto. Espero ter esta oportunidade”, frisou.

As primeiras questões

Sandy Leong nasceu, ela própria, numa família de migrantes, e viu-se confrontada com a sua história pessoal aquando da realização deste projecto. “A primeira vez que percebi que estava a deixar a minha casa foi quando tinha três anos e tive de vir para o jardim de infância em Macau, depois de viver com a minha avó na China. A minha avó tem raízes malaias e chinesas e foi viver para a China devido ao movimento anti-China na sua cidade natal. Quando deixei a casa lembro-me que chorei imenso e não sabia porque é que tinha de sair de casa.”

Só depois é que compreendeu que os seus familiares também tinham ido à procura de melhores condições de vida. “Nos últimos dez anos estudei em vários sítios e fui para o outro lado do mundo para me explorar a mim mesma. Ser uma mulher numa família e sociedade chinesas fez com que tenha sido muito pressionada quando tomei esta decisão”, conta a ilustradora.

No país que a acolheu, a artista começou a ser assaltada por várias questões identitárias. “Aqui tenho mais oportunidades de carreira, mas penso sempre sobre qual lugar é a minha casa, como é que vim aqui parar, sempre a imaginar que a minha vida é como a vida da minha mãe e avó”, concluiu.

31 Jul 2018

Fotografias abstractas de Vong Sek Kuan na Galeria 1884

A terceira exposição de fotografia da Galeria 1884 revela uma abordagem mais abstracta do fotógrafo de Macau Vong Sek Kuan. “Beginning Anew – Works by Vong Sek Kuan” abre ao público esta quarta-feira

 

[dropcap style≠‘circle’]N[/dropcap]o início foi a realidade que já não existe, a recordação de um passado que já poucos vão recordando. Assim foi o arranque da Galeria 1884, que começou por ser uma plataforma de recolha de fotografias de Macau antigo, mas que se transformou num espaço físico. Meses e duas exposições depois, a Galeria 1884 prepara-se para receber uma nova perspectiva da fotografia.

“Beginning Anew – Works by Vong Sek Kuan” é a mais recente exposição, que abre ao público esta quarta-feira, pela mão sábia da curadoria de Yoyo Wong, gestora de curadorias da galeria.

Esta iniciativa cultural é fruto do conhecimento de longa data do trabalho do fotógrafo, que é natural de Macau e que há décadas se dedica à profissão.

“Já conhecemos o trabalho de Vong Sek Kuan há muito tempo e sabemos que tem vindo a fazer novos projectos de forma constante. Consideramos que esses trabalhos têm muita qualidade e decidimos fazer a curadoria de uma nova exposição do seu trabalho”, contou Yoyo Wong ao HM.

Na galeria estarão expostas 14 fotografias a preto e branco, que “revelam rostos humanos ou outras figuras que a pessoa consegue distinguir quando olha para elas”.

“Ele tirou fotografias da água, cortou algumas imagens e criou outras mais abstractas, que podem mostrar muitas coisas. Parecem-se, por exemplo, com caligrafia chinesa”, acrescentou a curadora.

Yoyo Wong garantiu que a parte mais importante de organizar uma nova exposição é mostrar ao público um projecto de qualidade. “Como curadores queremos mostrar bons trabalhos, especialmente ao nível da fotografia, porque é esse o nosso foco principal. Queremos mostrar o trabalho de vários fotógrafos na Ásia, apesar de, nos últimos tempos, nos termos focado mais nos fotógrafos de Macau. Estamos abertos a várias possibilidades e este fotógrafo já tem uma grande experiência do ponto de vista criativo.”

“Beginning Anew – Works by Vong Sek Kuan” revela, sobretudo, “uma nova abordagem em termos de fotografia”. “Sentimos que faz sentido mostrar esta série de trabalhos inovadores de um fotógrafo de Macau, porque há muito tempo que temos uma parceria. São bons trabalhos e queremos mostrá-los ao público”, acrescentou.

Uma vez que se trata de uma mostra ligada ao abstraccionismo, Yoyo Wong acredita que o público terá diferentes sensações e ideias a olhar para as fotografias. “Como são abstractas então há muitas possibilidades de análise e de experiências. Podem gerar sentimentos diversos. Uma fotografia pode ter diferentes perspectivas, tudo depende daquilo que se vê. São mudanças perpétuas inspiradas pelo ciclo da natureza e pela forma como as coisas se movem.”

De acordo com a nota informativa da exposição, da autoria da equipa de curadores da galeria, “Beginning Anew – Works by Vong Sek Kuan”, “os padrões das fotografias podem parecer sem significado, mas na realidade estes contornos e formas têm uma relação muito próxima com a circulação constante. As pessoas, nos tempos antigos, encontraram diferentes maneiras de compreender o funcionamento do universo através das leis da natureza, e esta exposição também reflecte parte do pensamento do fotógrafo em relação à natureza”.

Vong Sek Kuan nasceu em Macau e foi instrutor do curso a preto e branco da “Macau Youth Association for Putonghua Promotion”, entre 1969 e 1979. No ano seguinte, começou o seu próprio negócio e desde 2007 que dá aulas de fotografia. É também membro do Conselho das Indústrias Culturais e director da Associação de Promoção das Indústrias Criativas de São Lázaro.

 

Fotografia em português

Com as portas abertas há alguns meses, a Galeria 1884 já recebeu cerca de cinco a seis mil visitantes e, de acordo com Yoyo Wong, o balanço é positivo. “Definitivamente, é um bom sinal e também um bom encorajamento para o nosso projecto”, confessou uma dos três responsáveis da galeria, que promete não ficar por aqui em termos de exposições.

Na agenda para os próximos meses está a ser pensada uma mostra de trabalhos de um fotógrafo do continente e até de Portugal. Contudo, Yoyo Wong não quis revelar nomes por estarem ainda a ser negociados os detalhes da exposição.

30 Jul 2018

Exposição | Dez artistas de Macau vão a Amesterdão mostrar as suas ilustrações

A quarta edição da exposição “Art of Illustration” acontece este ano em Amesterdão, capital da Holanda, e tal como já vem sendo hábito junta dez artistas locais e dez de Macau, numa partilha de experiências e visões artísticas. Christine Barbosa, responsável pela associação cultural YunYi, explica o que o público poderá esperar

[dropcap style≠‘circle’]U[/dropcap]ma dezena de artistas de Macau vão ter a oportunidade de expor os seus trabalhos, da área da ilustração, num dos grandes e históricos centros artísticos, sob o tema “Futuro”. O resultado será apurado da fusão entre oriente e ocidente que, no final, se transforma numa exposição conjunta em dois países diferentes. É assim a quarta edição da exposição “Amesterdam and Macau – Art of Illustration”, uma iniciativa da associação Yunyi Arts & Cultural Communications e que decorre no espaço Nieuw Dakota / Translocal Art Space, na capital holandesa.

Christine Hong Barbosa é a curadora e explicou ao HM os trabalhos dos dez artistas de Macau que participam este ano e que viajarão para a capital holandesa em Agosto. Posteriormente, a mesma exposição terá lugar em Macau.

“É o quarto ano que fazemos este evento anual e queremos fazer com que as pessoas falem mais sobre as diferentes formas de utilização da ilustração, seja na arte ou no comércio. Esta iniciativa tem corrido muito bem e tem permitido às pessoas de outros países e regiões aprender mais sobre os artistas de Macau e também abre os nossos olhos a outras tradições e culturas diferentes. Este ano vamos para Amesterdão porque é a capital da arte, há imensas galerias.”

Sob o tema “Futuro”, artistas como Pat Iam (Pibg Gantz), ligado ao graffiti, Joana Borges, Monica Bernie Darling, Bruno Kuan ou Sandy Ieong, entre outros, vão mostrar os seus trabalhos.

Christine Hong Barbosa defende que a escolha dos artistas não passa apenas pelos nomes mais conhecidos do panorama artístico local.

“Sempre pensei que fosse desafiante procurar tantos ilustradores, mas para minha surpresa ainda não repeti nenhum artista. O meu trabalho de curadoria baseia-se muito nas pessoas que já conhecem este evento e que me podem recomendar outros artistas que estejam no mesmo circulo. A Joana Borges, por exemplo, foi-me recomendada por alguém que participou na edição passada.”

A responsável pela Yunyi Arts & Cultural Communications garante que “há alguns artistas que já são conhecidos em Macau, mas há outros também que não são famosos, mas que são bastante criativos e têm talento”. “Alguns artistas não têm um estilo específico e ainda estão a experimentar muitas coisas”, exemplificou Christine Hong Barbosa.

Arte em autocolante

Joana Borges faz ilustrações nos tempos livres e ainda não se assume como artista. Participar nesta exposição e ir a Amesterdão é, para ela, uma oportunidade, uma vez que nunca expôs o seu trabalho publicamente.

“Vou levar um quadro que se chama ‘Georgia on my mind’ porque tem a ver com a música com esse nome e outros conceitos mais pessoais. Esse quadro é feito com autocolantes que eu reutilizei e pintei com acrílico, em papel escrevi partes da letra da música e de frases feitas por mim. O outro quadro é roxo e azul, feito com acrílico, e dá um efeito de buraco negro no universo. São todas emoções num turbilhão, criadas numa tela”, explicou ao HM.

A ideia de trabalhar com autocolantes começou quando uma amiga de Joana Borges teve problemas pessoais. “Comecei em 2016 porque tinha uma amiga que estava a passar um mau bocado e resolvi fazer autocolantes entre o caminho de casa até ao local do trabalho dela. Os autocolantes tinham desenhos e frases. Outras pessoas disseram que tinham visto e que tinham reconhecido a letra da música, e aí pensei que deveria explorar mais isso. Comecei a pôr outros desenhos e frases e comecei a espalhar alguns autocolantes por aí. Comecei a evoluir para o desenho.”

Em Amesterdão, Joana Borges vai mostrar um pouco daquilo que tem vindo a fazer nos últimos meses, mas ainda hoje não assina aquilo que faz. “Raramente identifico as minhas obras porque não considero que seja importante o nome de quem fez, mas a obra em si.”

Estar na capital da Holanda vai ser importante “nem que seja pela ligação que vou fazer com os outros dez artistas e pelo facto de espalhar autocolantes em Amesterdão, Paris e Lisboa”. “Vou tentar espalhar pela Europa o que tenho andado a fazer nos últimos meses, mas esse não é o objectivo”, acrescentou Joana Borges.

Para Christine Hong Barbosa, é interessante abordar as diversas perspectivas da ilustração porque há uma maior liberdade. “Não temos restrições ao nível do conteúdo da obra mas apenas referente ao tamanho. Podem fazer trabalhos digitais, com aguarelas, utilizando qualquer estilo com que se sintam à vontade. Queremos que os artistas interpretem isso de acordo com o seu estilo próprio e assim poderemos ver diferenças entre as visões de Macau e dos artistas de Amesterdão, sempre baseadas nas suas próprias culturas e vivências.”

“A ilustração é algo completamente livre, não tem restrições, cada um pode fazer da maneira que quiser. Não é preciso ter ferramentas especificas, e este evento está relacionado com pessoas que não precisam de ser artistas profissionais mas que podem simplesmente ter a sua própria voz”, rematou a responsável pela Yunyi Arts & Cultural Communications.

27 Jul 2018

Entrevista | Ricardo Moreira da Silva, artista plástico

[dropcap style=’circle’] R [/dropcap] icardo Moreira da Silva, Xisto Soares e Tony Amaral trazem a Macau obras incluídas na componente “O Outro” da Alter Ego, ao abrigo da Exposição Anual de Artes entre a China e os Países de Língua Portuguesa, patente no edifício da Antigo Tribunal até 9 de Setembro. Em discurso directo, Moreira da Silva revela um pouco da nova expressão artística que tem explorado e do estado da arte em Timor-Leste

Está em Macau com um trabalho que fez com os timorenses Xisto Soares e Tony Amaral. Como surgiu esta ligação?

Fui parar a Timor há quatro anos. Fui por uma questão de vistos e acabei por lá ficar a trabalhar numa agência de comunicação como director artístico. Entretanto, conheci artistas timorenses e vi-me a mãos com a situação que ali se vive. Há muita falta de referências artísticas. Talvez por isso, os artistas timorenses desenvolveram uma forma de arte muito própria, muito ligada ao animismo que também está muito próximo da arte conceptual contemporânea. Comecei a criar programas de educação cultural, com a  colaboração da Fundação Oriente e esta vinda aqui é integrada num programa de educação cultural que também trouxe estes dois artistas com quem já tenho trabalhado. Pretendo ainda desenvolver laços com Macau e espero criar uma possível ponte de ligação para ajudar os artistas timorenses a internacionalizarem-se.

 

E o que trazem a Macau?

Esta exposição foi um grande passo. Trouxemos três grandes peças monumentais, de 15 metros por cinco. A produção destas peças é um diálogo silencioso entre os três artistas e tem que ver com uma nova corrente que estou  desenvolver. Chama-se infra-arte e que na pintura está ligada à hiper-pintura. É uma pintura velada, de difícil acessibilidade se não se tiver tecnologia. É um conceito um pouco difícil de se ilustrar até por ser de vanguarda.

 

Mas pode explicar um pouco melhor?

A pintura ao longo da história tem vindo a trabalhar a questão da ilusão. Depois com a vinda da fotografia isso perdeu um bocado o sentido para a pintura tanto que houve quem afirmasse que a pintura estava morta. Entretanto, viu-se nas correntes do início do século XX, uma ligação da pintura à percepção e ao desenvolvimento intelectual dessa percepção. É uma espécie de linha de fenomenologia ligada à construção pictórica e a essas bases analógicas que são a pintura e a escultura. Hoje em dia, com o desenvolvimento tecnológico, houve outra vez uma usurpação desses espaços e esta é uma pintura que trabalha a dependência tecnológica. Trabalha noutros espectros visuais e essa acessibilidade a estes espectros depende sempre de outro tipo de tecnologias.

 

É necessário outro meio para aceder a essa pintura?

Sim, precisa sempre de um meio. Por exemplo, o raio-x ou o ultra violeta, etc, tudo isso, são espectros de percepção que geralmente não utilizamos no observador. Embora não seja comunicação, é um objecto de observação e vive por essa razão. Neste momento, trabalho no sentido de criar uma espécie de exercício que vive desta dependência.

 

A própria produção também implica esse meio?

Isto começou em 2013 e neste momento está a evoluir precisamente para isso, para uma manipulação já do meio tecnológico para conseguir tomar mais partido da criação. Mas a tecnologia não está acessível a toda a gente, não esta democratizada o que cria limitações mesmo nas produções de exposições. Muitas vezes a própria produção da exposição não consegue criar meios, foi o que aconteceu cá. Vínhamos com as peças de hiper-pintura e aqui não se conseguiram encontrar os meios para que o público pudesse entrar em contacto com a infra-imagem. De qualquer das maneiras, como objecto são bastante interessantes. São espiritualmente minimais. São peças monocromáticas, mas às vezes feitas com matérias muito simples e isso dá-lhes um charme muito próprio. Apesar de não estarem expostas, estas peças estão aqui em Macau e a sua venda vai reverter directamente para uma fundação que trabalha só nesta questão da internacionalização dos artistas e no desenvolvimento cultural em Timor. Naquele país, a arte é uma zona frágil da estrutura que está em desenvolvimento e que tem outras prioridades que não a cultura. Também estamos a fazer um grande levantamento biográfico e descobrimos que os grandes pilares da arte em Timor nos últimos 40 anos são mulheres. Isto até é uma contradição, porque neste momento não há quase artistas mulheres naquele país. Mas quem representa a história visual e cultural de Timor na cultura e na escultura, são realmente as mulheres. Neste sentido, também estamos com um programa que se chama o WAP, Woman Art Power, que tem só que ver com a calibração, com o trazer de volta um equilíbrio entre os dois géneros neste meio cultural tendo em conta a música, o teatro, a performance a escultura, pintora, etc.

 

Trouxeram peças que não foram expostas. Como foi criada a exposição que está no edifício do Antigo Tribunal?

Em termos de gestão de espaço houve algumas alterações. Quando chegámos, acabaram por nos ceder um espaço no Antigo Tribunal com características muito próprias. Era um espaço muito pequeno, com duas salas quase iguais, e uma acessibilidade muito pequenina através de uma porta que faz a ligação entre os dois espaços. Acabei por curar e ser também artista trazendo para ali a questão da Alegoria da Caverna.

 

Em que é que a alegoria se materializa aqui?

Estamos dentro de um córtex cerebral. A alegoria da caverna é a simulação do que é o espaço interno da consciência. É como se o crânio estivesse desabitado do cérebro, fosse um espaço arquitectónico que tem esta divisão entre os espaço dos dois lóbulos cerebrais. Dentro desta caverna, deste espaço, fizemos inscrições nas paredes, algumas com stencil. Fizemos pinturas, esculturas, inscrições. Trabalhar com estes dois artistas, neste espaço, acabou por representar um pouco o trazer-lhes à luz a situação que se passa em Timor. Lá, eles estão num ambiente confortável, mas com muita falta de referências e com um imaginário do que é que é o universo cá fora. Acaba por se transformar numa espécie de sombra e eles acabam por ter receio de entrar em contacto com ele. Esta vinda a Macau mostra-lhes também o oposto: não há monstros nenhuns. Isto é um universo de ligações e interligações, rizomático, que é acessível e eles são embaixadores culturais que trazem os seus hábitos e arte. Acabou por ser um  exercício muito válido e interessante. Esta mudança acabou por trazer à exposição uma influência já de Macau. A parte mais ritualística das velas, das latas com fogo e dos incensos acabou por ser transposto para dentro da instalação.

26 Jul 2018

Vanessa Redgrave recebe prémio carreira no Festival de Veneza

[dropcap style≠‘circle’]A[/dropcap] actriz britânica Vanessa Redgrave vai receber o Leão de Ouro pela carreira no 75.º Festival Internacional de Cinema de Veneza, anunciou ontem a organização. Em comunicado, o festival explicou que a decisão foi tomada pelo Conselho de Directores da Bienal de Veneza, presidido por Paolo Baratta, sob recomendação do director do Festival de Cinema de Veneza, Alberto Barbera.

“Estou surpreendida e especialmente satisfeita por saber que serei premiada no Festival de Cinema de Veneza pela minha carreira cinematográfica”, disse a actriz, que venceu em 1966 e 1969 os prémios de melhor actriz do Festival de Cannes, com os filmes “Morgan – Um Caso para Tratamento” e “Isadora”, respectivamente.

Barbera declarou que Vanessa Redgrave é “considerada uma das melhores actrizes de hoje”, explicando que “as performances sensíveis e infinitamente facetadas de Redgrave criam personagens complexas e muitas vezes controversas”.

Este é o segundo Leão de Ouro de carreira a ser anunciado para o 75.º Festival de Cinema de Veneza, depois do anúncio da atribuição ao realizador David Cronenberg. A cada ano, La Biennale atribui dois Leões de Ouro para a Realização da Vida no Festival de Veneza: o primeiro é concedido a um realizador, o segundo a um intérprete.

Nascida em 1937, a actriz estreou-se em cinema em 1958 com o filme “Por detrás da máscara”, de Brian Desmond Hurst, e participa em televisão desde 1962.

A 75.ª edição do Festival de Cinema de Veneza decorre de 29 de Agosto a 8 de Setembro.

25 Jul 2018

Festival Internacional de Música de Macau de 28 de Setembro a 28 de Outubro

O Festival Internacional de Música de Macau está de volta com um cartaz que oferece 16 propostas para diferentes gostos musicais ao longo de um mês

[dropcap style≠‘circle’]É[/dropcap] com a obra intemporal “L’Elisir D’Amore” que abre o 32.º Festival Internacional de Música de Macau (FIMM) que assinala assim o 170.º aniversário da morte do compositor italiano Gaetano Donizetti. A produção da Ópera de Zurique conta com o célebre encenador alemão Grischa Asagaroff, o tenor Arturo Chacón-Cruz, aluno de Plácido Domingo, e a aclamada soprano Laura Giordano. A ópera cómica em dois actos sobe ao palco nas primeiras três noites do FIMM, cujo cartaz foi ontem apresentado.
Já “Il Signor Bruschino” foi escolhida para celebrar o 150.º aniversário da morte de Gioachino Rossini, com a farsa em um acto a expor o humor e sagacidade do genial compositor italiano. A obra, uma das primeiras de Rossini, chega pela mão da L’Opéra de Chambre de Genève (Suíça). Os espectadores interessados em assistir a “Il Signor Bruschino” devem reservar os dias 12 e 13 de Outubro.
O FIMM encerra com a orquestra alemã Staatskapelle Dresden, uma das melhores e das mais antigas do mundo. Dirigida pelo maestro Christian Thielemann, a orquestra vai apresentar, em dois concertos, as sinfonias completas de Schumann, o mais romântico compositor alemão do século XIX, com “Primavera”, “Renana” e “Sinfonia n.º4” no programa.
Outro dos destaques vai para a Camerata Salzburg, proveniente da cidade natal de Mozart e descrita como intérprete por excelência das obras do compositor austríaco. A Camerata Salzburg vai unir-se ao francês Renaud Capuçon, descrito como um dos melhores violinistas da actualidade, em dois concertos de Mozart para violino e duas sinfonias de Haydn, considerado o “pai da sinfonia”.
Do Brasil vem o reputado violoncelista Antonio Meneses, que tocou com orquestras de renome como a Filarmónica de Berlim e a de Nova Iorque ou a Sinfónica de Londres, bem como em grandes salas e festivais. O repertório do concerto, marcado para 14 de Outubro, inclui a interpretação de “Suíte para Violoncelo”, de Bach, o teste definitivo para qualquer violoncelista.
Dois quartetos, que têm em comum o facto de integrarem membros da mesma família, figuram entre outros dos pontos fortes do FIMM. O Quarteto Hagen, de Salzburg, traz clássicos alemães e austríacos, incluindo obras representativas de Haydn, Schubert e Berg; enquanto Los Romero, conhecidos como a “família real da guitarra”, apresentam os seus próprios arranjos de música clássica espanhola, tocando obras de grandes compositores como Albéniz, Granados e Lorente, clássicos brasileiros, bem como suítes de Carmen, de Bizet.
Num género musical diferente surge o pianista de jazz Monty Alexander (Jamaica), com mais de 50 anos de carreira, conhecido pelo improviso, que vai mostrar o seu talento através de “Uma Vida no Jazz”. De Portugal chega-nos Sangre Ibérico, um grupo que ganhou notoriedade nos concursos “Got Talent” em Portugal e em Espanha. Composto por três jovens músicos, o grupo vai proporcionar uma noite de música latina, combinando rumba flamenca com fado, no concerto intitulado “Portugal Encontra Espanha”, marcado para 5 de Outubro.
O Stile Antico, grupo coral do Reino Unido aclamado como um dos melhores do mundo e com a particularidade de actuar sem maestro, tem dois programas diferentes: o concerto “Rainha das Musas”, uma selecção de música britânica renascentista composta durante o reinado de Isabel I, e “Responsórios Tenebrae”, um conjunto de 18 motetes para a Semana Santa, da autoria do compositor renascentista espanhol Tomás Luis de Victoria.

Diálogos musicais Oriente-Ocidente

O cartaz do FIMM também apresenta propostas que juntam o Oriente e o Ocidente. Lu Jia, director musical da Orquestra de Macau, vai juntar-se à Orquestra Filarmónica de Xangai para apresentar a Sinfonia n.º 8 em Dó Menor, a “magnum opus” de Anton Bruckner, a versão original (1887) esquecida durante muito tempo.
Já Liu Sha, director musical e maestro da Orquestra Chinesa de Macau, vai associar-se a Guo Yazhi, uma lenda da suona da China para apresentar “Caminho Nostálgico”, enquanto a Orquestra Nacional de Cantão irá apresentar “Rima Cantonense na Rota da Seda”.
A música electrónica também não foi esquecida, com as bandas EVADE (de Macau) e FM3 (de Pequim) a protagonizarem uma noite de “Batida Electrónica” nas Oficinas Navais n.º2, um espaço que vai acolher pela primeira vez um espectáculo do FIMM.
De regresso está o concerto “Bravo Macau!”, que oferece a jovens locais a oportunidade de mostrarem o seu talento e que, este ano, vai levar ao palco dois percussionistas (Hoi Lei Lei e Raymond Vong).
Os bilhetes para o FIMM, que vai decorrer entre 28 de Setembro e 28 de Outubro sob o tema “Viver – o Momento da Música”, vão ser colocados à venda no próximo dia 5 de Agosto, estando o cartaz disponível no sítio de internet do Instituto Cultural. O orçamento do “mais antigo festival de grande envergadura na região da grande China”, ronda os 30 milhões de patacas, valor idêntico ao da edição anterior, indicou o presidente substituto do Instituto Cultural (IC), Ieong Chi Kin, na conferência de imprensa de apresentação do evento.
Além das 16 propostas diversificadas, num total de 22 actuações, o FIMM oferece, como tem sido hábito, um programa extra composto por 13 actividades paralelas. A título de exemplo, o violoncelista brasileiro Antonio Meneses vai conduzir uma ‘masterclass’, estando também prevista uma visita aos bastidores da ópera de abertura do FIMM que permitirá ao público ver como os cenários de uma vila italiana no século XIX são criados através do guarda-roupa, decoração e adereços.

25 Jul 2018

Exposição | Fotografia no feminino na Galeria At Light até 21 de Agosto

Arte no feminino é a série que apresenta as exposições de fotografia “Light Elegance” e “Slender Grace”, resultado da criatividade de Bella Tam e Pui Cheng respectivamente. A exposição conjunta está patente na Galeria At Light até 21 de Agosto

 

[dropcap style≠’circle’]C[/dropcap]om a curadoria de Si Wun Cheng, as exposições “Light Elegance” e “Slender Grace” integram a série “Arte no Feminino” que pretende trazer ao público obras fotográficas centradas na mulher, enquanto artista e objecto.

“Light Elegance” foi o nome inspirado nas componentes do carácter chinês que remete para o conceito de elegância. “O carácter é constituído pelo radical de mulher e remete para este conceito”, começa por explicar a curadora Si Wun Cheng ao HM. Adepta de trabalhos que abordem naturezas mortas, a fotógrafa Bella Tam desenvolveu as imagens presentes na exposição a partir do contacto com plantas. “Sempre gostei de trabalhar com objectos inanimados como flores, comida, coisas desse género”, conta ao HM. São estes objectos, em especial as plantas, que transportam a artista para o próprio corpo da mulher, até porque nelas vê um sistema orgânico muito semelhante ao humano. “Às vezes compro flores que coloco no meu quarto. Com a presença constante delas, ali, acabam por de alguma forma se transformar em seres orgânicos, como os corpos humanos”, diz.

Para Tam, plantas e pessoas mesclam-se e é nesta mistura, que pode “parecer ambígua, que colidem e entram em simbiose” que a fotógrafa tenta captar em imagem. “Este é o meu ponto de partida e o que está aqui é o resultado do que faço desde o primeiro dia em que comecei a fotografar”, revela.

Contra o preconceito

Já Pui Cheng resolveu juntar a força de uma imagem com a sua delicadeza ao mesmo tempo que explora o tema da vergonha do corpo feminino. “Através da exploração do corpo e das suas formas estamos a fazer uma espécie de afirmação”, conta. Para a fotógrafa ainda existe algum pudor quando se fala em abordar o corpo, algo que pretende combater. “Não temos de nos envergonhar do nosso corpo. Com estas obras quis fazer um regresso ao despudor e à normalidade do corpo humano”, diz.

Por outro lado, nas imagens que alternam partes de corpos, flores e construções em cimento, Cheng dá a conhecer os elementos que a inspiram. “Sempre fui fascinada pelo ordinário e pelo vulgar, pelas coisas por que passamos todos os dias”, aponta. É aqui que também se inclui o que os homens fazem e constroem. A fotógrafa gosta de “explorar a vida que nasce daquilo que é feito por mão humana, o que nasce em paredes, muros ou edifícios”. Para a artista é na contraposição entre a “morte” destas construções e a possibilidade de nelas nascer a vida que gira todo o seu processo criativo.

Dois em um

O resultado das criações de Bella Tam e Pui Cheng é uma complementaridade de trabalhos que mais parece terem sido feitos em paralelo e em constante comunicação. Mas isso não aconteceu. Tam e Cheng, apesar de amigas desenvolveram estes projectos sem partilhar o que faziam. Preferiram “que os trabalhos, no final falassem por si”, revelou a curadora. “E foi surpreendente perceber como se complementavam, como interagiam e como pareciam ter sido feitos por uma só pessoa”, referiu.

Para Si Wun Cheng, a série “Arte no Feminino” é um passo importante para a formação da fotografia feita por mulheres. Segundo a curadora, “estas iniciativas são especialmente importantes na medida em que em Macau as pessoas estão cientes de que a arte existe, no entanto não a conhecem”, refere.

Paralelamente, existe a ideia de que arte é a clássica, e “que as obras de arte são apenas as que obedecem a conceitos também clássicos, sendo a pintura o seu maior expoente”, completa. Cheng lamente que a fotografia, enquanto plataforma de expressão recente, seja ainda passada para segundo plano. O objectivo desta exposição é fazer com que as pessoas olhem para a fotografia de outra forma e divulgar o que anda a ser feito por mulheres fotógrafas de Macau.

24 Jul 2018

Fogo-de-Artifício | Dez equipas concorrem ao concurso internacional em Setembro

[dropcap style≠’circle’]F[/dropcap]ilipinas, Coreia do Sul, Japão, Bélgica, França, Portugal, Alemanha, Áustria, Itália e China vão mostrar as suas habilidades na arte da pirotecnia no 29.º Concurso Internacional de Fogo-de-Artifício de Macau (CIFAM). O evento, apresentado ontem, vai ter lugar nos dias 1, 8, 15 e 24 de Setembro e 1 de Outubro na baía em frente à Torre de Macau.

Das dez empresas participantes, quatro (oriundas da Coreia do Sul, Bélgica, França e China) vão fazer a sua estreia no CIFAM, iniciativa de cariz anual organizada pela Direcção dos Serviços de Turismo (DST). Paralelamente às cinco noites de explosões de cores nos céus vai realizar-se um Arraial (entre as 17h e as 23h), que reunirá gastronomia, espectáculos, jogos, entre outros, numa iniciativa em cooperação com a União Geral das Associações dos Moradores de Macau.

O canal chinês da TDM vai assegurar a transmissão em directo dos espectáculos pirotécnicos, enquanto o canal chinês da Rádio Macau vai transmitir em directo a música das exibições (às 21h e às 21h40). Há também vários programas de divulgação, patrocinados pela Wynn Resorts, incluindo o Concurso de Composição de Canção para o próximo 30.º Concurso Internacional de Fogo-de-Artifício de Macau, mantendo-se ainda a organização dos Concursos de Fotografia, de Desenho para Estudantes e de Design do Troféu do CIFAM.

24 Jul 2018

Entrevista | Sara F. Costa: “Os poemas são outras peles”

“A Transfiguração da fome” é o quinto livro de poesia de Sara F. Costa. A apresentação da obra escrita entre Portugal e o oriente está marcada para o próximo dia 28 e vai ser feita por António Graça de Abreu e Fernando Sales Lopes

[dropcap]P[/dropcap]orquê “A Transfiguração da Fome”?
Este livro é publicado na sequência de uma menção honrosa no Prémio de Poesia Soledade Summavielle atribuído pelo Núcleo de Artes e Letras de Fafe (NALF). A palavra “transfiguração” está comumente associada a um episódio bíblico mencionado no primeiro testamento, e que ocorre numa montanha conhecida como Monte da Transfiguração, onde Jesus aparece em forma de brilho. Na doutrina cristã, o facto de a transfiguração se dar no alto de uma montanha representa o ponto onde a natureza humana se encontra com Deus: o encontro do temporal com o eterno, com Jesus a fazer o papel de ponte entre o céu e a terra. Na mitologia chinesa taoista, é o homem que faz a ponte entre a terra e o céu, deslocando a divindade para o humano. Seja como for, o livro não é propriamente uma reflexão de pendor religioso, apenas se aproveita deste sentido para logo acrescentar uma viragem com a introdução da “Fome”. A “fome” pode ser a fome dos mais fracos, pode ser a fome mundana da ambição, pode ser o desejo. Transfigurar a fome em poesia é apenas uma tentativa de atribuir um sentido divino a tantos sentimentos mundanos que tenho.

Sempre achei que tanto a poesia como o meu fascínio pelo Extremo Oriente se relacionavam.

Existe algum teor religioso ao longo da obra?
Não, eu diria que o meu instinto, ao utilizar estes termos, foi mais irónico. Ao longo do livro os poemas abordam certos valores tidos como religiosos como o nascimento, a verdade, a fé e a esperança, acho que se quisermos interpretar algo timidamente religioso aqui, é possível, mas é possível interpretar exactamente o oposto, o mundano e existencialista, o estado de coisas em que se espera para sempre por uma ausência infinita.

Foi escrito entre Lisboa e Pequim. Como foi o processo de escrita deste livro?
Há uma diferença de tonalidade entre a primeira parte e a segunda parte. Recebi umas observações do António Graça Abreu que me disse que gostou sem dúvida mais da segunda parte porque, escrita num momento em que já estou a viver em Pequim, sente-se que os poemas respiram e falam sobre este espaço geográfico. Como historiador e especialista em estudos chineses, compreendo o interesse dele por esta faceta. A primeira parte foi escrita em Lisboa ao longo de vários meses. Não tenho um processo muito específico. Sento-me e escrevo. Escrevo no computador ou escrevo à mão se não estiver com o computador. Há alguns momentos no livro que são muito intimistas e outros que se focam mais no tema da transfiguração. Acho sempre que o desafio é falar tão especificamente de algo que é meu de tal modo que se torna identificável porque, por muito que possamos passar por coisas particulares, há sempre forma de fazer com que os outros compreendam e se crie uma empatia entre o que está escrito e quem lê.

Como é que sente a influência asiática no que escreve?
A segunda metade do livro foi escrito entre Macau, Coreia do Sul e Pequim. É aí que se sente mais a influencia asiática nos meus poemas. Muitas vezes são apenas menções a lugares, outros poemas são uma reflexão sobre a minha aculturação. Sempre achei que tanto a poesia como o meu fascínio pelo Extremo Oriente se relacionavam, na medida em que o que me faz criar é realmente encarnar diferentes papéis, deslocar-me daquilo que eu sou para aquilo que eu posso vir a ser depois de passar por determinada experiência. Os poemas são outras peles e experienciar outras culturas é também ter a capacidade de ocuparmos peles diferentes das nossas em todos os níveis, no sentido social, no sentido cultural, no sentido linguístico, etc.

“A Transfiguração da Fome” tem uma nota introdutória de José Luís Peixoto. Porquê este autor?
O que ele escreve nesta nota é muito interessante porque ele fala de uma relação poética entre nós. Gosto sempre de trazer para os meus livros as minhas referências, por isso abro com citações de Yukio Mishima, ou Herberto Helder, ou Al Berto, dependendo do livro. Quando era adolescente cresci muito poeticamente com o livro “A Criança em Ruínas”. Sei que José Luís Peixoto é mais conhecido pela prosa, mas há nele um génio poético inegável e que influenciou muito a minha expressão. Ao falar de uma ligação de quem lê para quem escreve ou de quem escreve para quem escreve, acho que estou a chegar a um nível de meta-narrativa muito pertinente. A maioria das pessoas que leem o que eu escrevo são também muitas vezes escritores. Estas referências são talvez uma forma de celebrar esta espécie de comunidade poética que se gera à volta de livros de poesia. Por outro lado, o José Luís Peixoto tem participado em vários eventos na Ásia. Para a apresentação do meu livro em Lisboa também fiz questão de convidar um poeta que vive em Macau, Fernando Sales Lopes e o poeta e historiador António Graça Abreu, um dos maiores especialistas na cultura e literatura chinesa. Muita gente escreve poesia mas acho que se torna interessante quando temos mais em comum para além da dimensão literária, que é bastante vaga.

Porquê a poesia?
É daquelas questões difíceis de explicar de uma maneira completamente legível. Escrevo desde criança. Não quero entrar em misticismos e dizer que é algo que “nasceu” comigo, mas em simultâneo é um pouco assim que me sinto. Não é uma explicação muito racional. Tenho prazer em escrever e sinto muitas vezes necessidade de o fazer, uma forma de reinterpretar a realidade e dizer: “é isto que eu acho que se está a passar”.

23 Jul 2018

Cinemateca Paixão | Filmes de animação chegam à tela em Agosto

Um total de 14 filmes de animação compõem o cartaz do “Festival de Animação Mundial de Verão”, que estará em exibição na Cinemateca Paixão. A curadoria está a cargo de Jonathan Hung, de Hong Kong

 

[dropcap style≠’circle’]D[/dropcap]epois dos filmes portugueses e dos documentários, a Cinemateca Paixão prepara-se para apresentar um novo cartaz a pensar nas férias de Verão dos mais pequenos. O “Festival de Animação Mundial de Verão” acontece entre os dias 11 e 26 de Agosto e apresenta 14 filmes de animação, num trabalho de curadoria de Jonathan Hung, de Hong Kong.

De acordo com um comunicado, este festival “traz 14 notáveis animações com uma grande variedade de temas e estilos, que nos garantirá uma maravilhosa viagem ao mundo da fantasia”. Além disso, “pais e filhos poderão aprender a realizar animações simples no ‘Workshop de Animação para a Família’”, que terá a duração de duas horas e que é destinado a crianças e jovens. O workshop, apenas em língua chinesa, decorre no dia 4 de Agosto entre as 15h e 17h.

Uma vez que o cartaz é composto por películas que receberam nomeações ou que “ganharam prémios importantes em diversos festivais de cinema de relevo”, a Cinemateca Paixão encarregou-se de dar ao festival “quatro destaques diferentes”.

O festival irá realçar ainda um realizador, na categoria “Realizador em Foco”. Nesse âmbito será recordado Satoshi Kon, falecido em 2010, através de quatro filmes de animação: “Azul Perfeito”, “Actriz do Milénio”, “Padrinhos de Tóquio” e “Paprika”. De acordo com os organizadores do festival, a selecção “permitirá um olhar retrospectivo e exaustivo do imaginário deste autor”.

Quatro séries, diferentes filmes

A primeira parte do festival intitula-se “Série Luminosa” e mostra ao público o filme “A Ganha Pão”, que foi nomeado para um Óscar. Este filme conta “a história de uma menina de 11 anos que tem de tomar conta da família e aprender a ser independente depois do pai ser preso”. Será também exibido o filme de Taiwan “Na Estrada da Felicidade”, que mostra “a mudança social em Taiwan através da viagem de crescimento de uma jovem rapariga”.

Ainda nesta categoria, o filme “A Ilha dos Cães”, de Wes Anderson, também faz parte da selecção, tal como “A Rapariga sem Mãos”, “um perturbador olhar sobre o mundo dos Irmãos Grimm, [onde] o realizador recorre a linhas de tinta claras para definir a suavidade e dureza da heroína”.

Na Cinemateca podem ainda ser vistas “duas animações cheias e humor negro para desfrutar, ‘Uma Cidade Chamada Pânico’ e ‘A Minha Escola Inteira a Afundar-se no Mar’”.

Segue-se a categoria “Série Negra”, com duas animações que são “verdadeiramente surreais e surpreendentes”. No filme “A Noite É Curta, Não Pares de Andar” revela-se a história de uma jovem que se lança “numa viagem pela noite de Tóquio cheia de gente embriagada e eventos misteriosos”. Por sua vez, “Anomalisa” versa sobre os estranhos encontros nocturnos de um escritor. Este filme, de Charlie Kaufman, esteve nomeado para um Óscar e venceu o Grande Prémio do Júri no Festival de Cinema de Veneza.

Na série “Sucessos da China” entra o filmes “Tenha um bom dia”, de Lou Jian, que está cheio de “ridículo, imprevisibilidade, humor negro e um poderoso estilo de animação raramente visto em filmes de animação chineses”. Outra película de animação incluída nesta categoria intitula-se “Dahufa” que conta uma história “onde a amizade permite aos personagens repensarem as suas identidades e posições, liberdade e escravatura, mas também as suas ideias feitas”. Os bilhetes começam a ser vendidos este sábado, ao balcão da Cinemateca ou online.

20 Jul 2018

Arquitectura | Open House Macau é hoje oficialmente apresentado

[dropcap style≠’circle’]O[/dropcap] espaço criativo “Ponte 9”, no Porto Interior, uniu-se à iniciativa “Open House Worldwide” que acontece em Macau nos dias 10 e 11 Novembro, sendo esta a primeira vez que o evento, ligado à história e arquitectura, acontece na Ásia. A apresentação oficial acontece hoje e o objectivo é “democratizar o acesso à arquitectura, através de visitas gratuitas aos bastidores de 50 edifícios que contam a história de quase 500 anos de coabitação entre o Oriente e Ocidente”, aponta um comunicado.

As submissões de edifícios a visitar devem ser feitas até ao dia 17 de Agosto para que haja “dezenas de oportunidades para falar, pensar e celebrar a cidade”. “O programa de visitas baseia-se num critério de selecção que avalia o contributo único dos edifícios para a cultura e tecido urbano da cidade, tendo em vista oferecer uma perspectiva ecléctica do panorama construído de Macau”, apontam os organizadores, sendo vão existir nos percursos “exemplos de arquitectura vernacular (tradicional chinesa), a propostas de estilo neoclássico, art déco, modernista e contemporâneo”.

Macau é importante para este evento porque é considerado como “o território mais densamente povoado do mundo, uma cidade vibrante e em constante mudança, detentora de uma história única de intercâmbio cultural”. Além disso, “o crescimento da indústria do jogo e consequente desenvolvimento de casinos dos últimos anos justapõe-se a um tecido compacto e texturado, no qual edifícios idiossincráticos contam uma história de quase 500 anos de coabitação entre o Oriente e o Ocidente”.

O “Open House Worldwide” foi criado em 1992 em Londres, tratando-se de uma iniciativa que se estrutura “a partir de um conceito simples, mas poderoso: convidar todos a explorar e a debater sobre a importância da boa concepção arquitectónica nas cidades, de forma inteiramente gratuita”.

“O sucesso do evento junto do público, justificou a criação da rede mundial Open House Worldwide – da qual o Open House Macau é membro -, uma das mais relevantes instituições internacionais para a promoção da arquitectura, incluindo 40 iniciativas em quatro continentes, que congregam a participação anual de mais de 1 milhão de visitantes”, explica um comunicado. A curadoria da Open House Macau está a cargo do CURB – Centro de Arquitectura e Urbanismo, dirigido pelo arquitecto Nuno Soares, em parceria com diversas outras instituições.

20 Jul 2018

Fotografia | Artistas sul-coreanas registam a opção de viver só

Está a nascer na Coreia do Sul uma nova tribo juvenil, noticia a CNN. “Honjok” é o movimento que se caracteriza pela opção de viver em solidão ao mesmo tempo que se retratam esses momentos em fotografia

 

[dropcap style≠’circle’]U[/dropcap]ma jovem, sentada ao balcão de um bar. De olhar perdido, parece dar um beijo a um pequeno tomate. Numa outra imagem, desta feita a preto e branco, uma jovem é retratada com o olhar substituído pela luz de um túnel. Através de uma montagem, dirigem-se ao suposto olhar, três indivíduos. Estas são as descrições possíveis de duas das fotografias de Nina Ahn e Hasisi Park que retratam o movimento “honjok”.

“Honjok” é neologismo que combina as palavras “hon” (sozinho) e “jok” (tribo). O conceito aparece para descrever uma geração, que conta com cada vez mais elementos, que abraça a solidão e a independência como características identitárias. O fenómeno reflecte o crescente número de lares constituídos por uma só pessoa e “é também a expressão que retrata a mudança de atitudes em relação ao romance, ao amor, ao casamento e à família. É esta a subcultura que dá mote aos trabalhos das fotografas Nina Ahn e Hasisi Park, aponta uma reportagem da CNN.

“É a sensação de desistir”, disse Ahn em entrevista à mesma fonte. Para a fotógrafa a geração a que pertence já não se apoia no trabalho para a conquista da felicidade pelo que a aposta é no individuo, só, na sua existência. “Vivemos numa geração em que simplesmente trabalhar arduamente por um futuro brilhante não garante a felicidade, então por que não investir em ‘eu’, dando tempo a cada um de nós?”, questiona retoricamente.

As imagens não deixam de carregar um sentimento de tristeza, mas não podia ser de outra forma. “O facto das minhas fotografias terem associada a tristeza reflecte o que é actualmente a cara da minha geração”, diz.

Embora as imagens de Ahn retratem uma solidão palpável, a fotógrafa acredita que os seus contemporâneos estão mais dispostos a dar sentido à vida recorrendo a outras acções, como as viagens. A ideia parte também do princípio de que existe uma certa desesperança quanto às certezas do futuro. “A geração dos nossos pais sabia que depois de trabalhar afincadamente e de economizar durante alguns anos seria possível comprar uma casa para a família, mas nós não”, diz. “Chegámos à conclusão de que nunca seremos capazes de conseguir ter alguma coisa, mesmo trabalhando a vida toda”, aponta.

A efemeridade do mundo moderno é uma das maiores crenças desta geração. “Sabemos que a felicidade nunca dura sempre e queremos ter uma forma de viver consoante esta circunstância e de maneira mais sábia. As nossas prioridades mudaram”, sublinha.

Nina Ahn não está sozinha no registo fotográfico deste movimento social. A fotógrafa Hasisi Park também explora o isolamento entre os jovens sul-coreanos. No seu trabalho retrata uma juventude sem poder “no grande deserto que é a sociedade em geral”, revela à CNN.

Para a fotógrafa, a ascensão do movimento “honjok” deve-se às pressões sociais da vida moderna que limitam a inter-acção com os outros.

“A sociedade em que vivemos pode ser muito instável, e acho que, por isso, os jovens não se querem comprometer “, disse em entrevista.

Transformações radicais

Em 2016 foram registados, na Coreia do Sul, 5 milhões de lares em que reside uma só pessoa, o que corresponde a cerca de 28 por cento da população do país refere, Michael Breen, autor do livro “Os Novos Coreanos: A História de um Nação “, tendo como base os dados dos serviços estatísticos daquele país. De acordo com o mesmo autor, refere a CNN, este tipo de desenvolvimento social orientado para as famílias unipessoais vai contra as tradições históricas da sociedade coreana.

“Acho que é uma consequência natural da democracia e do desenvolvimento económico”, diz Michael Breen. “Em muitas sociedades asiáticas, os interesses e direitos individuais têm sido subordinados aos da organização familiar ou de grupos”, explicou. No entanto, e com o desenvolvimento da democracia, os valores têm-se modificado e ao invés do colectivismo, o individualismo começou a predominar.

“Quando cheguei pela primeira vez à Coreia, nos anos 70, todos os coreanos que conhecia tinham cinco ou seis irmãos, e todos vinham de famílias numerosas”, acrescentou Breen. “Costumava ver muitos parentes a viver na mesma aldeia”.

Com uma crescente classe média e os esforços por parte do Governo na promoção do planeamento familiar, a taxa de natalidade sofreu “uma queda dramática de 6,1 nascimentos por mulher em 1960, para 1,2 em 2015”.

Criar um filho começou a ser percepcionado como um peso e as noções de família tradicional mudaram, aponta.

O crescimento do individualismo pode ser uma fonte de satisfação, considera Jang Jae Young, gestor de um site dedicado ao estilo de vida solitário, o honjok.me.

“A geração de nossos pais estava ocupada com a preocupação de por o pão na mesa”, disse em entrevista à CNN. “Tiveram de se sacrificar para alimentar as famílias e contribuir para a economia”, explica. Hoje em dia o objectivo de cada um é outro: a realização pessoal. “Há um desejo de auto-realização e de felicidade, mesmo que isso signifique estar sozinho”, considera.

19 Jul 2018

Festival Internacional de Música | Ópera “L’Elisir d’Amore” inicia programa

[dropcap style≠’circle’]A[/dropcap] 32ª edição do Festival Internacional de Música de Macau (FIMM) acontece em Setembro e Outubro com o tema “Viver – O Momento na música”, mas já é conhecido o espectáculo que fará a abertura o programa. Trata-se da ópera em dois actos “L’Elisir d’Amore”, que marcará a celebração dos 170 anos da morte do compositor Gaetano Donizetti. De acordo com um comunicado do Instituto Cultural (IC), o espectáculo irá mostrar ao público “o poder mágico do amor através da sua música magnífica”.

O cartaz deste ano conta ainda com o Quarteto Hagen, “que traz virtuosismo em perfeita harmonia”, enquanto que o pianista jamaicano Monty Alexander “mostra o seu talento” no espectáculo “Uma Vida no Jazz”. Além disso, a Orquestra de Macau junta-se à Orquestra Filarmónica de Xangai e apresenta a versão original (1887) esquecida durante muito tempo da Sinfonia nº. 8 em Dó Menor de Bruckner, que toca de forma profunda os sentimentos e inspirações da humanidade.

O IC revela ainda que o programa desta edição do FIMM visa também “apresentar os clássicos da Alemanha e Áustria: a Camerata Salzburg, proveniente da cidade natal de Mozart, junta-se ao famoso violinista francês Renaud Capuçon e traz a mais pura interpretação da música clássica da escola vienense, demonstrando um fantástico diálogo entre o solista e a orquestra”. “Com uma história mais de 400 anos, a Staatskapelle Dresden apresenta a mais autêntica música alemã, sob a batuta do maestro Christian Thielemann, ao interpretar as sinfonias do compositor romântico Schumann”, aponta ainda o mesmo comunicado.

Os bilhetes para a 32ª edição do FIMM começam a ser vendidos em Agosto. Mais detalhes do programa serão divulgados nas próximas semanas.

18 Jul 2018

Teatro | Espectáculo infantil “O Caminho para Casa” regressa ao CCM

Inspirado no livro do ilustrador Oliver Jeffers, “O Caminho para Casa” regressa ao Centro Cultural de Macau depois do sucesso dos primeiros espectáculos em 2014. Os artistas falam de uma peça de marionetas em que se celebra o poder da amizade entre um menino e um pequeno marciano

 

[dropcap style≠’circle’]P[/dropcap]ensado para crianças com mais de quatro anos, “O Caminho para Casa” regressa ao auditório do Centro Cultural de Macau (CCM) para mais espectáculos, que decorrem entre hoje e domingo. A peça de marionetas conta a história de um rapaz que um dia descobre um avião a hélice no seu armário e decide voar até ao espaço. Quando o motor começa a falhar e perde o combustível, o jovem conhece um pequeno marciano que também ficou sem meio de transporte.

Esta é a história por detrás do espectáculo que mostra aos mais pequenos o poder da amizade, através de dois personagens que se ajudam mutuamente no regresso ao planeta Terra. Como não há diálogos, a história é contada por via de sons e gestos que revelam a história dos dois amigos.

A produção resulta do trabalho conjunto do teatro Refleksion, da Dinamarca, e do Branar Teatar, da Irlanda. Ontem, os artistas Aapo Juhana Repo e Neasa Padhraicin Ni Chuanaigh, contaram mais detalhes deste espectáculo que pretende dar maior destaque às marionetas, pelo que se pode esperar um jogo de contrastes entre a luz e a escuridão.

“Vai existir pouca visibilidade para que as marionetas tenham uma maior atenção por parte do público, para que seja também mais mágico. Fizemos umas pequenas adaptações, mas se lerem o livro de Oliver Jeffers não ficarão desapontados com o nosso espectáculo”, explicou o artista Aapo Repo.

Oliver Jeffers já viu o espectáculo duas vezes e sempre gostou do que viu, ainda que tenha imposto uma única condição para a adaptação subir ao palco. “Esteticamente tinha de ser semelhante ao livro”, explicou a outra artista que faz parceria com Aapo Repo, Neasa Ni Chuanaigh.

Reacções iguais

Os directores das duas companhias teatrais conheceram-se em 2009, mas levou algum tempo até que “O Caminho para Casa” subisse ao palco. “Quando se conheceram achavam que Oliver Jeffers era um grande ilustrador. Sempre falaram em fazer uma co-produção em parceria, e em 2012 ou 2013 acharam que era a altura certa”, apontou Neasa Ni Chuanaigh.

Com digressões feitas ao longo da Europa, América e Ásia, os artistas confessam que a reacção das crianças acaba por ser muito semelhante. “Tem sido muito bom ver as crianças de todo o mundo a rir nas mesmas partes do espectáculo e gostar. É diferente do que interpretar perante um público adulto, e penso que podem ser mais pacientes do que as crianças. Precisamos de ter mais cuidado com os movimentos, mas as crianças estão atentas ao espectáculo, no geral”, adiantou Aapo Repo.

O teatro Refleksion sempre se dedicou à produção de teatro de animação e de marionetas, não apenas para crianças como para adultos, sendo um trabalho que desenvolve há 25 anos. Um comunicado do CCM refere que as produções desta companhia dinamarquesa “são simples em termos de expressão mas com um grande sentido de pormenor, tanto no que respeita às marionetas como no que respeita ao design dos cenários”. Além disso, a companhia “busca uma universalidade em cada tema, uma vez que os espectáculos abordam com frequência questões da condição humana, focando-se na importância da amizade e na necessidade de enfrentarmos os nossos temores”.

Hoje “O Caminho para Casa” faz-se às 19h30, com repetição amanhã nesse horário e também às 17h. Na sexta-feira o espectáculo sobe ao palco às 15h, 17h e 19h30. Aos sábados e domingos decorre às 11h, 15h e 17h. Cada espectáculo tem a duração de 50 minutos.

18 Jul 2018

Morreu o jornalista e escritor Altino do Tojal, autor de “Histórias de Macau”

[dropcap style≠’circle’]O[/dropcap] escritor e jornalista Altino do Tojal morreu no domingo à noite, aos 78 anos, em Brunhais, Póvoa de Lanhoso, distrito de Braga, disse à Lusa fonte da família, acrescentando que as cerimónias fúnebres se realizam esta quarta-feira.

De acordo com a mesma fonte, o velório do autor de “Os Putos” inicia-se na quarta-feira, às 11:00, e o funeral realiza-se no mesmo dia, às 15 horas, na Igreja de Sobradelo da Goma, Póvoa de Lanhoso.

A fonte familiar indicou ainda que o corpo do escritor seguirá depois para o Porto, para ser cremado, “como era a sua vontade”.

Altino do Tojal nasceu a 26 de julho de 1939, em Braga, onde viveu até aos 27 anos, segundo recordam vários amigos.

Trabalhou em diversos jornais, nomeadamente no Jornal de Notícias, no lisboeta O Século, até ao seu encerramento, e depois no Comércio do Porto.

Destacou-se na escrita de ficção e a sua obra “Os Putos” foi adaptada ao teatro, à televisão e à banda desenhada.

A primeira versão deste livro surgiu ainda em 1964, com o título “Sardinhas e Lua”.

Escreveu igualmente “O Oráculo de Jamais” (1979), “Os Novos Putos” (1982), “Orvalho do Oriente” (1981) e “Viagem a Ver o Que Dá” (1983) .

Nos anos de 2005/2014, a Imprensa Nacional Casa da Moeda (INCM) retomou títulos do autor, como “Ruínas e Gente”, “Jogos de Luz e Outros Natais” e ainda antologias como “Noite de Consoada”, “Histórias de Macau” e “Os Putos – Contos Escolhidos”.

Encetados na década de 1960, “Os Putos” constituiram um projeto que Altino do Tojal manteve em curso, durante anos, com histórias de crianças de rua, que o escritor Urbano Tavares Rodrigues definiu como “crianças sós, iludidas, deserdadas”, vítimas da “máquina trituradora dos adultos acomodados à brutalidade, à estupidez pomposa, à intriga reles, ao senhor rei hábito”.

Numa introdução à edição mais recente da INCM, datada de 2014, Altino do Tojal escreveu: “Fez-me bem escrever este livro, conto a conto, durante meio século, porque dei por mim a sublimar dificuldades de sobrevivência e fastios existenciais que, de contrário, exigiriam um estoicismo superior àquilo de que sou capaz, para serem toleráveis”.

“Embora desejando que ‘Os Putos’ fizessem doer a consciência tão cruelmente como os vivi, quis também que arrebatassem a imaginação tão magicamente como os sonhei. O facto de continuarem a ser lidos, tanto tempo decorrido, permite concluir que, da semente dos meu propósitos, germinou boa árvore.”

17 Jul 2018

Inês Rodrigues acaba de publicar livro sobre investigação acerca do massacre de 1953, em São Tomé e Principe

A obra da professora Inocência Mata, da Universidade de Macau, foi fundamental para Inês Rodrigues quando decidiu fazer o seu doutoramento sobre o Massacre de 1953 ocorrido em São Tomé e Príncipe. Doutorada pelo Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra, Inês Rodrigues fala sobre a sua investigação transformada agora em livro, intitulado “Espectros de Batepá. Memórias e narrativas do ‘Massacre de 1953’

[dropcap]N[/dropcap]um dos seus artigos afirma que o “massacre de Batepá” é um acontecimento praticamente desconhecido em Portugal. Como teve o primeiro contacto com este acontecimento e porque decidiu investigar este assunto?
O primeiro contacto foi fortuito e deu-se quando li, pela primeira vez, a poesia da Conceição Lima, onde as referências ao massacre são recorrentes. A obra pioneira da académica são-tomense Inocência Mata [docente da Universidade de Macau], a quem devo muito intelectualmente e que tem três livros sobre a literatura são-tomense que são importantíssimos. Lendo estes textos, que são incontornáveis, apercebi-me que havia dimensões menos problematizadas deste evento histórico que poderiam ser iluminadas por uma pesquisa sistemática e global, a partir do campo dos estudos culturais, focada no «Massacre de 1953» ou «Massacre de Batepá», como também é conhecido.

Diz também que em Portugal “se recusa a discussão de um evento perturbador”. Fala da comunidade académica, dos media? Neste sentido, ainda há muitos pudores em Portugal relacionados com o passado colonial?
Em anos recentes, têm emergido muito mais espaços onde discutir e problematizar estes temas, sobretudo promovidos por associações de afro-descendentes e pela academia, mas também por alguns meios de comunicação social e jornalistas. Todavia, julgo que ainda há um longo caminho a percorrer. Considero que existe uma narrativa mestra, muito perceptível em certos discursos políticos e comemorações nacionais, por exemplo, que persiste em considerar o colonialismo português como tendo sido mais harmonioso e pacífico do que outros colonialismos europeus.

Continua a não se aceitar muito do que aconteceu?
Creio que ainda subsiste uma dificuldade em lidar criticamente com o passado colonial em certos núcleos nacionais e sectores da população, nomeadamente, no reconhecimento de que o colonialismo português compreendia dimensões de violência física e simbólica estruturais na administração, manutenção e gestão dos territórios e populações colonizados. No caso específico do «Massacre de Batepá», temos o facto de apenas em 2018 um Presidente da República português ter visitado um dos seus dos lugares emblemáticos (Fernão Dias), em visita oficial ao arquipélago, tendo aí reconhecido, a faceta ‘menos boa’, como disse Marcelo Rebelo de Sousa, da história de Portugal. Recordo, ainda, a actual proposta de construção de um eventual ‘Museu das Descobertas’ em Lisboa, que, felizmente, tem gerado uma profícua discussão. Estes ‘lugares de memória’ (estátuas, museu, toponímia, etc.) transportam significados simbólicos, transportam um passado de silenciamentos, exclusões e opressões várias que não podem ser ignorados. Daí que o manifesto publicado no jornal Público, e assinado por cem afro-descendentes portugueses, contra a edificação deste museu, nos moldes como foi apresentado e contra o que ele representa, seja um movimento importante para se perceber que estes processos de materialização da memória a partir do Estado têm que envolver a sociedade civil e não podem ser projectados desgarrados dos sujeitos.

Estabelece uma ligação ao relato literário deste massacre, feito pelos poetas Alda Espírito Santo e Conceição Lima. Até que ponto a literatura foi importante para preservar a memória deste acontecimento?
O corpus literário do massacre é muito heterogéneo e, por isso, é importante ter em conta os contextos de produção desses textos uma vez que a partir deles emergem valores estéticos e ideológicos diferenciados. Nesse sentido, na minha pesquisa, defini três períodos histórico-sociais e políticos específicos a partir do qual analisei as representações de Batepá. A dita ‘literatura colonial’ em que, na maioria das obras, são reproduzidos vários estereótipos associados às populações colonizadas. A literatura de testemunho, produzida sobretudo durante a luta de libertação no arquipélago e nos anos imediatamente posteriores à conquista da independência, a 12 de Julho de 1975, que constrói o ‘herói da liberdade da Pátria’. Por fim, a literatura da ‘pós-memória’ (seguindo o conceito proposto por Marianne Hirsch), isto é, as obras de escritores e escritoras que não viveram o massacre, mas que dele se apropriam criativamente como se de um passado vivido se tratasse – os herdeiros e as herdeiras de 1953. É esta literatura mais recente, sobretudo, mas em particular a poesia de Conceição Lima, que mais tem contribuído para complexificar as narrativas históricas do massacre, demonstrando que quadros teóricos e causais simplistas e categorias estanques como vítimas e perpetradores não são suficientes para se pensar este episódio, os seus actores ou para perceber como ele se desenrolou. De qualquer modo, e agora respondendo à questão mais directamente, a literatura, sobretudo a de testemunho, foi muito importante, à época, principalmente em certos segmentos da população são-tomense, para resgatar este acontecimento do passado, para construir uma comunidade próxima a partir dele e para fixar o sucedido numa narrativa que fosse passível de transmitir a ‘gerações’ vindouras.

Faz também uma ligação com o termo “fantasmagorias”. Quer isso dizer que este massacre existe, sobretudo, no imaginário dos são-tomenses, existindo várias versões do mesmo?
O fantasma, neste livro, é uma figura a que recorro de modos distintos: por um lado, enquanto elemento de imaginação e representação de um passado que continua muito presente na sociedade são-tomense e cujos legados ainda se fazem sentir no arquipélago e, por outro, enquanto elemento material e sujeito que produz conhecimentos. Isto significa que o massacre é um ‘fantasma’, no sentido da dialéctica visibilidade/invisibilidade, de que pouco se quer falar em Portugal; um ‘fantasma’ metafórico que, de modo marcante, paira no imaginário dos são-tomenses. Mas significa também que o massacre é reencenado de modo performativo por acção de espectros no sentido literal da palavra, como, por exemplo, no caso do Senhor Nove Nove, espírito de um sobrevivente de Batepá que ‘monta’ (para usar uma das expressões empregues localmente) o curandeiro Nijo e age como testemunha da violência persistente do colonialismo. Sobre Nijo e o Senhor Nove Nove há um documentário muito interessante e que recomendo vivamente, de Inês Gonçalves – ‘Na Terra como no Céu’. Estes fantasmas e seus significados simbólicos vão, por sua vez, contar diferentes versões dos acontecimentos de 1953. 

Este massacre foi muito importante do ponto de vista político, pois fundou o nacionalismo são-tomense. Acredita que foi fundamental para formar a sociedade actual de São Tomé e Príncipe?
Não há evidências concretas ou factuais da relação entre o massacre e a criação do CLSTP (Comité de Libertação de São Tomé e Príncipe) ou, mais tarde, do MLSTP (Movimento de Libertação de São Tomé e Príncipe). Contudo, há uma narrativa nacionalista que, durante os anos 1960 e 1970, resgata este evento como fundador do nacionalismo são-tomense. Como o momento do despertar político dos são-tomenses para a necessidade da independência. Na ausência de luta armada no território (como sucedia em Angola, Guiné e Moçambique) ou de lugares de violência carcerária como o Tarrafal, São Nicolau ou Ilha das Galinhas, é o massacre de 1953 que congrega em si a resistência dos são-tomenses ao colonialismo, a heroicidade e o sofrimento destes homens e mulheres, a vontade da população em não mais se subjugar às arbitrariedades e brutalidade do sistema colonial, etc.

Legitimou também o “Movimento de Libertação de São Tomé e Príncipe”, que afirma que institucionalizou a memória de uma forma não consensual. Pode especificar?
Como conta detalhadamente Gerhard Seibert numa obra notável sobre o percurso político e social do país desde o colonialismo até à independência – Camaradas, Clientes e Compadres. Colonialismo, Socialismo e Democratização em São Tomé e Príncipe (2002, ed. revista e aumentada) –, nos anos 1960 e 1970, quando a narrativa nacionalista são-tomense se ancorou simbolicamente no massacre para as suas reivindicações de autodeterminação, optou por destacar alguns forros – grupo etno-cultural dominante no arquipélago e que designa os descendentes de ‘filhos-da-terra’ e de escravos alforriados – como os ‘heróis e mártires’ da resistência no arquipélago ao domínio colonial. Excluindo, por conseguinte, as acções e desejos dos trabalhadores contratados ou de forros de segmentos socioeconómicos vulneráveis do processo de imaginação e construção da nação. Esta narrativa, mobilizada, como disse, com maior ênfase, durante a luta de libertação e nos primeiros anos da independência ainda vai tendo algum lastro nos dias de hoje e falha em reconhecer adequadamente as muitas tensões e nivelações de estatuto presentes na sociedade colonial de São Tomé e Príncipe, constituídas não apenas com base em signos como a cor da pele, mas também em factores como classe social, diferença sexual, geografia, entre outros. Para se compreender o massacre é preciso, então, perceber primeiro os modos como o colonialismo português desempenhou um papel preponderante na categorização da sociedade do arquipélago, profundamente hierarquizada, instituindo, especialmente através do trabalho, relações de poder muito complexas entre portugueses, colonizadores de outras origens europeias, forros, angolares e trabalhadores contratados de várias geografias.

Publicado este livro, que é o resultado do seu doutoramento, que projectos pretende desenvolver no futuro?
É inevitável sentir que fica sempre imenso por dizer e explicar numa pesquisa deste género, acima de tudo porque se refere a um massacre colonial repleto de nuances e porque o meu lugar de enunciação é, inevitavelmente, Portugal… Elenco algumas das interrogações em aberto que avanço na conclusão do livro: por exemplo, serão a fantasmagoria e a figura do ‘espectro’ elementos profícuos de análise se ampliados às representações literárias de outros massacres fundadores, como, entre outros, Mueda, Wiriamu ou Pidjiguiti? Quais são as possibilidades de se construir uma memória pública crítica do massacre em Portugal? O que espero, na verdade, é que este arquivo da ‘imaginação do massacre’ possa permanecer um processo em aberto e que seja discutido e retrabalhado, suscitando novas interpretações críticas individuais e colectivas sobre o passado comum de Portugal e São Tomé e Príncipe.

17 Jul 2018

Luís Represas reconhece “outra dimensão” em novo álbum sem perder identidade

[dropcap style≠’circle’]O[/dropcap] músico Luís Represas disse à agência Lusa que o seu novo álbum, “Boa Hora”, no qual partilha interpretações com Carlos do Carmo e Ivan Lins, revela “uma outra dimensão e outro olhar” sem perder a sua “impressão digital”.

“Todo o processo criativo, de produção, em todo o processo de juntar os parceiros, tudo isto levou a se destapar uma pedra e descobrir a fase em que estou e me sinto muito bem, com uma outra dimensão e um outro olhar, sem perder a minha impressão digital”, disse o músico à agência Lusa.

A “impressão digital é algo que custa muito a criar”, disse o músico, referindo que “há compositores que pulam de fases para maneiras de estar, e há outros que gostam de ir evoluindo, progredindo e caminhando, mantendo essa impressão digital, que é uma coisa que leva muito tempo e custa muito a ganhar”.

A “impressão digital demora tempo a criar, mas é aquilo pelo qual o artista é reconhecido, quando se ouve, mas depois pegar nela e ir evoluindo e trabalhando com ela, é a forma como eu gosto de estar”, disse Represas, reconhecendo que tendo tido, ao longo da carreira, influências latino-americanas ou do fado, “há um veio que se mantém autêntico, que é um ADN”, que, no seu caso, defendeu, vem de quando começou nos Trovante, grupo que apontou como o seu berço e a sua escola.

O álbum, cuja concretização contou com o apoio do Fundo Cultural da Sociedade Portuguesa de Autores (SPA), é constituído por 14 temas, entre os quais “Boa Hora”, que abre e dá título ao CD, uma letra de Jorge Cruz que também assina a música com Represas.

Luís Represas partilha a interpretação de alguns temas com nomes como Jorge Palma e Paulo Gonzo, em “Cinema Estrada”, Mia Rose, em “A Curva do Horizonte”, Carlos do Carmo, em “O Colo do Vento”, e Stewart Sukuma, com quem colaborou várias vezes, em “Se Achas Bem”, que inclui versos numa das línguas de Moçambique, o changana.

“Cada um [desses temas] tem uma razão especial e surge da conversa amena e boa, que temos mantido ao longo do tempo, mas foram surgindo conforme o correr da composição, nenhum foi premeditado”, defendeu Represas, referindo que era “uma lacuna” não ter ainda gravado com Carlos do Carmo, de quem é amigo “há muitos anos”.

Entre os autores escolhidos, há José Calvário (1951-2009). Luís Represas gravou uma composição que o maestro lhe tinha dado, que encontrou casualmente e para a qual escreveu “A Curva do horizonte”.

“Depois de Ti” surge de um poema da filha, Carolina Represas, com quem já tinha colaborado, tendo assinado, por exemplo “O Aprendiz”, de um anterior CD.

“Não sou um ‘pai coruja’, e a Carolina é uma parceira como os outros. E desde que me reveja na forma como ela trabalha e nas palavras e nas ideias, e se o faz bem… é uma parceira como outros”, afirmou o músico que não escondeu o “orgulho” de a filha “estar a trabalhar na música e bem”.

Para o CD, produzido por Fred Ferreira, foi “fundamental” o apoio da SPA, que qualificou como “um balão de oxigénio” e “a única hipótese de os artistas fazerem os seus próprios discos”.

“O capital de investimento das discográficas é cada vez menor e menos eficaz”, o que se faz mais sentir quando se trata de um solista, como foi o caso.

Sobre o álbum, Luís Represas realçou que “junta várias gerações e formas, aparentemente diferentes de estar na música”, o que qualificou como “muito bom”, pois demonstra que “não há preconceitos ou ‘conflitos’ geracionais ou de estilos de música”, sendo antes “uma enorme partilha de ideias”.

“A música é uma das formas de arte mais transversais e aglutinadoras e serve, essencialmente, para unir”, conclui.

16 Jul 2018

Música | Beethoven a fechar temporada da Orquestra de Macau

A Orquestra de Macau está prestes a terminar mais uma temporada e este ano o concerto escolhido para assinalar a data foi a Sinfonia N.º 9 de Beethoven. O evento tem lugar no Centro Cultural de Macau no dia 28 de Julho

 

[dropcap style≠’circle’]A[/dropcap] Orquestra de Macau (OM) vai apresentar o “Concerto de Encerramento da Temporada 2017-18 – Sinfonia N.º 9 de Beethoven” no dia 28 de Julho, às 20h. O evento que fecha esta temporada de concertos tem lugar no Grande Auditório do Centro Cultural de Macau. Sob a batuta do director musical, Lu Jia, a OM convidou vários músicos chineses conhecidos no mundo da música clássica internacional e o Coro Filarmónico de Taipé para apresentar “esta obra-prima”, refere o comunicado oficial.

De acordo com organização, “a Sinfonia N.º 9, Op. 125 de Beethoven é considerada como a única obra com a classificação máxima em termos de influência histórica, importância artística e popularidade.” A Op. 125 é constituída por quatro andamentos criados entre 1818 e 1824 e é a última sinfonia completa composta por Beethoven.

Voz sinfónica

A Sinfonia N.º 9 foi criada quando o compositor já se encontrava praticamente surdo e a entrar em fase tardia de composição, “um período em que mostra os seus dotes, ao mesmo tempo profundo, exploratório e experimental”, aponta a organização. “É um exemplo perfeito de como Beethoven transformou a sinfonia tradicional numa forma de arte altamente dramática e filosófica e também a primeira vez em que um grande compositor utiliza a voz humana numa sinfonia puramente instrumental”, aponta o mesmo comunicado do IC.

Para este concerto, a OM convidou jovens chineses. Dos intérpretes convidados fazem parte a soprano Yuanming Song, a meio-soprano Niu Shasha, o tenor Shi Yijie e o baixo Guan Zhijing que, em conjunto com a interpretação vocal do Coro Filarmónico de Taipé, proporcionarão um final “perfeito da temporada da OM 2017-18”.

Está ainda agendada uma sessão pré-concerto na Sala de Conferências do Centro Cultural de Macau, entre as 19h e as 19h30 na mesma noite, na qual Lu Jia irá explicar o que está por trás da Sinfonia n.º 9. O objectivo é “permitir ao público melhor apreciar e entender o concerto”.

Os bilhetes para o “Concerto de Encerramento da Temporada 2017-18 – Sinfonia N.º 9 de Beethoven” encontram-se à venda na Bilheteira Online de Macau, com valores entre as 150 e as 400 patacas.

16 Jul 2018